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工笔花鸟画论文篇一
试题内容：
二、(9分，每小题3分)。
阅读下面的文字，完成6~8题。
工笔花鸟画，在中国画门类中具有辉煌而悠久的历史，从宋代到清代，传承将近千年，其样式与风貌，在历代大师手中演变多端，美不胜收，是中国绘画史无可替代的瑰宝。
然而传统工笔花鸟画的描绘、赏鉴及收藏，大致适宜于悠然闲适的农业文明时代．其精练的美学意蕴、风雅的玩赏价值以及高度成熟的人文积淀，在当代社会生活中毕竟不可强求了。因此，当代工笔花鸟画虽然在图式与技法上丰富多彩，但我们很难从中追慕它在中国古典文化中曾经有过的神采，尤其难以承袭花鸟画背后渊源深厚的文化底蕴。画家在创作的过程中，难免在延续图式及技巧的一面多有用心，而不易兼顾花鸟画创作极为重要的内在涵养。于是，我们难以回避的问题是：这一高度精关的画种有可能在不断的重复中，渐渐趋于庸俗的、艺匠式的、应酬应景的装饰性手艺。所以，重新审视、领会并着重探寻历代花鸟画经典的文化内涵，尤其是最成熟、最高贵、最华美的两宋花鸟画传统，对提升当代工笔花鸟画的内在气质与品质，无疑具有重要意义。
中国绘画自宋以来的精神渊源，离不开释家与道家静观无为、心领神会的思想传统。在宏观上，宋代的山水画达到道家精神的空前发挥，在微观上，花鸟画则处处渗透着佛家注重内省的喜悦，并与儒家的现世思想发生微妙的`交接．兼具感官认知与积极入世的特质。犹可注意的是，宋人的花鸟画培育了极其精确细致的观察精神，奠定了古人称之为“状物”，今人称之为“写实”的创作美学。我们在宋代花鸟画的任何作品中，都会为古人参透造物，模写精确的眼力与笔力所折服。
承袭隋唐绘画雄大灿烂的风格，北宋在山水画领域拓展出宏伟崇高境界的同时，又以花鸟画作为宫廷绘画的主脉，形成高贵的院体画风格，将宫廷生活的奢华富贵，形诸名花异草。北宋花鸟画最为神奇的奥妙，是将大千世界生生不息的生命形态。不露痕迹地转化为无与伦比的绘画形态，这一转化的神功，是世界美术史难以破解的奇迹。而在花鸟形态的精准捕捉中，两宋花鸟画刻画工夫的“酷似”与“毕肖”，为植物与动物注入灵妙的神性与温暖的人性，更为花鸟画赋予了纯净的诗意。这种鬼斧神工与性灵教养的兼备．既是宋人的集体禀赋，也不能不归功于先秦时代即已发萌的伟大自然观及丰富的思想遗产。其化育所及，以至两宋近三百年的绘画史造就了世界上最奢侈、最富有贵族气息的宫廷绘画，理所当然地使花鸟画成为独立的画科，再加上几代宫廷画师倾注了无穷智慧．精工巧作，于是成就了工笔花鸟画这一独步世界绘画史的奇葩。
(节选自12月17日《中国艺术报》)。
6．关于宋代花鸟画，下列说法不正确的一项是。
a．宋代花鸟画兼具感官认知与积极人世的特质，其中渗透着佛家注重内省的喜悦．并与儒家的现世思想微妙交接。
b．宋代花鸟画培育了极其精确细致的观察精神，其作品无不显示着古人参透造物、模写精确的眼力与笔力。
c．宋代花鸟画追求“酷似”与“毕肖”的风格，为植物与动物注入了神性与人性。赋予了作品纯净的诗意。
d．宋代花鸟画把成熟、高贵、华美的花鸟画传统推向了极致，探寻其文化内涵。对当代花鸟画的创作有重要意义。
a．道家精神的空前发挥。
b．宋人的集体禀赋。
c．先秦时代即已发萌的伟大自然观及丰富的思想遗产。
d．两宋几代宫廷画师倾注的无穷智慧及精工巧作。
8．下列理解和分析，符合原文内容的一项是。
a．在当代工笔花鸟画的创作中，画家只用心于延续图式及技巧的一面，而却不去兼顾极为重要的内在涵养。
b．在画家们不断的重复中，工笔花鸟画这一高度精美的画种在当代沦为庸俗的、艺匠式的、应酬应景的装饰性手艺。
c．北宋的山水画和花鸟画继承了隋唐绘画雄大灿烂的风格，前者拓展出宏伟崇高的境界，后者则形成高贵的院体画风格。
d．北宋花鸟画最为神奇的奥秘，是用“状物”“写实”这一神功不露痕迹地将大干世界的生命形态转化为绘画形态。
试题答案：
二、（9分，毎小题3分j。
6.c(“酷似”与“毕肖”是宋代花鸟画的“刻画工夫”而非其风格）。
7.a(“道家精神的空前发挥”是宋代的山水画所体现的一种文化境界）。
8.c(a项“只用心于”和“不去兼顾”说法错误。据原文，画家“难免在延续图式及技巧的一面多有用心，而不易兼顾花鸟画创作极为重要的内在涵养”主要是时代的原因，而非是主现原因。b项将或然判断变成了必然判断。d项“状物”“写实”并非北宋花鸟画“转化的神功”,据原文，“神功”尚未破解。）。
工笔花鸟画论文篇二
你们一定读过很多民间童话吧？细心的人一定不难发现民间童话中有很多定型化的表现形式和表现技巧，它们使民间童话变得非常的通俗易懂而又有趣，因此长期以来民间童话都一直很受小读者的青睐。而我们的作家也很看重这些表现形式和技巧，经常有意识地在创作中加以借鉴吸收，并有所创新。下面我们就来简单介绍一下在现代童话创作中对传统形式的借鉴与创新。
首先是对传统结构形式的借鉴。
民间童话的结构类型大都较为固定，比如有三段式、梦幻式、历险式、奇遇式、寻宝式等等。这些定型化的结构模式经常为童话作家所运用，把它移植到现代童话的创作中。比如张天翼的童话《宝葫芦的秘密》运用的就是梦幻式的结构方法。王葆在梦幻中得到了他梦寐以求的宝葫芦，可宝葫芦在满足他各种愿望的同时，也给他带来了无穷的烦恼。在梦醒之后，他终于明白了不劳而获的害处。王铨美的《睡在扁担上的小熊》（《娃娃画报》90.10）用的则是典型的三段式的结构方式：小熊出门旅行欲住旅店，挑三拣四总不满意，最后天完全黑了，小熊再无挑选余地，只能屈居在狐狸旅店的柴房里，靠着自己的扁担呼呼大睡。一而再，再而三的三段式故事发展，不仅将矛盾冲突步步推向高潮，而且使整篇故事充满了浓郁的趣味性。
第二，是对传统类型化人物与意境氛围的借鉴与模仿。
民间童话中的人物大多有固定的类型，比如“公主”、“国王”、“王子”、“灰姑娘”、“三兄弟”、“两姐妹”、“女巫”、“魔鬼”等等。同时，时代背景与时间地点也大都不确定，而往往泛指“在某某王国”“某个小山村”或者“从前在……地方……”“很久很久以前，在……国家……”等等，形成了民间童话特有的固定模式，让人一听便知这是民间童话。那么当这些特有的模式被借用来创作现代童话时，你就会有一种似乎是在欣赏传统童话的审美感觉。比如武玉桂的《公主的猫》和《方脸盘儿和圆脸蛋儿》（《娃娃画报》93.7/91.3）就非常出色地借鉴了这种模式，人物与意境氛围都与民间童话类似：《公主的猫》的故事发生在“一个没有猫的国度里”，人物是“公主”“国王”等等；《方脸盘儿和圆脸蛋儿》故事背景是模糊的，人物则是传统的“老公公”、“老婆婆”。然而，在传统氛围中，故事所表达的主题思想却具有深刻的现实意义，而且充满了浓郁的儿童情趣。
第三，是对传统“小道具”的借鉴。
民间童话往往借助一些具有神奇魔力的“小道具”为核心来演绎故事。如《白雪公主》中的“魔镜”；《阿拉丁和神灯》中的“神灯”等等。这些具有神奇魔力的“小道具”一旦被用于现代童话的创作中，那么也一定会使现代童话染上了神奇的.魔力。比如杨楠的《王七开餐厅》（《娃娃画报》93.8）借用的就是传统“小道具”式的“魔锅”和“魔铲”，来演绎一个保护野生动物的现代主题。王七凭借“魔锅”和“魔铲”开餐厅发了大财，但山上的动物却面临着灭绝的危险。于是动物们联合起来，救出了被抓的小动物，毁了“魔锅”“魔铲”，迫使王七餐厅关门停业，从而拯救了更多的野生动物。正是巧妙地借助了“魔锅”“魔铲”这个传统的“道具”才使得现代“环保”主题写出了新意。
传统童话的表现形式和技巧还有很多，它们对现代童话的创作具有广泛的运用价值。但对传统形式的借鉴立足点永远在创新上，而不是单纯的模仿，其中内容的新颖独特是创作的关键。
工笔花鸟画论文篇三
花鸟画在中国画上千年的发展史中，逐渐构成了完整的艺术体系和哲学范畴。受儒释道思想的影响，人与自然的和谐关系成为中国传统美学的核心资料，所谓“天人合一”、“道法自然”都是以儒释道的哲学理论为指导思想的。主张虚无、崇尚虚境，在有限的空间里追求无限的意义。因而，意象、意境成为衡量花鸟画艺术价值的重要标准。如果说花鸟画“师造化”、“写真”有其内在的必然性，那么“重趣”、“尚意”，追求“神与物游”、“象外之境”，以及诗意空间的表达，则更契合花鸟画“以物喻志”、“以画喻理”、“诗中有画，画巾有诗”的审美主张。从宋代院体花鸟画，到近代于非闇、俞致贞、陈之佛等工笔花鸟画大师的诗意空问表现概莫能外。
正如文艺复兴晚期样式主义画家面临的困境一般，当代工笔花鸟画家也被“影响的焦虑”所困扰，而“空间”正是他们的突破口。艺术作品中的空问表达是艺术家对于存在的感知，如今，全新的生命体验带来了不一样以往的诗意空间，或清灵梦幻、或凝重丰蕴、或安谧孤独……工笔花鸟画中亘古的留白最终不再盘桓不去，多变的空间语言成为新一代工笔画家诠释内在感受、传达个人体验的新工具。在这类作品中，空间之间没有明显的分界，行云流水般的柔润过渡，时而温厚、时而轻盈。满构图和水墨淋漓的大面积渲染一改传统工笔花鸟画中均质单调的白色虚空，将它变得流动、柔软。画面的主体被蕴藏着生命动感的虚灵背景绵绵密密地包裹，仿佛在鸿蒙的混沌里。流动空间既是当代时间、空间碎片化的隐晦表达，又是绵延不绝生命体验的象征形式。它是当代空间语言中最具古意和文化积淀的一种，因为从形式看，它借用了写意画水墨渲染的效果，依旧坚持了传统画面的虚实关系；从审美看，则秉承道家“阴阳相感，化生万物”的哲学理念。
笔者的《清露》是一幅很典型的流动空间作品。淡淡的水墨罩染让画面笼罩着一层似有若无的水汽，也让点染在画幅中部的胭脂与石绿带有盛夏的绿意、清润得沁人心脾。画面右下角那片墨色，浓重却不失空灵，仿佛浓荫里闪着微光的潮湿水汽，轻柔地飘荡在湖面上。画面中间的一只水鸟与荷花彼此顾盼，水色渲染的空间、交融之处的淡淡墨迹、若隐若现的分割，让夏日的宁静安谧如烟、如梦般带着内心的寂寥回响，在画面上袅袅缭绕。而与流动空间相对应的是画面中凝滞的时光，如同飞逝岁月的一小片化石，剔透、纯美。
与《清露》的清润隽永相比，笔者的作品《清秋》则显得甘冽醇厚。画面右侧经历过风雨摇曳的残荷，记录着生命的丰盈与凋败，它们以往竭尽全力地盛开，仿佛王尔德笔下那朵夜莺的玫瑰，浸润了生命的血与汁液、如泣如诉。看似不经意的浓墨渲染让画面的空间流动起来，熹微的光芒弥漫其间，如悠长的琴声，轻轻诉说着久远的故事，低吟浅唱。工笔的精微被轻盈的空间处理得虚实有致，如同空谷的埙声，绵长、浑朴，交织着怡悦和忧伤，这正是画家对生命的体验。
流动空间搅动了匀质的混沌，在虚实、阴阳、黑白的二元变幻中折射出原初的统一。它是怀旧的，在传统与现代、东方与西方的分界点上欲起身远行，却又忍不住回首深情凝望，就如华夏古老礼貌的守望者一般。那是来时的路，也是中国画的根。
