工艺美术史论文(精选17篇)

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工艺美术史论文(精选17篇)
时间:2023-11-17 20:18:16 小编:笔砚

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工艺美术史论文篇一

工艺美术是造物的艺术,造物即产品生产,经济性是其根本的属性。以下是“中国传统工艺美术论文”,希望能够帮助的到您!

在今天,把工艺美术作为经济产业、文化产业或作为文化艺术事业来看,不仅是一个实践难题,也是一个理论难题。传统工艺美术作为行业和一种经济性的产业,新中国建立伊始就已如是,成千上万的企业,生产产品、完成产值,将产品推向市场,其过程与生产其他产品没有什么不同;其特殊性仅在于其手工技艺和产品的艺术性。如果着眼于传统工艺美术的文化和艺术性质,试图将其作为文化产业来定性,文化产业和经济产业在产业的意义上没有本质差别,只不过是形式不同,因为产业要有产出,要有产品,产品必定要有价值和价格,其经济性必然包含其中了。但是文化产业并不一味强调利润而更看重社会价值,而经济性的产业不能不强调利润,将工艺美术行业作为单纯的文化产业对待,在今天的发展经济的大潮中,不太实际,也有很大难度。而将工艺美术定义为文化艺术事业,则与作为产业对待又有很大差别。文化艺术事业不像产业那样追逐利润,国家甚至要给予资金等多方面的资助。因此,如果将庞大的工艺美术行业改为工业美术事业,则不现实也是不必要的。

我们有必要将工艺美术既看作经济产业,又看作文化产业,同时还可以将其作为文化艺术事业来认识、理解、研究和扶持。像认识其既是物质文化又是非物质文化一样,多方面、多角度地认识其本质和特征,从具体的工作出发,加以不同的处理。如在商品生产上以经济性为主体,但在传统技艺的传承方面又要从文化事业的角度加以支持,包括实行保护性的税收政策,对部分工艺产品实行保护等等。

1.产业价值:作为行业的传统工艺美术,遍及全国所有省市,各地的工艺美术不仅有着悠久的历史,各具特色,而且大多数已经成为地方传统工业的支柱或城市的象征(所谓城市名片),在现代高科技社会,工艺美术行业虽不是工业经济的支柱产业,但作为特色产业之一,仍然具有较高的经济和社会价值。

2.就业价值:传统工艺美术在解决就业上亦有其他工业不可比拟的优越性,工艺美术主要靠人工和技艺,对生产场所和生产条件要求不高,有的还适合于家庭生产或加工,成为家庭副业。初步估计,全国从事或与工艺美术生产、销售有关的从业者在1000万以上。

3.市场价值:工艺美术有国内国外两个市场。20世纪50年代以来,工艺美术是主要的出口创汇产业。工艺美术的对外贸易,以特色取胜,一般不会遭遇贸易摩擦之类的问题。

三、技艺失传和后继无人的问题。

对全国大多数的传统工艺美术行业而言,一方面是技艺失传,一方面是现有技艺面临无人承续的状态。过去子承父业,现在因为现代教育和经济的发展,就业渠道拓宽,相当多的子女不愿继承父母的工艺技艺和职业生活,原因一方面是手工艺操持的`辛苦,另一方面则是传统手工艺非得数年乃至数十年的劳作和体悟才能达到一定的高度,对于急功近利的当代人而言,确实视为畏途。

传统工艺美术的保护与发展,关键是人才的培养。20世纪80年代是传统工艺美术发展的黄金时期,其基础是前三十年培养的人才。从上世纪50年代开始形成的工艺美术企业大多是集体所有制企业,也有不到10%左右的国有企业,这些企业在地方工艺美术总公司或轻工主管部门的领导下,几乎从一开始就以现代的方式如工艺美术职业中专学校、厂办或公司办职工技校等方式培养人才。1956年创建的国家级的中央工艺美术学院也承担着工艺美术人才的培养任务,再加上各工艺美术工厂、企业普遍采用师傅带徒弟的形式培养的青年技术工人,形成一个庞大的工艺美术技术人员群体。这些技术力量为80年代以来工艺美术行业的大发展做出了贡献。但90年代体制转型后,个体和民营企业成为传统工艺美术行业的主体,这些企业把主要精力放在产品生产和经营上,人才培养主要靠传统的师傅带徒弟的单一方式,而且数量和质量已不能适应行业和文化事业发展的需要,后继乏人的现象已经开始制约行业的发展。尤其重要的是,以往人才培养的国家性、计划性、长远性以及各级办教育的积极性,现在已经大打折扣。原有的工艺美术技术学校和高校,由于各种原因大多数已不从事传统工艺美术的招生和教学,致使传统工艺美术的人才培养缺失了最重要的一环。长此以往,其后果严重,现在到了需要从国家层面上关注和解决这方面教育发展和人才培养问题的时候。

综上所述,如何真正从组织上、制度上、人员安排及资金等方面落实到位,则需要制定更为细化的具体到保护品种、技艺的方案和规划,这是需要各地政府和相关部门协同解决的问题。

工艺美术史论文篇二

有了人既有了工艺美术。工艺美术是伴随着人的诞生而产生的,它早于其他任何造型艺术。

古代波斯工艺美术可以归纳为以下几点特质:p59。

一巨大的包容能力。二强烈的造型意识。三浓郁的装饰情趣。四鲜明的形式美感。五丰富的材质机理。六浓厚的世俗气息。

(所以)克里特岛特殊的地理位置,使得它能够广泛与地中海沿岸各地区的文化接触和贸易往来,涉及北非的埃及文明、西亚的腓尼基、安纳托利等文明的养料,丰富和发展自身的文化。