现代礼貌击碎了阿卡迪亚的幻梦，将人们闭锁在都市生活的水泥格问里，孤独、隔绝。原本开放的画面空问中出现了一只器皿、一个盒子，它们是围合的，有时封闭、有时半开敞。嵌套空间是都市人对存在的感知，是心理上的多重隐喻，影射出生命的孤寂与交流的悖论。能够说，这类作品运用的是真正严格意义上的“当代花鸟”的空间语言，围合空间的描绘则引入了西方绘画的线性透视法，这是传统中国画所没有的；而画面深层蕴含着的个体意识则是现代民主社会的基石，它与“天人合一、物我两忘”的华夏哲思迥然不一样。
何曦的作品《和平颂》颇具代表性。画面巾央的玻璃罩子，透明、冷硬，仿佛蜗居在钢筋丛林中的个体，包裹着一层脆硬的外壳，看似坦荡清澈，却始终无法被真正触及。这是一个隐喻的心理空间，细心地安放古老的梦想：破碎的爱奥尼亚柱头可能是雅典娜神庙的残片，橄榄枝绿意葱茸，和平的期望含蕴着，即将吐出新芽；鸽子被内部空间的美所吸引，徘徊着。而透明的玻璃外壳隔开了这两个世界，让它们彼此关注，却无法相拥、相守。这幅作品关乎孤独与梦想、关乎爱……它们是当代个体生命体验的视觉隐喻。
有时，画面中心的围合空间不是完全封闭的。雷苗的作品《搁物架6》构成了半开敞的空间，左侧格子里放着各种形状的玻璃器皿，高低错落排列在一齐。瓶中插着浅蓝淡粉洁白的花儿，右侧格子中则仅有一株柔蓝的花被独自搁在一侧。薄雾般的银灰色罩染统一了内外两个空间，让它们不再隔离。这是格子间的另一种存在状态，依旧坚持着必须程度上的私密性，却开放了彼此交流的可能。
即使最简单的构图也可能糅合了几种不一样的空间，高茜的作品《忧郁症》就是一次精彩的演绎。画面中一张桌子，一只玻璃烧瓶，瓶里一尾金鱼，似乎是很普通的静物写生。然而，瓶颈处漂浮的云朵，提示着这非现实的场景。艺术家在此拼贴了一片梦境空间，一尾想飞的鱼被困在一只连转身都困难的烧瓶里。梦想与现实产生了强烈的冲突与矛盾，忧郁自然难免。回味画题之后才能完全明确，那里竟是一个隐喻的心理空间，联想“庄生梦蝶”、“子非鱼”的典故，不禁让人对这些作品的巧妙心思会心一笑。
相比之下，要认出徐累作品中的各种并置空间则无需大费周章。如《守夜者》，画面右侧的布帘界定了一扇窗，将观众所处的现实空间与画面相连。画面左下角，幽蓝的水面是自然的空间，而太湖石则暗示着庭院，它属于生活空间与自然之间的过渡。戴着礼帽的驯鹿，以它的非理性占据了梦境。所以从下向上，从左向右，依次是自然空间、庭院空间、梦境空间和生活空间。它们的并置，构筑了艺术家超现实的诗意空间，仿佛拉开窗帘，就能看到守望自我梦境的麋鹿温柔的黑眸，倦意如深幽的海水般潮湿，细小的浪叩击在太湖石上，轻柔的拍打声融于梦境里。
与嵌套空间和并置空间的三维深度相比，构成空间则是运用平面设计的构成原理，将所有资料抽象成点、线、面的基本形式要素，彼此交错穿插。节奏与韵律是构成空间的主宰，它把传统花鸟画变成纸面上的舞蹈，时而充满张力、时而自由灵动。这类作品就如建筑设计一般，像凝同的音乐传达着生命的节奏。与流动空间相比，两者同样富于变幻，一个是感性的，没有明确边界，是一种随意无定形的流动；而另一个则是理性的，边界清晰，哪怕再复杂的交错穿插，依旧分明。
最富音乐感的作品莫过于万芾的《光影》，黑白灰的背景彼此交错、长长短短、疏密有致，像极了蒙德里安作品的黑白版。同样以黑白灰三色塑造的小鸟，娇俏可爱，仿佛黑白琴键上散落的音符。深灰绿的细线条是随意的曲线，打破了几何分割的冷峻，为素净的画面带来丝丝生机，同时也为画面增添了节奏层次感。凭借构成空间的表达，这晨曲的韵律甚至能够直接用眼睛捕捉——因为形式在歌唱。
黑白构成的正负形相借也是构成画面节奏感的重要手法，在林若熹的作品《冷静》中，花叶之间相互穿插，犹如美妙绝伦的舞蹈。在画面中心，湛蓝的叶片衬着朵朵白花及鸟儿白色的翅翼与尾羽。柔软的花瓣翻飞着，构成不一样的形态，花朵相连的s形打破了画面中央大片的单调蓝色，构成有机的切割。而画面边缘大块留白，也是靠着蔓草的舒卷才免于刻板，变得流动柔美。叶与花的正负形互借构成了富有韵律变化的边线。这样的空间是一种扁平的表达，前后的穿插变成画面中强烈的黑白、疏密比较。
从虚实交融、变幻不定的流动空间，到都市生活个体的心理隐喻，再到似梦非梦异质空间的超现实并置，最终到充满节奏韵律的构成空间；曾几何时在传统花鸟作品中那一片虚空的留白，幻生出如此丰富的样态。工笔花鸟画的诗意空间体现了当代中国画的文化精神内涵，也是当代工笔花鸟画家对传统与现代，东方与西方、形式与观念的思考与探索。
工笔花鸟画论文篇四
文章摘要:本文章的主要内容是关于让古典与现代完美融合------谈信息技术在古诗教学中的运用教学论文精品，欢迎您来阅读并提出宝贵意见！
古诗是中华民族艺术宝库中的一颗璀璨明珠。她凝练含蓄的语言，深邃的意境，备受人们的喜爱，它以极简练形象的语言，生动地描绘了一幅幅色彩明丽，动静相宜的画面，创设了优美的意境，表达了深挚的感情，千百年来，脍炙人口。它作为中华民族的文化瑰宝，其价值不仅在于给人以艺术的熏陶，更能启迪人的思想，陶冶人的情操。新大纲第一次推荐了80首古诗词背诵篇目，目的就是通过这“一枝红杏”，让学生感受那古文化的“满园春色”。古诗教学是使学生吸取古文化精华的一种有效手段。学生从理解诗意，感受诗情，品味诗境中受到审美教育，提高自身素质。使用现代信息技术整合古诗教学，能提高古诗教学效率，优化课堂教学效果，培养学生的能力，提高学生的素质。集文字、声音、图像、动画于一体的cai(多媒体辅助教学)课件在创设情境、丰富古诗内容上有着独占鳌头的优势，更有利于让学生在理解诗意的基础上，领悟蕴含于诗中内在的美，拓宽了古诗教学的欣赏领域。
一、运用课件，体会语言美好的古诗语言精炼、优美、诗情画意。它能激起学生内心最美好的情感。杜甫的《绝句》“两个黄鹂鸣翠柳，一行白鹭上青天。窗含西岭千秋雪，门泊东吴万里船。”全诗一句一景，色彩明丽，轻快悠然，由四幅独立的景色描绘而成。教学一、二句时，计算机展示由“黄”、“翠”、“白”、“青”等丰富的色彩构成的画面，学生一下子被这美丽的画而所吸引：地面上柳枝嫩绿，黄鹂鸣叫，犹如抱春，柳树府一行白鹭轻飞上天，好一幅春意盎然，生机勃勃的春景图呀!古诗的第三句中“含”字用得十分精当，教师在设计这个画面时，从诗的视觉角度出发，在岷山雪景画面前装上一扇可以打开的窗户，然后，关上窗户观看岷山雪景，使远处雪山景色像是镶嵌在窗框中的一幅图画。cai的强烈视觉效果，是教科书上简单的捅图难以比拟的，使学生更易体会古诗的语言美。
二、运用课件，体会意境美意境是由作者主观感受和客观景象融合而成的。而作为主观感受的“意”，往往蕴含在客观景象的“境”中，那么要会其意，就必须进入“境”，引发学生的想象活动。如白居易的《暮江吟》“一道残阳铺水中，半江瑟瑟半江红。可怜九月初三夜，露似真珠月似弓。”这首诗通过描绘深秋傍晚到夜晚这段时间江上迷人的景色，赞美了清新和谐的自然景色，表达了诗人热爱大自然的浓厚情趣和悠然自适的心情。在理解全诗后，我让学生戴上耳机，闭上眼睛，随着轻柔和缓的乐曲，在脑海中逐渐出现深秋江景图；渐渐西坠的斜阳，红绿相映的江面，晶莹透亮的露珠，弯弓似的新月……这时学生自己就是诗人，正久伫江边，日落前那奇丽的江景，日落后这醉人的夜色，使人目悦心清，流连忘返!在学生随着音乐想象的同时，教师用富有激情的语言相机诱导，使学生尽快入情入境，通过神游，体验到诗的意境美。
三、运用课件，体会哲理美有些诗能使学生受到哲理的启迪。如苏轼的《题西林壁》“横看成岭侧成峰，远近高低各不同。不识庐山真面目，只缘身在此山中。”这不仅是一首写景诗，更是一首哲理诗，哲理蕴含于对庐山景色的描绘中。设计课件时，我下载网上有关庐山的图片资料．有正面看庐山的图片，还有从侧面、从远处、从近处、从高处，从低处看庐山的图片，装到教师机上，学生通过阅读古诗和查询图片资料，经过思考，会有所感悟：之所以从不同的位置看庐山会有不同的感觉，原来是因为“只缘身在此山中”啊!意在说明，如果对复杂的事物不作深入的调查，就容易被局部的现象所迷惑，对事物就难有全面的认识。
四、运用课件，体会情趣美有些古诗非常贴近儿童的生活，其情节有趣、生动。如袁枚的《所见》“牧童骑黄牛，歌声振林樾。意欲捕鸣蝉，忽然闭口立。”整首诗琅琅上口，讲述了一个放牛娃在放牛过程中的小插曲，突出的是“意欲捕鸣蝉”的情趣。当学生读通古诗时，让其观看根据古诗意思制作的动画片：“夏天的傍晚，太阳已不那么刺眼，放出柔柔的光。树林深处，远远地望见一个身影，噢!那是放牛的'牧童。瞧，他戴着斗笠，身穿黄色的无扣马夹，赤着脚丫，坐在摇摇晃晃的牛背上，口里还唱着；‘走在山间的小路上，暮归的老牛是我同伴……’这歌声配上鸟儿的鸣叫和蝉儿的哼唱，成了一组悠远、令人心情舒爽的歌，在辽阔茂密的大树林里隐隐回荡。树上，有一两只蝉儿在‘知了，知了’地叫着，那牧童手中摇晃的柳条儿忽然停止了舞蹈，静静地呆着，那头黄牛也乖乖停下了，牧童的眼睛久久地盯着树上的蝉儿，他想抓住它……”在剧情的感染下，学生会饶有兴趣地把故事说给学习伙伴听，想像着自己就是那放牧的儿童，那种天真活泼的童趣也尽显无疑。古诗的大意自然迎刃而解。五、运用课件，体会节奏美古诗讲究平仄、押韵，有很强的节奏感和韵律感，读起来琅琅上口，就像一首美妙的音乐。因此，学习古诗要注重引导学生反复地抑扬顿挫地诵读，读出一种紧张与松弛交错的特殊美感，即节奏感，体现韵律美、音乐美。如杜牧的《山行》，教师指导学生朗诵时，让学生点击“范读”一栏，这时深沉凝重的古筝曲由远及近悠悠传来，同时屏幕上显示出以深秋山林图为背景的古诗全文，并随着范读的开始，诗中相应出现停顿符号，“远上‖寒山‖石径‖斜，白云‖深处‖有‖人家。停车‖坐爱‖枫林‖晚，霜叶‖红于‖二月‖花。”学生在范读的熏陶下，会饶有兴趣地跟着朗读起来，融入诗歌内在的真情实感，读出了情味，读出了意趣。实践证明，充分发挥cai课件在古诗教学中的优势，拓宽了古诗教学的欣赏领域，使古诗的教学过程成为学生在教师的引导下自觉欣赏的过程，从而激起他们对古典文化的探究热情。
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工笔花鸟画论文篇五
1、“85美术新潮的影响”艺术之所以能够触动人的心灵，影响人的所想所为，就是因为其所具有的独特的魅力。而艺术的魅力就在于其特有的记忆与创新的特性。艺术不是静止不变的事物，而是不断变化发展的真实存在的审美。不管是在哪个历史阶段，哪个地区的艺术家，都是在不断的思考人生当中进行创作的，而在每一个历史阶段，艺术家们都会面临新的艺术考验和艺术问题。中国博大精深的文化历史和丰富的文化形态，为中国画的诞生与发展提供了众多的选择与机遇。由此可见，艺术也是源自于生活，以一定的文化环境和文化条件作为发展前提的。所以，艺术的创新与发展在一定程度上来说，都是在一定的社会阶段，对社会生活的抽象反映及内心的感受的表达。
在上个世纪兴起了著名的“85美术新潮”，由于受到西方现代主义思想的影响，新一代的艺术家们开始在绘画的道路上探求更加多元化、多样性的绘画形式及绘画风格。不管是图像资料、行为举动还是日常生活当中的元素，都能成为艺术家们笔下的艺术品。在艺术创作环境不断变化的背景下，艺术家们开始思考怎样通过绘画来表达自己的思想，表达作品的主题。在“85美术新潮”正是繁荣发展的时期，年轻的艺术家们开始感到迷茫和盲目，在一段时间失去了对绘画创新的评定标准。这一时期，中国画在批评声中艰难前进，这就导致经历了“85美术新潮”之后的中国画发生了巨大的改变。不管是在中国画的艺术作用方面，还是中国画的具体表现形式方面，都有了与以往明显不同的变化。
2、“观念”理念的应用中国画在发展的过程当中，不仅会受到中国传统文学的熏陶，同时也在不断受到西方艺术思想的影响，尤其是受到“图像学”的影响。表现在中国画当中，就是将不同的图像进行拼接，让拼接出来的图像隐晦地表达某种深层次的主题或思想。除此之外，中国画的审美标准也发生了一定的变化，过去看重作品直接呈现出来的美感，如今更加看重作品表现形式的新颖与独特性，注重作品所表达的观念。作为中国画的一个重要组成部分，工笔画逐渐发展起来。在工笔画的发展过程当中，其有效突破了作品材料的限制，突破传统创作理念，结合中西方的艺术思想，在对传统有所继承的基础上进行了创新，在作品的创作当中突出了“观念”的重要地位，侧重于对当代社会的反映和表达，作品当中更丰富的就是创作者的思想感情。“新工笔”是艺术家在绘画创作过程当中形成的一种新的认知，是对当前社会生活的一种表现形式，突破了过去传统工笔画的局限，给予了工笔画创作更大的发展空间。
二、“新工笔”的艺术界定。
1、“新工笔”的艺术定位。
在年的时候，著名评论家杭春晓在其著作《灰色的影调――“新工笔”收藏价值浅说》当中提到“新工笔”一词的概念，由此，“新工笔”作为一个新的绘画名词出现在人们的生活当中。在新的时代环境当中诞生的“新工笔”概念，赋予了传统工笔画新的含义和意义。与传统的工笔画相比，“新工笔”在作品画面的设计方面，仍然沿用了“三矾九染”的创作手法，使得整个画面更加精致精美。在色彩运用方面，有了更大胆的尝试和创新，将传统工笔画水墨的痕迹减弱，在色彩的选择过程当中做到统一和协调，用灰色调和淡一点的色彩作为气氛的渲染，经过一定的虚化和主体突出，让整幅画更有层次感。与此同时，在艺术思想方面，吸收了西方先进的绘画经验和视觉表现方面的手法，突破了传统工笔画材料的限制，对色彩的追求更加大胆，将作品所想要表达的人文情感很好地投射到现实社会当中，让整个作品的意境更加深远，更具有艺术价值和鉴赏价值。
2、“新工笔”的语言表现。
当代的艺术家具有一个共性，就是注重在创作过程当中对“观念”的表达和体现。而在“新工笔”当中，与传统工笔画最显著的区别就在于是否具有“观念”的体现。相比传统的工笔画，“新工笔”更加注重作品的“观念”，注重创作者对社会生活的思考与理解，注重人对事物的情感表达。
正如上述分析所指，“观念”是“新工笔”的一个核心要素，那么“观念”应当作何理解呢?我们需要明确的是，“观念”不是实际的创作材料，也不是具体的创作形式，而是作品所表达的观念和态度。“观念”不是一种介质或者类型，是对艺术的思考和质疑。特别是对传统艺术定位的质疑。作品的表现方式越来越丰富，这就使得对观众的反应也越来越看重。除此之外，“观念”不仅是指人脑中的思维，同时也能够通过一定的'介质表现在具体的作品当中，包括生活用品、图像、录音、语言等等。正如著名评论家杭春晓所指出的，随着工业化时代的到来，人们的精神需求与物质需求之间就发生了一些摩擦和冲突，二者并不是完全协调地存在。基于此，“新工笔”的诞生，就导致纯人文主义的绘画形式应运而生，对现实生活当中的物质主义进行思考和表达，在持续的迷茫、盲目和批判当中，将实际生活中的元素带入到绘画作品中，用来表达创作者的思想和感受，而不只是通过虚幻的精神思想作为创作的元素。另外，在“新工笔”当中，所用到的观察手法也更加丰富，常用的就是微观观察法。另外，“新工笔”更加注重从多个角度进行观察和思考，让创作的形式和手法也更加多元化。换句话说，随着地球村的出现和发展，东西方文化逐渐融合，由此导致绘画艺术也出现了同一的趋势，使得东西方绘画创作有了进一步结合的契机。
三、“新工笔”的艺术表现特点。
1、传统工笔画的艺术表现。
从传统工笔画的艺术表现形式来看，比较注重的是整个作品的工整和精致，追求整个画面的美感以及绘画对象的形似。在形体的表现方面，仔细观察，就能看到十分丰富的线条变化。在色彩的使用方面，提倡以最能描写形体的色彩来表现形体，以色彩来反映材料的色彩，对绘画对象进行具体的描绘。在图像构造过程当中，注重严谨和渲染的层次感。在意境的追求方面，青睐于作品的风格、雅致，侧重于作品的传神。由此可以看出，传统的工笔画在绘画方面具有比较统一严谨的要求和规范。
2、“新工笔”的艺术表现。
自从“新工笔”这一名词兴起之后，有关“新工笔”的画家都受到了一时的追捧，包括罗寒蕾、徐华翎、张见等等。这些画家在创作过程当中有一个共同点，就是创作来源于自己对生活的切实感受和认知，将自__己的文化素养与生活现实有效融合，打破了传统绘画模式的局限，通过中国画的艺术形式将自己对文化的理解表达出来。在传统工笔画审美观的基础上，这些画家们扩大了创作材料的选择范围，大胆引入了西方优秀的艺术思想和艺术手法。如今，“新工笔”中所用到的材料和手法，已经不仅仅是一种图像或者一种符号，而是通过这些材料来表达背后深层次的含义与意义，重要的是怎样灵活运用这些艺术手法和表达技巧来体现创作者想要表达的思想或者主题。例如在罗寒蕾画家的作品中，在人物表现方面，仍然采用的是传统表现手法，但是在具体的肌理处理过程当中，凸显了“新工笔”的不同之处，增加了自己对作品的理解和表现意念。因此，最后的成品中肌理的表现略显夸张，通过错觉、模糊等视觉效果来达到表达主题的目的。又比如在徐华翎画家所作的《后花园》、《香》等作品中，对线条的表现手法有所减弱，不再是以线条作为整个画作的框架。在媒介的选取方面，大胆突破了传统工笔画绘画思想的束缚，在画面的呈现手法上，也不局限于娟、纸等材料。另外，徐华翎通过k3墨水艺术微喷的方式来表现画面的背景，再通过对色彩的搭配让整个画面更加虚幻，更具朦胧美，从而为女性柔美性质的表现烘托了氛围，同时给予了观赏者更大的想象空间。
3、图像的象征性表达。
随着我国和其它国家文化交流的日益频繁，使得我国的绘画也受到了国外艺术的影响，尤其是西方“解构主义”和“野兽派”，对于我国工笔产生了重要的影响，使得我国的“新工笔”也开始对语意表达加以研究和重组，对于传统的工笔画形式进行了突破，采用不完整构图、透视及平面的转换多空间构图等方式来使得图像界限得以突破。在“新工笔”中，图像的象征性表达对于呈现艺术家的观念和态度有着非常重要的意义，往往在传统的东方绘画之中，象征是非常明确的，许多的图像都被用来象征人们所向往的强大与美好，比如说龙、麒麟等形象，而且这些图像往往都是带有神话和超越本性色彩的，但是在西方却有所不同，西方的艺术创作中，图像的象征性往往都是出于对社会以及自身生活经验的一些反思，所表现的更多是人的本性，所以说其图像的表现不像东方绘画这样明确，往往都十分隐喻，“新工笔”对西方的这种图像表现进行了借鉴，将东西方的文化和艺术进行了一定程度的融合，体现出了一种别致的美。比如说雷苗的“新工笔”作品《金鱼系列》，他对画面全部都进行了灰调处理，而且在内容上也并非意意象性的抒情，在其画面之中对于隐喻的手法进行了应用，而且也通过画面来体现了作者的一些感悟，在其作品之中，把人和作品进行了置换与联系，比如说在《鱼际关系》之中，作者安排金鱼游走在由水瓶和花卉所构建的虚拟空间之中，无论是空间还是逻辑上，都存在着许多的矛盾，但是作者还是进行了虚构的组合，从而预示了一种虚无和矛盾的人际关系。在画面之中，鱼是在玻璃器皿的里面游走的，鱼和鱼之间能够看到彼此，它们也都知道对方的存在，但是却不能够进行交流。而在《假想敌》之中，金鱼在玻璃前面看着自己，然后将玻璃中自己的成像视为自己假想的敌人，这些表达实际上都是对于我们生活中种种机遇的映射。又比如说沉宁在其作品《流言系列》里面，也对自己的观念意识进行了有效的呈现，在其构建画面的过程中，把一些对象的功能和本身的意义进行了重置，从而使得这些对象有了隐喻的作用。在其作品之中，把从口中所吐出的蝴蝶作为流言的隐喻，除此之外，在画面之中还有着许多的符号性的画面，通过这些符号性的画面将人们代入了一种特殊的情境之中，然后使得人们在这种情境之中对于自己的生活加以反思，从而使得人们通过他的作品对生活有了更深入的认识。
四、“新工笔”的艺术价值。
1、发挥传统媒介的作用。
我国的绘画艺术经历了数千年的发展，虽然经历了时代的更迭，但是绘画艺术却历久弥新，在不同的时代，中国画都得到了很好的发扬和传承，“新工笔”的出现，又一次为中国画的创新提供了更好的思路。在当代，我国的经济、科学和工业都取得了良好的发展，而且随着全球化进程的不断加快，中西方文化的交流也更加频繁，所以这也为中国画的发展提供了一个全新的环境和平台，我国传统的工笔往往都是以自然创作体裁为主，但是随着当代社会的不断发展，许多艺术家都无法对传统的创作环境加以体验，所以他们只能够对于自身在当前生活环境中的经验加以表达，从而完成艺术创作。当代的社会环境已经发生了巨大的变化，所以艺术也必须要随之而变，“新工笔”就是中国画创新的一次尝试，它从一个全新的角度来对艺术家的世界观进行了诠释，所以“新工笔”的出现也给中国画的创新提供了新的思路。
3、对传统绘画艺术的传承与弘扬。
要想使得艺术得到更好地发展，仅仅依靠丰富的材料或者是当代观念作为创作的主旨是不能够实现的，虽然材料和观念对于艺术创作有着非常重要的影响，但是如果过分强调材料和观念，则会使得艺术创作的初衷和意义有所改变，仅仅成为了图式的代入。虽然当代的绘画艺术较之于传统发生了一定的改变，但是这并不意味着当代绘画创作就否定了传统绘画艺术，相反，当代的绘画艺术是在对传统的精华进行吸收和传承的基础之上才得以发展的。随着时代的变迁，社会文化环境以及人们的思想也都发生了一定程度的转变，而“新工笔”的出现正是展现了这种转变，“新工笔”在对传统工笔加以传承的基础之上，又增加了新的内容，所以实现了创新。
五、小结。
随着时代的不断发展，艺术也在不断地进步，“新工笔”就是传统工笔画在当代所呈现的全新的状态，当代的新工笔对于艺术家的生活状态和思想状态进行了有效的呈现。
工笔花鸟画论文篇六
摘要:工笔花鸟画是中国传统绘画领域的重要组成部分,也是一门特点鲜明的传统绘画艺术.传统工笔花鸟画发展至今,无论是在绘画的形式与技法上,还是在绘画创作的主题与立意上,都有了与以往不同的发展与变化.现代工笔花鸟画需要在继承传统工笔花鸟画的基础上不断创新.
关键词:现代;传统;工笔花鸟画;。
中国传统绘画艺术源远流长,艺术形式也分类清晰、样式众多.宋代,工笔花鸟画的发展达到了高峰阶段,无论是绘画形式还是创作主题,都得到了长足的发展.在绘画技巧和创作内容上,传统工笔花鸟画为现代工笔花鸟画的发展与进步提供了坚实的基础和底蕴.社会文明的进步离不开艺术文化的发展和提高,所以,工笔花鸟画的发展也代表着当时时代和社会的文明程度.现代工笔花鸟画呈现出百花齐放的状态,高度发展的社会也为现代工笔花鸟画的发展提供了良好的氛围和环境.
传统工笔花鸟画创作的题材多倾向于真实、生动且鲜明的物化形态,对于写实的形象表达较为具体化,这也造就了传统工笔花鸟画在创作中表达出传神的美感.传统工笔花鸟画在笔墨、晕染处理中具有其他绘画种类所不具备的特点.面对自然界中的物象,创作者可以将其表现得淋漓尽致,表现出传神、写意、写实等画面效果.工笔花鸟画作品凝结着创作者的情感与感悟,达到人画合一的境界.秩序化与单纯化的创作过程,得以省略繁枝俏叶,得其神而兼其韵,所描绘的形象更为鲜活,节奏感更加突出,充分表现了活力与神态.
纵观中国传统工笔花鸟画的各个发展阶段,院体画派的工笔花鸟画更加强调其画面画风的形似与法格,但形似与法格都没有成为工笔花鸟画创作的唯一尺度.文人画派中,工笔花鸟画创作则更加注重对自然和情感的表现,画面洒脱而不拘于形式感和章法,创作实践中更加倾向于画者对自然和生活的态度与情感.在传统工笔花鸟画中,针对于画面的构图大多采取较为客观的布局与考量,创作者观察和感受自然状态下的物象,从而使绘制的作品也活灵活现,客观、写实地传达出自然界中的各类景物.在整体画面的构思中,留白的运用恰到好处,可以给观者带来无限的遐想与思考,这也得益于中国传统文化内涵的熏陶与感染.
现代社会物质文明与精神文明都得到了前所未有的大发展,现代工笔花鸟画创作也呈现出一种繁荣、多元的态势.如今,文化交流十分频繁,中西方文化的碰撞也在工笔花鸟画中得以体现.现代工笔花鸟画在继承传统工笔花鸟画精髓的同时,不断吸纳和接受西方文化艺术形态的思维方式,并结合了现代人对自然界的不同感受和态度.现代工笔花鸟画从某种角度来说是中西结合的产物.无论社会文明如何发展与进步,工笔花鸟画的精髓没有本质的'变化,“师法自然”“形神兼备”的本源不能任意改变.如今的绘画环境更加自由、开放,现代工笔花鸟画在某种意义上说是创作者内心情感的一种宣泄和释放,固有的创作体系已经悄然被社会文明的进步所改变,创作形式也不断革新.当然,现代工笔花鸟画的创新不见得就是一种改良,现阶段创作者应该着力于各方面的尝试与突破.
任何时代,工笔花鸟画都是中国传统文化艺术的瑰宝,在继承与发扬中都应当保持工笔花鸟画的文化内涵和艺术底蕴.中国传统文化艺术不应当被现代文明所隔离,而应该对其进行传承和发扬.从绘画创作角度分析工笔花鸟画的传统与现代,应当站在历史的高度.传统工笔花鸟画与现代工笔花鸟画都表达了对自然的向往.
古往今来,工笔花鸟画的绘画语言在不同时期发生了较大的变化,但工笔花鸟画的本质和初衷是不变的.在高度文明的现代社会,工笔花鸟画作为一种艺术形式,其本源是传达中国传统艺术文化理念,使世人更了解这门传统绘画艺术.现代工笔花鸟画无论如何发展、变革,都离不开中国传统艺术文化的支撑,现代工笔花鸟画也是对传统工笔花鸟画的继承和发展.
参考文献。
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工笔花鸟画论文篇七
首先，向学生介绍花鸟画的题材。因为中国画家喜爱表现自然界的事物，使花鸟画题材十分广泛，可以是花鸟、虫鱼、飞禽走兽，以致于农家蔬菜瓜果无不入画。
其次，师生共同欣赏课本和课外的花鸟画名作。如宋代的张舜咨的《鹰桧图》，无名氏所作的《出水芙蓉》，崔白的《寒雀图》，现代喻继高的《鸳鸯戏水》为工笔画，其特点是工细、端庄、文静；写意花鸟画名作如王震的《桃花飞燕》、现代潘天寿的《雁荡山花》、关山月的《红梅》、齐白石的`《蛙声十里出山泉》与《祖国万岁》、李苦禅的《鹰》，其特点是简练概括，让学生体会中国花鸟画笔墨趣味，给学生以初步形象。
再次是花鸟画的临摹。因为中国花鸟画历史悠久，历代名家辈出，技法日臻完美，有许多基本技法可供临摹。临摹名作是学习花鸟画一个不可缺少的重要途径，既可以临摹名作的构图、造形，又可以学习用笔、用墨、用色来丰富自己。假如失去了临摹名作这一关，就失去了花鸟画发展的基础，会使花鸟画变得虚无，无所适从。因为笔墨是中国画最大的特点，教学中教师可示范何为中锋，何为侧锋，示范如何墨分五色以及一些破墨法或者破色法。前人有“墨分五彩”之说，意思是墨有浓淡变化，墨的浓淡取决定于水分的多少，水多墨淡，水少墨浓，并告知学生在以后的实践中慢慢地去体会。
第四是花鸟画的立意。中国花鸟画十分讲究意境美，因为意境美可以抒发画家的主观感受，表现一种潜在精神，或托物言志，或托物喻情。如画荷花，表达作者“出污泥而不染”的品质；画竹子，体现高风亮节；画梅花，表现清风傲骨；画菊花，以示淡泊言志；画藤花蜜蜂，会感到春意无限；画油菜花燕子想及春天的田野；画青蛙跳跃，体会其充满情趣；画游鱼戏水，让人怡然自乐；画蔬菜瓜果，回味农家乡土气息清新扑人；画雄鹰展翅，体味人生理想等等不一而足。在教材中，如欣赏和临摹王震的《桃花飞燕》时，教师可介绍清代诗人马曰璐的诗《杭州半山看桃》：“山光焰焰映明霞，燕子低飞掠酒家。红影到溪流不去，始知春水恋桃花。”以及吴昌硕的题画诗：“小溪深处阿谁家，人面桃花水面霞，细语喃喃听不得，隔窗妒煞碧桃花”。同时通过多媒体实物投影仪播放作品让学生感觉中国花鸟画的诗情画意，体会“诗中有画，画中有诗”的优美意境。再如体会齐白石的《蛙声十里出山泉》，此为著名作家老舍出题请齐白石先生作画。“蛙声十里出山泉”为清代一诗人的名句，齐白石不愧为一代花鸟画大师，他没有按照一般画家的想象画出一群青蛙争鸣于山泉之中，而是画了几只蝌蚪随着山泉汩汩流出，让人体会到蛙声无边，春意无限，给人以无穷的想象――在无垠的旷野中有无数的青蛙，有流不尽的山泉，可谓不落寻常窠臼，别出心裁地画出意境美。
第五是体验生活、注重写生。写生是依照具体的物象来描绘，是解决作品“从生活中来，从实践中来的问题”，是从观察生活中解决如何表现生活的问题，也是学习花鸟画的重要方法之一。中国画是有写生传统的，古人所谓“应物象形”就是面对实物的写生方法。历来有成就的花鸟画家都十分重视写生的，宋代著名画家赵昌、易元吉就是至今传诵的写生高手，据说：“赵画花，每晨露下时，绕栏谛玩，手中调色彩写之，自号写生赵昌；易机灵深敏，花鸟精长，尝于舍后疏凿池沼，间以花石丛花，疏篁折苇，多蓄水其间，每穴窗伺其动静游息之态，以恣笔墨之妙。”故赵、易画作流传至今，彪炳千古。一个画家没有生活，没有体验，不了解花卉的风、晴、雨、露，禽鸟的飞、鸣、宿、食就很难表现出丰富多彩、生动有趣的自然界。
第六是教师的创作示范。演示教学是较好的一种教学方式，因为艺术重视相互交流。我们看一些画家现场作画往往会得到许多启发，而且可以吸收他人长处为我所用。而相对于七年级学生来说能够看到教师示范是一次很好的学习机会。如教师是如何调色、调墨，如何构图，如何出枝布叶，如何点染，如何大胆落笔，细心收拾，包括题款盖章等等。当然可以借鉴现代的多媒体技术，播放一些花鸟名家创作的碟片都是行之有效的方法。但是我认为最重要的是提高教师的花鸟画创作水平，作为一名优秀的美术教师必须是一位优秀的画家，这样更能使学生产生对教师的崇拜，使学生产生对花鸟画的兴趣，以激励他们在课后默默地学习花鸟画。
另外，及时批改学生的习作。因为耳提面命的教学示范、批改作业，又给学生提供一个学习的机会。有的学生作业本来是一盘散沙，支离破碎，一经教师的穿插组合就会气神贯通。记得有一次业余兴趣小组的课堂上，有一位学生绘了几枝篱菊，虽然墨色丰富，用笔也较好，但其枝叶的组合缺少整体感，花与花之间缺少呼应，花也没有主次之分，画面上显得零乱琐碎。后在其枝叶的后面加上几笔淡淡的叶子，把零碎的叶子合成一体，又添了几个小花苞来呼应，顿觉显得整体，最后在花上方大片空白处加了一只黑蝴蝶，便觉得生动起来。因为花为静，蝴蝶为动，动静结合，画面上生机盎然。如此既批改了作业，也增进了师生情谊，可谓是一举两得的教学方法。
工笔花鸟画论文篇八
当代工笔重彩花鸟画不断经过推陈出新，逐渐凭借其完善的绘画语言和独特的审美情趣受到人们的广泛欢迎，并且已经成为当代中国画的重要的一部分，并且为人们的精神生活增添了许多不一样的色彩，因此当代工笔重彩花鸟画的着色工作就显得尤为重要。随着人们生活水平对艺术追求的提高，人们越来越需要更新颖、更丰富的当代画作着色技术，这就给当代工笔重彩花鸟画的设色工作提出了更高的要求。因此，不断改进当代工笔重彩花鸟画的设色技术，成为提升中国画质量、丰富人们精神生活的重要内容。
（一）继承、发扬传统工笔花鸟画。
工笔花鸟画是中国传统绘画中一个重要的流派，它与写意花鸟画相对应，通过中国特制的毛笔、中国画颜料，在专用的熟宣纸或矾绢上进行严谨精致花鸟画创作，这在我国有着十分悠久的历史。在新石器时期的陶器上、商周时期的青铜器上都有很多关于花草树木、飞禽走兽的描绘。到了魏晋南北朝，卷轴画上逐渐使用了丰富的色彩进行装饰。如果单从工笔花鸟画这一独立分科来说，它“始于唐代，成熟于五代，鼎盛于两宋”，虽然在明清时期水墨画的盛行在一定程度上阻碍了工笔花鸟画的发展，但历经数千年的积淀，工笔重彩花鸟画在当代还是得到了进一步继承和发扬，尤其在色彩方面，传统的着色技术在当代画作中扮演着重要角色，工笔花鸟画对色彩的使用也取得了巨大进步。
（二）广泛借鉴国外先进的绘画着色经验。
随着中国传统绘画技术的不断进步，中国工笔花鸟画逐渐成为世界艺术宝库中一颗璀璨夺目的明珠，随着国内外艺术交流的不断加深，国外绘画的着色技术对中国工笔重彩花鸟画产生了深刻的影响。中国现代重彩画是传统工笔重彩在现代文化和审美条件的变革和发展下产生的一个新画种，而在工笔重彩花鸟画发展的漫长时期内，一些画家开始学习国外的色彩理论，其中色彩明暗法和透视法的使用使我国工笔花鸟画的色彩应用水平有了不小的提升，很多作品都融入了西方绘画中的色彩观，加入了光学原理，结合我国的传统色彩技巧，创作出一幅幅佳作。
（一）大胆自我，突出个性。
工笔花鸟画是我国重要的绘画流派，具有高度浓郁的东方气质和悠久的文化背景，但绘画艺术的价值之一便是体现它所处时代的社会生活，满足现实中人们对精神生活或艺术世界的追求，当代工笔花鸟画作者们充分注意到这一点，绘画创作也不再一味模仿前人成功的模式，越来越多地结合当代的思想观念和审美需求。众多画家从各自不同的环境中汲取创作灵感，在创作过程中不断寻找表达自我艺术追求的元素，逐渐形成了各具特色的绘画语言和色彩风格。比如著名花鸟画家江宏伟在不断学习传统着色方法的过程中以自身对花鸟及色彩的理解和热爱，创造出一种独具特色的色彩旋律，为工笔重彩花鸟画的革新提供了良好的借鉴。
（二）强调肌理在画面中的表现。
对肌理的描绘是当代工笔花鸟画中表现色彩的一种主要的形式，肌理造成的特殊效果给工笔重彩花鸟画提供了不小的创作优势，这可以为工笔花鸟画提供大面积的、快速便捷的色彩效果。工笔花鸟画中的肌理可以充分利用柔韧度不同的画纸和透明度不同的颜料，经过作家的揉、折、压、叠、刷等工艺，逐渐形成厚薄变化、明暗变化、虚实变化、冷暖变化等丰富的色彩感觉。有别的肌理色块形成了丰富的具备节奏和韵律的色彩语言，厚薄颜色的对比，让虚实对比显得更为浑然天成。因此，描绘肌理逐渐成为当代工笔山水画中常用的色彩表现形式。
（三）色彩环境随题材变化不断改变。
正如前文所言，中国工笔花鸟画是承载其所处时代的社会生活的工具，而随着人们物质生活水平的提高，外来艺术气息的冲击，当代工笔重彩花鸟画作家们所面临和理解的审美客体的范围越来越广，绘画的题材和画面体现的元素也更加丰富，色彩环境随着题材的扩展而不断延伸。在当代日渐开放的艺术环境下，工笔花鸟画绘画题材的种类不断扩展，世间万物都可以成为写作的素材，对色彩的描绘和把握也随之扩展，越来越多的色彩环境融入到画作之中，给工笔重彩花鸟画注入了新的活力。
（一）继续深化前人花鸟画色彩塑造的经验。
宋代可以说是工笔花鸟画十分鼎盛的一个时代，很多画家初涉工笔重彩花鸟画，就是从临摹宋代的一些著名画作开始的，而众多宋代的艺术精品在各个艺术刊物上的登载、亮相，更是说明了人们对宋代画作的情有独钟与崇拜。在艺术不断推陈出新的当代，民众的审美需求不断扩大，艺术观念相对匮乏，这就需要人们要不断审视过去，全面思考对于古典画作的继承。宋代工笔重彩花鸟画的写实性是其最大的魅力，强调对自然万物美好本质的理解和感悟。当代画作家们需要不断地对万物之美进行提炼和升华，才能呈现出生活真趣和如诗画境。
（二）深化对民间艺术色彩的应用。
民间艺术是中华民族艺术创作中重要的文化资源，它是我国劳动人民智慧的结晶，具备鲜明的艺术特色。民间艺术是平民大众为增加自己娱乐休闲活动的趣味性和装饰性而发明的单纯、开放的艺术形式，平易近人、生动活泼、单纯明快是其显著的特点。普通大众思想质朴单纯，民间艺术在画面色彩的表达上也大胆奔放，追求醒目、耀眼的视觉效果，这对当代工笔重彩花鸟画的色彩渲染来说有极高的参考价值，对于丰富画面色彩的可读性与趣味性，满足大众对画作的追求都有重要的现实意义。
（三）不断学习、借鉴西方科学的色彩理论。
近现代著名画家徐悲鸿留学归来后认为必须有选择地借鉴、融合西方的绘画语言，才能让中国画重新振作，这在当代也同样适用。西方的科学色彩观等设色方式对中国当代的工笔重彩花鸟画的色彩设计有着深远影响。为防止色彩单一，西方绘画普遍使用复合色和逆光、侧光、光影等固定光源的表现手法，用冷暖对比变化来强调色感。国外绘画中光与色产生的特殊魅力是色彩的一个新的视觉要素，有效的借鉴和吸收可以为中国当代工笔重彩花鸟画的设色增添新的视觉美感和生命活力。
色彩是一幅画里十分引人注目的地方，人们在工笔重彩画的创作过程中必须高度重视色彩的应用，而工笔重彩花鸟画要直接展现出大自然中的缤纷绚丽，萧疏雅意，这就更需要通过色彩来转换作者对大自然的感悟，因此工笔重彩花鸟画色彩的设计就成为画作创作中重要的一环。另一方面，这也是丰富人们精神文化生活的内在要求。我国工笔重彩花鸟画的创作经过不断改进取得了不小的进步，创作者对色彩的认知也有很大提升，但在实际设色方面还有很多地方需要改进，提高当代画作质量之路任重而道远。
工笔花鸟画论文篇九
中华文化博大精深，上下五千年的历史文化积淀，为后人留下了宝贵的精神财富。工笔花鸟画是花鸟画中能够生动、形象表现事物的一个画种，它的发展经历了漫长的历史过程，不仅见证了朝代的更替，也目睹了由朝代更替所衍生的历史文化的巨大差异，工笔花鸟画领域产生了很多杰出的画家，诞生了许多传世佳作。
花鸟画的历史可追溯至距今约7000多年的新石器时代。而使工笔画这一画种初见雏形的则是帛画《人物龙凤图》，它出土于长沙陈家大山楚墓。在帛上作画，尽管线条粗硬，但能较好地表现人和动物的形象。秦汉时期，工笔画造型生动，赋色与线条配合得当，如墓室壁画《二桃杀三士》。魏晋南北朝时期，“十八描”的工笔画创作手法得到发展，线条运用到位。唐朝，政治稳定，经济繁荣，这一时期花鸟画发展成为独立的画科。在唐人研究的基础上，五代十国时期涌现出众多具有专长的画师，逐步形成不同的风格流派。宋代是工笔花鸟画发展的鼎盛时期，技法成熟，而且创造出多种风格流派的画法，如勾填法、白描墨染法等。元代，工笔花鸟画的画风由艳丽转为清丽，配色更加雅致。明朝，以梅、兰、竹、石为题材的工笔花鸟画占据主流。清代，受西式画法的影响，明暗法广泛运用到工笔花鸟画中。
受到战争的影响，工笔花鸟画从清末逐渐呈现衰微的趋势，即便在这一不利于工笔花鸟画发展的时期，仍有很多画家为创作不懈努力，如陈之佛等。清朝灭亡以后，中国绘画进入了中国艺术史的近现代时期，东西方文化碰撞剧烈，工笔花鸟画挣脱了落后的思想枷锁，意识形态、价值观念的改变也影响着工笔花鸟画的发展。新中国成立以来，政治稳定为艺术的繁荣提供了保障。
当代中国工笔花鸟画的发展基于市场经济极其繁荣的背景，绘画艺术多元化态势显着。产生这一现象的原因一方面是人们的物质生活和精神生活得到很大改善，审美要求越来越高，激发了工笔花鸟画家强烈的创新意识，另一方面是人们思想意识改变，对东西方文化的交融更多持支持态度，推动工笔花鸟画不断呈现出新的发展风貌。
当代中国工笔花鸟画在迅速发展的同时，也面临许多问题。工笔花鸟画经历了长久的发展历程，其理念和表现形式也随着时代的发展而变化。这较为明显地表现在工笔花鸟画的画法上。不了解画法的观众，往往无法欣赏变化中的美，而很可能感受到画法的单调。其次，市场效应导致的“流水线”之风逐渐充斥着工笔花鸟画市场。一些艺术家为迎合市场而过于追求形式上的效果，无心真正潜心探索绘画艺术，使绘画浮于形式，创作的作品缺乏气韵。当代中国的工笔画除了存在上述问题外，随着时代发展，还可能出现新的问题。我们应该认识到，只有认清现代工笔画发展存在的问题，才能为工笔花鸟画的发展寻求更好的方法。其中最为重要的是丰富现代工笔花鸟画的精髓，注重其本质，这就要求画者在绘画过程中注重中国古典文化与现代工笔花鸟画的融合，逐步体现绘画的气韵、力度与内涵。
将中国传统理论与古典文化融入现代工笔花鸟画的绘画过程，既能体现我国文化的博大精深，又能丰富画作的精髓。文章从现代工笔花鸟画的材料运用、构图、色彩运用和技法语言四个方面进行中国古典文化融入现代工笔花鸟画的可行性分析。
1.材料运用方面。
众所周知，传统工笔画主要使用熟绢或者熟宣纸。熟绢与熟宣纸的优点是材质细腻、纹理柔和，缺点是色彩附着性较差，无法经受反复的渲染与制作。非宣纸类制品的质地与厚度虽然较之熟绢与熟宣纸好些，但是作品的气韵与表现力度均不如传统制品。笔者认为，虽然非宣纸类制品可以批量生产，但若想找回工笔花鸟画的绘画神韵与灵魂，最重要的一点就是在绘画用纸的选择上遵循古法，寻求自然的本真。在中国工笔花鸟画的发展历程中，使用绢和宣纸绘画延续了很多年，因此，将中国古典文化融入现代工笔花鸟画是找回现代工笔花鸟画绘画气韵的首要方式。
2.构图方面。
传统工笔花鸟画在构图方面讲究人物与风景的主次之分，前后讲求搭配，追求的是浑然天成的境界，隐藏人为处理的痕迹，恢弘大气，体现的是一种和谐的思想。现代工笔花鸟画尽管作品包含的内容十分丰富，构图也比较饱满，能够给观众带来较强的视觉冲击力，但是也会让观众很明显地发现人为痕迹，存在刻意而为之的现象。因此，笔者大胆地建议：现代工笔花鸟画的发展在构图方面应回归理性，运用自然、和谐的构图理念，返璞归真，体现中国古典文化独特的底蕴，使画面形成一种宁静祥和的美好氛围。
3.色彩运用方面。
传统工笔画在色彩运用方面在不同时代存在较大的差别。受到西方绘画的影响，传统工笔花鸟画在色彩运用方面基本遵循的是根据绘画对象的类别赋予其不同色彩，这也是谢赫“六法”之一，而这种颜色的再现种类较少，这也是传统颜料制作手法单一导致的，这种颜色鲜明、气韵十足的配色恰恰体现了工笔花鸟画的精髓。现代工笔花鸟画的配色丰富，导致了无法通过色彩辨别是哪一流派的作品的现象。笔者认为，中国古典文化讲求天人合一的境界，颜色或清丽或鲜艳，均有着大自然的气息，因此，将中国古典文化融入现代工笔花鸟画作也要注重色彩的运用。
4.技法语言方面。
传统工笔花鸟画在画法上主要通过勾勒、填色与渲染完成。之后发展出的“没骨”画法，指的是在未完全渗透的熟绢或熟宣纸上进行“撞水撞色”处理，从而逐渐弱化线条勾勒的作用。现代工笔花鸟画在传统技法上演变出众多的画面处理和表现方法，如皱纹法和局部矾染法等。多种技法的运用和处理，使现代工笔花鸟画的画面保持着一种复杂、高难度的特色，大大拓宽了创作题材与表现形式。但不可否认的是，技术的先进在一定程度上抹去了传统工笔花鸟画古色古香的气质。因此，在技法语言方面，将中国古典文化与现代工笔花鸟画相结合是保持画作气韵特质的重要途径。
中国的传统绘画一直以来追求的是人们在情感上的共鸣、升华和满足，而不是单纯追求绘画的现实性、形象性。现代工笔花鸟画由于受到文化交融与碰撞的影响，其所选题材、表达内容和绘画手法不断拓展，出现了新的审美境界。探索现代工笔花鸟画的发展，必然要考虑到西方文化的影响，而这一影响逐渐加深。现代工笔花鸟画的正确发展路径是理性回归，与中国传统文化和绘画技巧相结合，汲取中国古典文化的优良传统，从而拓展现代工笔花鸟画的表现形式和审美观念，逐步创造出既能表现现代生活场景和情感，又能体现中国传统文化和审美习惯的作品，这是现代工笔花鸟画画家不断为之努力的目标。
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[3]宋丽荣。浅谈当代工笔花鸟画现代造型的构成性。中国科技信息，20xx（15）。
[4]张娟。对现代工笔花鸟画表现形式的探索。美与时代（下），20xx（6）。
[5]张珂川。现代工笔花鸟画的变化浅析。美术教育研究，20xx（14）。
[6]马芳。论现代工笔花鸟画的创新。科技信息（学术研究），20xx（6）。
[7]刘斌。浅谈工笔花鸟画的现代感及表现手法。景德镇陶瓷，20xx（6）。
工笔花鸟画论文篇十
1、学习和研究画家绘制的花鸟画作品，加深对中国花鸟画的认识。
2、学习和分析画家用笔、用墨和用色的技法，在临摹的基础上添加和创作一副花鸟画。
3、提高学生探究和自主学习的能力。
4、通过本课学习，培养学生热爱祖国文化和艺术的情感。
学习中国花鸟画的绘画技巧，在探究中积累和创新。
教学难点：用笔和用墨的表现方法。
教学准备：国画颜料、生宣纸、毛笔、调色盘、墨汁、画毡或报纸、资料。
一、导入新课。
1、出示课题——15花鸟画。
2、花鸟画是我国民族绘画的一个组成部分，以悠久的历史和独特的风格闻名于世，以极高的艺术价值享誉世界画坛。中国画同希腊的雕刻、法国的音乐、被誉为世界艺术宝库三杰。中国画按题材可分为三大类:山水画、人物画和花鸟画。
二、欣赏作品。
2.明确定义：什么是花鸟画？顾名思义就是表现花和鸟的画。不仅如此，各种各样的动物、植物都是花鸟画所表现的内容。如各种花卉、鸟类、蔬果、昆虫、鱼类都是花鸟画所描绘的内容。实际上，花鸟画的题材内容是非常广泛，可以说除人物之外，自然界的一切，都可以作为花鸟画的表现对象。
三、探讨新知：
1、画家面对自然界中的花鸟草虫进行创作的同时更重视缘物寄情（借助事物寄。
托作者的思想感情）。
2、在众多花鸟画的题材中，梅兰竹菊被认为代表高雅品质的“四君子”。
（君子——古代指地位高的人，后来指人格高尚的人）。
3、梅兰竹菊作品欣赏。
梅（傲）——梅花有报春花之称，她不畏严寒而开放。她剪雪裁冰，一身傲骨。风雨送春归，飞雪迎春到。已是悬崖百丈冰，犹有花枝俏。俏也不争春，只把春来报。待到山花烂漫时，她在丛中笑。就是赞美了梅的坚强和大公无私。梅花的五个花瓣是五福的象征（快乐、幸福、长寿、顺利、和平）。
菊（淡）——深秋，百花凋落，菊花却不畏严寒，迎霜开放。不求艳丽，只有淡雅，这就是菊花的品质。
4、拓展：你还知道有哪些花和鸟象征着什么?
牡丹（富贵）、桃（长寿）、雄鸡（吉祥）、喜鹊（喜事）。
四、小组合作共同探究：
打开课本，欣赏吴昌硕的《菊花》等作品。
1、分析作品中的花鸟虫鱼和现实生活中的花鸟虫鱼有什么区别？
（既像又不像，作品中的更概况或夸张，写意画讲求“以形写神，形神兼备”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉）。
2讨论画家是怎样用笔和用墨的？
对比自然界中的花鸟，欣赏和研究一副花鸟画，想一想画家是怎么用笔和用墨的？
用笔，在国画中，用笔分为中锋用笔、侧锋用笔：中锋笔杆垂直，线条较细，一般用于画植物的藤、沟边等细的东西；侧锋，是根据所画线条的宽度来掌握笔杆的斜度，一般用于植物的叶子等宽大的东西用墨，在国画中，墨分五色，五种颜色分别是焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨（按从重到清来排）墨色的`浓与淡是靠水的多少来变化。国画中讲究有浓又淡，所以在同一幅画中，浓墨和淡墨是相互依存的。
3.诗书画印的渗透。
一副完整的作品要有.诗书画印。
五、动手实践艺术创新。
1、用笔、用墨、用色体验：（中锋勾花，侧锋勾叶），
2、临摹一副花鸟画作品，可以对原作大胆地进行添画和改画。
试画梅花、麻雀。
麻雀的头部和身子由两个蛋形组成，或者是一个枣形加蛋形组成。这样画麻雀就方便多了。用墨色的浓淡干湿区分鸟的身体结构。
1.巡视点拨。
2.学生介绍经验。
3.学生教画。
六、我是小画家才艺展示。
选出你最喜欢的作品，说说哪里好。（渗透用笔、用墨、诗书画印）：
七、师生小结。
说说你这节课的收获。
八、拓展。
运用学过的用笔、用墨的方法临摹你喜欢的大师的作品。
说课。
《花鸟画》是一节造型表现课，进一步让学生学习和研究画家绘制的花鸟画作品，加深对中国花鸟画的认识，学习和分析画家用笔、用墨和用色的技法，在临摹的基础上添加和创作一副花鸟画。让每位学生去仔细品味浩如烟海的艺术精品，认真感受每位画家缘物寄情的思想感情，从而提高学生的审美能力，增强民族自豪感。在这节课中，教师的演示作用很重要，这样可以让学生很直观的了解绘画技巧和绘画方法，但是应该注意的是不能把学生教“死”了，没有创造性。应该是让学生在学习基本的绘画技法后，鼓励学生大胆的创作，从中体会一下中国画艺。
工笔花鸟画论文篇十一
花鸟画所描绘的对象是花、草、虫、鱼、鸟、兽等，又能够细分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等支科。花鸟画的历史最早能够追溯到远古时期，在那时，花鸟就时常作为艺术表现的对象。在仰韶文化的彩陶图案装饰上，以植物和动物（如鱼、鸟、鹿等）为主题是很普通的，使其成为仰韵文化的重要特征之一。天水放马滩出土的战国末期木板画《老虎被缚图》，是已知最早的花鸟画。到了魏晋南北朝时期，花鸟画开始从工艺美术范围中独立出来，已出现了专门从事花鸟画创作的艺术家。据画史记载，梁元帝肖绎曾画有《蝉雀百团扇》，南宋一画家也画有《蝉雀图》。可是遗憾的是没有实物流传下来能够佐证。只是到了隋唐，异常是唐代，具有独立审美意义的花鸟画，才正式产生了。从此，花鸟画作为一种独立的画科登上了画坛。北宋的《圣朝名画评》更列有花木翎毛门与走兽门，说明此前花鸟画已独立成科。北宋的《宣和画谱》在总结以往创作经验的基础上撰写了第一篇花鸟画论文。在题材上，宋代出现了水墨梅、竹、松、兰，独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上，这种文人画思想的加入，为花鸟画注入新的资料。
艺术品作为一种特殊商品，它具备商品的基本属性――使用价值和价值。它的使用价值体此刻精神和文化上，以满足人们的某种审美需要和精神需要，是无可替代的，而无论作为客厅风水挂画，送礼佳品，升值等，花鸟画都具有不可替代的地位。在我国，人们都十分信奉风水运势之说，今日人们在满足了物质生活之后，开始逐渐朝精神礼貌发展，而在家居或是送礼的字画中，也会讲究到风水的运用，一幅聚财、吉祥的风水画将是众人争相追捧的。而花鸟画，无论是从吉祥寓意上来讲，还是从画面展现出的精神美来说，都是藏友比较喜欢的字画类型，挂在家中或办公室、酒店、茶楼、不仅仅能够渲染艺术氛围，开拓视野，愉悦身心，并且其中所蕴藏的完美寓意，更能调节风水，改善运势，招财纳福，保佑吉祥。
下头举几个例子说说不一样的花鸟画都有何寓意。
1、牡丹花牡丹是花中之王，绚丽灿烂，雍容典雅，富贵祥和，牡丹画寓意繁荣昌盛，兴旺发达，也是美丽的化身，同时国画牡丹也有纯洁与感情的象征意义。
2、荷花荷花也是莲花，纯洁、崇高、廉明、清韵、长寿、清正。寓意和气，出淤泥而不染，信佛的也有寓意圆满、善心等，老人的卧室常常会悬挂此画。
3、梅花梅花的寓意是欢乐、幸运、长寿、顺利、和平。还寓意崇高品格、高洁气质、铁骨冰心、傲骨怒放、高风亮节、万事如意、坚忍不拔、不屈不挠、奋勇当先。这种题材在古代文人中颇受欢迎。
4、菊花菊花别名秋菊、黄花、帝女花等，在中国的农历九月开放，因“九”与“久”同音，所以菊花的象征意义就有象征长久与长寿的意义，菊绽开于寒霜、丽而不媚、闲适散淡的品质也是中国文人品格与精神的写照，被称为中国的花中“隐君子”。在悠久的文化历史中，菊花题材的画作被赋予了广而深远的意义。
5、喜鹊喜鹊的叫声象征着完美的寓意，喜鹊的叫声为“喳喳喳喳，喳喳喳喳”，意为“喜事到家，喜事到家”，所以喜鹊在中国民间是吉祥的象征。画家画的“鹊登高枝”，喻示一个人节节向上、家庭出人头地。
6、孔雀孔雀是最善良、最聪明、最爱自由与和平的鸟，是吉祥幸福的象征。传说中孔雀是“凤凰”的化身，象征和谐的女性容貌，而白孔雀更是象征美满的感情。众所周知，花鸟画按照画风又能够分为：写实花鸟、写意花鸟和兼工三种。而写实与写意直到今日都是国画最大的两大画派，这两大画派创立于五代时期的“徐熙野逸，黄家富贵”。自晚唐以来，艺坛上的婉约明丽的流风逐渐代替了唐朝前期雄豪奔放的风格，到了五代，由于皇帝和贵族对这种流风的喜好，其风益炽。徐熙的野逸风格总体上来说，徐黄两家都是以真实地描述自然和表现生活为主要题材，可是徐熙画得最多的是江湖间的汀花水鸟，黄筌所绘则多是宫廷中的异卉珍禽。
其中，上文提到的黄熙就是工笔花鸟的代表，黄筌绘画技巧娴熟，善于取前人轻勾浓色的技法，独标高格，是深得统治阶层喜爱的御用画家。其子居寀、居宝承其家风，成为两宋时占统治地位的花鸟派别。黄筌为宫廷画家，多写宫苑中的奇花怪石、珍禽瑞鸟，勾勒精细，设色浓丽，不露墨痕，所谓“诸黄画花，妙在赋色”，画成逼肖其生，故有“黄家富贵”之称。黄荃之后也有许多著名的画家，比如北宋的黄居寀、崔白，南宋的李迪、任仁发，元代的王渊、边景昭、林良、吕纪，明代的陈老莲、任伯年，清代的恽南田等，都在中国美术史上留下了经典的工笔花鸟作品。
在宋代，由于宋徽宗对工笔花鸟的重视，使得工笔花鸟也是盛极一时。享誉盛名的“翰林图画院”就是当时设立的。画院画家以“翰林”、“侍诏”的身份享受与文官相近的待遇，并穿戴官服，领取国家发放的“俸值”。原先五代时画院的高手都在宋画院供职。宋代的画院成为全国绘画创作的中心。为了挑选为新建的玉清昭应宫绘制壁画，画院主持向全国召募画师，应召画家竟超过三千人。这种盛况一向持续到明清，由于文人画的崛起，使得工笔花鸟地位急剧下降，人们对工笔画的这种画法开始不屑一顾，认为是匠人所为。崇尚写意画法，注重表达情感的画作。
笔者从事花鸟瓷画创作多年，个人觉得工笔花鸟成功的路还是很长。我的工笔花鸟作品的美展示在洁白如玉的瓷瓶或者瓷板上，令人心动。在陶瓷上作画亦是有许多的装饰手法，一般按大的来说分为釉上彩与釉下彩。在釉上彩中我一般是选择珐琅彩或者粉彩来画工笔花鸟，在釉下彩中则是选择青花。就珐琅彩和粉彩来说，装饰效果相近，一般是与国画花鸟相通的画法作画，只是需要注意其特殊颜料的料性，还有陶瓷烧制时的注意事项，这两种装饰方式是属于釉上彩的一种，显而易见，就是在已经烧成的白瓷上进行作画，再二次入窑烧制。珐琅彩与粉彩色泽鲜亮明快，花鸟于白瓷上栩栩如生。那么青花花鸟呢青花瓷是我国著名的传统名瓷，属于釉下彩。也就是说是在素坯上作画再高温烧制而成。作画技巧与水墨画相似，将青料在素坯上彩出浓淡变化，阴影明暗，做出空间关系。
笔者认为，作为新时代的艺术创作者，必须要拥有自我的风格与特色，多观察，多思考，结合自我的个人经历，创作出能表达自我的画作。如果想让工笔花鸟更加受人喜爱，就必须冲破框架，将传统与创新相结合，在似与不似之间找到平衡，不断超越和突破自我，加强艺术修养，创作出更新的作品来。
参考范文：
[2]肌理语言在当代工笔花鸟画创作中的应用。
[3]我国工笔花鸟画中的“静物”图像。
工笔花鸟画论文篇十二
线描是中国画教学中的重要内容。工笔花鸟画的创作通常是由画家在社会生活中得到的灵感，并由绘画将其释放出来。虽然很多人都知道线描的重要性，但是却很少有人了解线描的内涵。线条是中国画中的基础要素，具有特殊的审美意识和个性化表现手法，是工笔画中的重要内容。
（一）花鸟画的内涵。花鸟画是指以动植物为绘画对象的中国画，包括花卉、蔬果、鸟兽、虫鱼等。符合中国传统美学的理念，以写实为特点，通过寄寓、写意等方式表达自身的所思所想，注重“人心感物，景由心造”[1]。且根据创作方式和方法的不同，可以细分为水墨、白描、没骨等类型。
（二）工笔花鸟画。工笔花鸟画不但是中国艺术的精华，同时也是世界艺术中令人称赞的明珠，是中国画中的重要流派，拥有较长的发展历史[2]。其主要描绘的对象为自然界中的草木、花鸟、虫兽等。从工笔花鸟画的发展历程来看，其起源于唐代，在五代逐渐成熟，两宋是其发展作为鼎盛的时代。工笔花鸟画主要是利用毛笔、颜料在宣纸或矾绢进行花鸟画创作的一种特殊画作。工笔花鸟画多以线描进行造型勾勒，表现方法较为工整、细致，先进行线描、再进行上色，色彩艳丽，具有装饰性。在花鸟造型勾勒的过程中，先进行白描，将造型勾勒出来，然后通过不同染色技巧（包括分染、罩染、点染、碰色等技巧）的应用，赋予画作色彩，达到活灵活现、色调浓重传神的视觉效果[3]。
（三）工笔花鸟画中的线描艺术。线条是构成工笔花鸟画的基本要素之一。工笔花鸟画作为我国传统绘画艺术中的重要分支，“勾勒填色”是该流派的重要特征。勾勒线条是工笔花鸟画造型塑造的主要方式，同时也是古今中外画家创作的重要方法[4]。
（一）线条语言追求单纯、朴素。通过不同类型和变化的线条能够表现造型的不同质感、气度和神韵，同时能够将画家的情感和思想置于其中。因此，工笔花鸟画中的线描艺术，不仅仅是造型的塑造，同时也是画家绘画技术与情感思想的融合，或豪放、或含蓄、或简朴、或细致等。线描是工笔花鸟画创作中的重要环节，不同时代的不同画家有着不同的线描特点[5]。
（二）以形传神。中国画对于线条的勾勒有不同的方法，例如对于下笔方法就有中锋、侧锋、顺锋、逆锋等；从线条勾勒方法就有轻重、长短、粗细、曲直、转折等；从表现手法来说有虚实、疏密、繁简等。再加上墨水的浓淡，能够提升画作的美感。“骨法用笔”是中国传统线描造型常用的方法之一，在工笔花鸟画创作中具有重要意义。中国传统画作讲究“以形传神”、“形神兼备”，是指不但要写实，还要将情感融入其中，通过运用简单的线条勾勒将事物的神态和形态表现出来，从而达到对丰富内涵的追求，让意蕴成为中国传统画作的审美方式，让工笔画的线条造型具备独特的审美特点和个性表达。画家不能局限于事物外在的形象，而是要从事物的本质出发，发挥想象，或夸张、或隐喻、或突出，结合画家的思想情感进行想象，从而让画作具有特点。
（三）富有艺术感染力。线描是工笔画的特殊语言，凸显了我国传统文化的深厚内涵。“春蚕吐丝”、“吴带当风”、“高古游丝描”等技术是在长期实践过程中总结、概括得到的线描方法，是线描艺术的重要组成部分，同时也是传统绘画技术之一。线描对于画家的逻辑思维和推理能力具有较高的要求，其作用不仅局限于塑形的限制，而是通过造型的变化，表达画家的思想情感、艺术内涵的重要方法。
（四）追求个性。线条的变化多种多样，主要通过神韵、动感将事物的外形和内涵表现出来。书法是一种纯粹的线描艺术，将线条的优美发挥到极致，而中国画则是建立在书法的基础上，通过线条的多边形，赋予线条独特的审美价值。现代工笔花鸟画中对于线描的应用可谓是多种多样，或坚持传统用色、或线与色想补、或通过线描勾勒为主，通过适当的淡墨薄染来凸显画作的内涵。
文章首先介绍了工笔花鸟画的内涵，然后对当代工笔花鸟画线描艺术的特征进行总结，旨在推动现代工笔花鸟画的发展。
工笔花鸟画论文篇十三
资料摘要：审视20世纪工笔花鸟画教学的问题，其实质是工笔花鸟画作为一个独立画种的生存发展问题。如何建立具有特色的工笔花鸟画现代教学体系？其关键在于重建中国现代艺术的价值标准，在本土文化的积淀中构筑中国现代艺术的精神根基。
工笔花鸟画作为中国画的一个分支，其发展和衍变经历了一段漫长的历史过程。直面中国工笔花鸟画的现状，我们必须把目光回归到中国画教学的本体上来。在众多架下艺术公然来袭的今日，给工笔花鸟画教学带来了前所未有的困顿。我们在对待传统艺术的方式上，显得尤为暧昧。如何对待传统、研究传统、怎样批判地继承和发展传统，成了工笔花鸟画领域中最具实质性的课题。用一种什么方式来建立具有中国画特色的教学体系、重塑中国画的传统根基，是我们最应当思考的问题。
笔者前段时间有幸进行了工笔花鸟画的教学实习工作。在与本科学生的教学对话中，笔者深深体会到当下工笔花鸟画教学工作所面临的实际困难，如：市场运作手段向艺术创作研究领域的渗透等等。我们的工笔花鸟画教学是否还要一味躺在中国画教育的这张温床上呢？从“山重水复疑无路”到“柳暗花明又一村”的景象，已不单纯是一个艺术视角转换的问题，仅有深刻意识到工笔花鸟画的现实问题――机遇与挑战，做好一系列的转型期的工作，也才有可能到达“千树万树梨花开”的大好形势。单从工笔花鸟画教学的角度上看，笔者有以下几点体会和想法。
工笔花鸟画教学，首先，应要求学生有良好的专业基础。建立一个良好的基础体系是工笔花鸟画教学的前提。我们应当看到，当下的美术专业高考在必须程度上存在一些不足，素描、色彩、速写的考试固然有助于学生的基本功训练，如提高造型本事等。但作为进入美术类专业高校后选择国画专业的学生却不无遗憾，中国画的专业基本功以及专业的表现技法在这类学生面前几乎是一张白纸，这相应给我们的工笔花鸟画教学带来了难度。对中国画传统的认识相对薄弱，如何“借古以开今”？作为中国画教学的主要途径――“中西合璧”更是无从谈起。在进入中国画专业之前，有意识地进行相关资料的训练和建立必要的国画专业性质的考核制度，是十分有必要的。
其次，工笔花鸟画教学的关键是加强传统文化研究，注重学生的理论基础知识方面的修养。这不仅仅是工笔花鸟画所在系科，各个艺术系科都应引起重视。当代一些学生对传统的理解和学习上存在着严重的断代。一方面是对国学和传统知识的缺乏，一方面是外来因素的干扰：苏氏写实主义的创作思想、契氏素描、普及性的宣传要求等等，将中国画的传统体系冲击得七零八落。对传统文化的研究是工笔花鸟画教学的一大利器。正如传统画论是中国画教育的重要一环，教师的传授分两部分：一教画理，二教画法。中国画的最高旨意应当是“道技合一”，工笔花鸟画教学更是如此。在教学过程中充分做到理论联系实践，必须把传统文化、时代精神、当下生活三者有效地结合起来，“笔墨当随时代”，要具有现实观照的艺术涵养。中国哲学、中国美学、中国古代画论是中国画理论建设之本。
再次，我们当下的教学模式一般是临摹――写生――创作三步曲。其中花鸟画写生是工笔花鸟画教学的一个重要环节，是临摹与创作的逻辑纽带。重视写生甚至崇拜写生，是20世纪中国绘画和绘画思想的一大特色。李可染先生就曾说：“用最大功力打进去，再用最大功力打出来。”应当说，写生是对客观世界的再认识的过程，也是画家深入生活、认识生活、表现生活的创造性艺术实践的过程。重视写生，直面自然，与自然对话，要勇于打破以往以经验传授、临摹为主的学习手段。要把写生作为本土文化生命的载体，当应对物象时，中国画的造型、笔墨均来自人生的经历和对文化的体验，它的表现形式是以生命形象的结构蕴藏着一个民族、一个群体的文化、生命和智慧，力求构筑起融传统艺术精神与时代性于一体的民族美术形态。
不可否认，长期的专业训练、造型知识的培养以及理论的日益积淀，是学生日后创作水平提高的一个良好显现。在教学过程中，工笔花鸟画在继承传统的基础上，应更多结合当下的现实生活和审美特点。正如鲁迅先生当年提倡的“拿来主义”，笔者认为在花鸟画教学中这一点是尤应引起重视的。不但要“拿”当代与传统的精华，更要“拿”国外的优秀作品加以借鉴和学习。我们的关键在于接纳哪一块并“为我所用”的问题。客观冷静地应对西方，研究和吸纳西方文化艺术中的先进因素，将其融化在中华文化艺术的血脉中，生成中华文化艺术蓬勃的动力，是我们每一位教师及学子的职责。同时，创作不是单纯的创意和构思，我们的每一次临摹、每一次写生都能够看作是创作的积淀。其实工笔花鸟画教学的意义和价值就在于：解放思想、更新观念、大胆创作，以创作带动新技法和新画材为原则进行学习。这就要求学生要最大限度地离开艺术的功利性，进入精神的高度自由状态，带着诚意地表现自我，才更有可能出现好的艺术作品和艺术思潮；这是从理性走出的状态，是无法而法之后人与自然的迹化。
与此同时，工笔花鸟画教学中一个很重要的问题，是如何使学生认识到中国画精神，认识到中国传统文化的重要性。蒋采苹教师在其《中国画系教学提议》一文中提出了四点提议：一、恢复画论课。二、恢复古典诗词和古文课。三、开设中国画构图学课程。四、开设画材学课程。这种合理而又及时的提议无疑给我们的工笔花鸟画教学注入了一支强心剂。
总之，从本科层面上来看，工笔花鸟画教学要把握好这四个基础：造型基础、专业基础、创作基础、理论基础。仅有切实抓好这四大基础，才是工笔花鸟画教学迈向成功的第一步。传承与发展是中国画的生命线，思变与恪守之争所引发的新艺术形式及语境的表现，是赋予每一个花鸟画教学者的时代使命。站在本土化的精神立场上，我们有理由相信工笔花鸟画的前景会一片大好。
参考文献：
[1]梅忠智。20世纪花鸟画艺术论文集[c]。重庆：重庆出版社，20xx。
[2]田黎明。中国画教学研究论集[c]。石家庄：河北教育出版社，20xx。
工笔花鸟画论文篇十四
花鸟画所描绘的对象是花、草、虫、鱼、鸟、兽等，又能够细分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等支科。花鸟画的历史最早能够追溯到远古时期，在那时，花鸟就时常作为艺术表现的对象。在仰韶文化的彩陶图案装饰上，以植物和动物（如鱼、鸟、鹿等）为主题是很普通的，使其成为仰韵文化的重要特征之一。天水放马滩出土的战国末期木板画《老虎被缚图》，是已知最早的花鸟画。到了魏晋南北朝时期，花鸟画开始从工艺美术范围中独立出来，已出现了专门从事花鸟画创作的艺术家。据画史记载，梁元帝肖绎曾画有《蝉雀百团扇》，南宋一画家也画有《蝉雀图》。可是遗憾的是没有实物流传下来能够佐证。只是到了隋唐，异常是唐代，具有独立审美意义的花鸟画，才正式产生了。从此，花鸟画作为一种独立的画科登上了画坛。北宋的《圣朝名画评》更列有花木翎毛门与走兽门，说明此前花鸟画已独立成科。北宋的《宣和画谱》在总结以往创作经验的基础上撰写了第一篇花鸟画论文。在题材上，宋代出现了水墨梅、竹、松、兰，独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上，这种文人画思想的加入，为花鸟画注入新的资料。
艺术品作为一种特殊商品，它具备商品的基本属性――使用价值和价值。它的使用价值体此刻精神和文化上，以满足人们的某种审美需要和精神需要，是无可替代的，而无论作为客厅风水挂画，送礼佳品，升值等，花鸟画都具有不可替代的地位。在我国，人们都十分信奉风水运势之说，今日人们在满足了物质生活之后，开始逐渐朝精神礼貌发展，而在家居或是送礼的字画中，也会讲究到风水的运用，一幅聚财、吉祥的风水画将是众人争相追捧的。而花鸟画，无论是从吉祥寓意上来讲，还是从画面展现出的精神美来说，都是藏友比较喜欢的字画类型，挂在家中或办公室、酒店、茶楼、不仅仅能够渲染艺术氛围，开拓视野，愉悦身心，并且其中所蕴藏的完美寓意，更能调节风水，改善运势，招财纳福，保佑吉祥。
下头举几个例子说说不一样的花鸟画都有何寓意。1、牡丹花牡丹是花中之王，绚丽灿烂，雍容典雅，富贵祥和，牡丹画寓意繁荣昌盛，兴旺发达，也是美丽的化身，同时国画牡丹也有纯洁与感情的象征意义。
2、荷花荷花也是莲花，纯洁、崇高、廉明、清韵、长寿、清正。寓意和气，出淤泥而不染，信佛的也有寓意圆满、善心等，老人的卧室常常会悬挂此画。
3、梅花梅花的寓意是欢乐、幸运、长寿、顺利、和平。还寓意崇高品格、高洁气质、铁骨冰心、傲骨怒放、高风亮节、万事如意、坚忍不拔、不屈不挠、奋勇当先。这种题材在古代文人中颇受欢迎。
4、菊花菊花别名秋菊、黄花、帝女花等，在中国的农历九月开放，因“九”与“久”同音，所以菊花的象征意义就有象征长久与长寿的意义，菊绽开于寒霜、丽而不媚、闲适散淡的品质也是中国文人品格与精神的写照，被称为中国的花中“隐君子”。在悠久的文化历史中，菊花题材的画作被赋予了广而深远的意义。
5、喜鹊喜鹊的叫声象征着完美的寓意，喜鹊的叫声为“喳喳喳喳，喳喳喳喳”，意为“喜事到家，喜事到家”，所以喜鹊在中国民间是吉祥的象征。画家画的“鹊登高枝”，喻示一个人节节向上、家庭出人头地。
6、孔雀孔雀是最善良、最聪明、最爱自由与和平的鸟，是吉祥幸福的象征。传说中孔雀是“凤凰”的化身，象征和谐的女性容貌，而白孔雀更是象征美满的感情。众所周知，花鸟画按照画风又能够分为：写实花鸟、写意花鸟和兼工三种。而写实与写意直到今日都是国画最大的两大画派，这两大画派创立于五代时期的“徐熙野逸，黄家富贵”。自晚唐以来，艺坛上的婉约明丽的流风逐渐代替了唐朝前期雄豪奔放的风格，到了五代，由于皇帝和贵族对这种流风的喜好，其风益炽。徐熙的野逸风格总体上来说，徐黄两家都是以真实地描述自然和表现生活为主要题材，可是徐熙画得最多的是江湖间的汀花水鸟，黄筌所绘则多是宫廷中的异卉珍禽。
其中，上文提到的黄熙就是工笔花鸟的代表，黄筌绘画技巧娴熟，善于取前人轻勾浓色的技法，独标高格，是深得统治阶层喜爱的御用画家。其子居寀、居宝承其家风，成为两宋时占统治地位的花鸟派别。黄筌为宫廷画家，多写宫苑中的奇花怪石、珍禽瑞鸟，勾勒精细，设色浓丽，不露墨痕，所谓“诸黄画花，妙在赋色”，画成逼肖其生，故有“黄家富贵”之称。黄荃之后也有许多著名的画家，比如北宋的黄居寀、崔白，南宋的李迪、任仁发，元代的王渊、边景昭、林良、吕纪，明代的陈老莲、任伯年，清代的恽南田等，都在中国美术史上留下了经典的工笔花鸟作品。
在宋代，由于宋徽宗对工笔花鸟的重视，使得工笔花鸟也是盛极一时。享誉盛名的“翰林图画院”就是当时设立的。画院画家以“翰林”、“侍诏”的身份享受与文官相近的待遇，并穿戴官服，领取国家发放的“俸值”。原先五代时画院的高手都在宋画院供职。宋代的画院成为全国绘画创作的中心。为了挑选为新建的玉清昭应宫绘制壁画，画院主持向全国召募画师，应召画家竟超过三千人。这种盛况一向持续到明清，由于文人画的崛起，使得工笔花鸟地位急剧下降，人们对工笔画的这种画法开始不屑一顾，认为是匠人所为。崇尚写意画法，注重表达情感的画作。
笔者从事花鸟瓷画创作多年，个人觉得工笔花鸟成功的路还是很长。我的工笔花鸟作品的美展示在洁白如玉的瓷瓶或者瓷板上，令人心动。在陶瓷上作画亦是有许多的装饰手法，一般按大的来说分为釉上彩与釉下彩。在釉上彩中我一般是选择珐琅彩或者粉彩来画工笔花鸟，在釉下彩中则是选择青花。就珐琅彩和粉彩来说，装饰效果相近，一般是与国画花鸟相通的画法作画，只是需要注意其特殊颜料的料性，还有陶瓷烧制时的注意事项，这两种装饰方式是属于釉上彩的一种，显而易见，就是在已经烧成的白瓷上进行作画，再二次入窑烧制。珐琅彩与粉彩色泽鲜亮明快，花鸟于白瓷上栩栩如生。那么青花花鸟呢青花瓷是我国著名的传统名瓷，属于釉下彩。也就是说是在素坯上作画再高温烧制而成。作画技巧与水墨画相似，将青料在素坯上彩出浓淡变化，阴影明暗，做出空间关系。
笔者认为，作为新时代的艺术创作者，必须要拥有自我的风格与特色，多观察，多思考，结合自我的个人经历，创作出能表达自我的画作。如果想让工笔花鸟更加受人喜爱，就必须冲破框架，将传统与创新相结合，在似与不似之间找到平衡，不断超越和突破自我，加强艺术修养，创作出更新的作品来。
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