克里特人是历史上最早的海洋民族和海洋文明的创立者,克里特岛是航海术的摇篮。p95。

地中海区域工艺美术发展情况和艺术特色的特点:p102。

一、地中海区域工艺美术构成了地中海文明的主体,而地中海文明有代表了人类古代文明中最重要、最辉煌的部分之一。

二、地中海区域工艺美术是东方文明相融合的结晶,它不仅是表现在具体的工艺手段和加工技术方面,也反映在工艺美学和公益文化的各个方面,它体现了古代东西方文化的交融的最高成就。

三、由于地中海区域的特殊地理环境,沿海各地区和个海岛之间的文化交流异常活跃,导致了这一区域工艺文化风格和艺术特征呈现出高度的多样性和多元性倾向。

四、地中海区域工艺美术表现出浓郁的原始人文主义特征和世俗性,对于现实生活,工艺美术处于全面服务的地位,因而,工艺美术作品少有宗教思想的束缚和宗教文化的制约。

五、工艺美术的发展和创作,始终与当时的商业贸易活动紧密联系。

六、地中海区域工艺美术具有巨大的包容性和综合性,体现了东方工艺美术相融合的优势,因此,这一区域的工艺美术制品具有高度的适应性和极强的艺术表现力。

工艺美术的特征(艾特鲁利亚和古罗马工艺美术特征):

一、在材质应用、造型设计、装饰纹样及制作技术方面,有了极大的改进与发展,它们将古代工艺美术更为全面、完整地推上了一个台阶,并对齐后欧洲地区工艺美术的迅速发展产生了深远影响。

二、洋溢着浓郁的人文主义色彩。神话、文学主题和风俗人物形象作为装饰的主体,使作品充满了人间情调,通过人像的表现,为工艺美术注入了浪漫的情趣和文化的内涵。大量工艺美术作品的装饰纹样,皆以颂扬人、赞美人为主题,对人的智慧和力量、人的体格和服饰、人的生活进行了具体的表现,反映了人的乐观情绪和生活态度。这一点在古罗马工艺美术中体现得更为明显。

三、充满了享乐主义气质。工艺美术作品的材质选择、造型设计和装饰内容,皆以体现宫廷贵族的审美意识为最高准则。豪华奢丽,精致细腻、刻意追求装饰性的表现,以及带有浓郁的宫廷艺术色彩为其重要特征。这一点尤其表现在古罗马的工艺美术中。

四、具备了显著的世俗特征,在大量工艺美术作品中反映了艾特鲁利亚和古罗马人的观世观念和积极乐观的生活态度。人的世俗生活成为工艺美术中表现的主题,而宗教对工艺美术的影响微不足道的。

五、古罗马工艺美术即表现了强烈奔放、豪华奢丽的风貌,又体现出和谐典雅的美感,进一步发展和巩固了艾特鲁利亚和古希腊工艺美术所确立的古典美的标准,为其后欧洲工艺美术的审美准则构筑了坚实的基础。

圆筒埴轮的基本特征是器物上呈圆筒状,类似器座,是一种抽象性很强的陶塑纪念物,被作为丧葬用品。另有类似壶形,上端敞口、呈牵牛花状的埴轮,也颇具特色。

江户时代:日本陶瓷工艺发生巨大变化的另一个标志便是陶器的出现。p161。

绞缬染法成为染织工艺的主流。p176。

1957年出土的伊费赤陶头像,是13世纪伊费王国艺术极盛期的作品。p184。

日本工艺美术受到禅宗及中国宋元文化的影响,呈现出寂静而典雅的风格特征。p177。

1面具艺术在非洲具有悠久的历史、、、、、p194。

鲍勒人擅长有力而概括地制作各种面具,有多彩动物面具,象牙海岸,、、、、p200。

古代非洲工艺美术的基本特征和意义归纳:p201。

一、由于自然环境的影响和历史发展进程的制约,古代非洲工艺美术保持了一定的原始特征。

二、古代工艺美术带有显著的宗教性。

三、由于非洲幅员辽阔,部族繁多,在工艺美术风格上形成了各自不同的鲜明民族特征和地域风格。、、、四、带有原始的自然主义风格或抽象风格。

五、古代非洲工艺美术的大量作品虽然是古老的,但在造型、装饰、和色彩等形式因素上,表现出浓郁的现代气息。

印加文明产生在以今秘鲁为中心的安第斯山区。p205。

奥尔梅克文化则是新石期晚期的代表。p206。

树皮画是澳大利亚土著居民至今仍流行的独特工艺。p238。

哥特时期的欧中象牙工艺的中心是法国。p253。

中世纪的小型祭坛是基督教徒必不可缺少的物品,、、、p254。

法国的文艺复兴既有民主性,又有贵族性,他们的活动中心多在宫廷和贵族当中。p263。

文艺复兴的历史意义:1文艺复兴摧毁了教会的精神独裁,打破了欧洲思想界在封建高压下“万马齐音”的局面。文艺复兴代表着近代资本主义世界曙光初露的黎明。它对推动反封建的革命斗争起了积极作用,促进了资本主义经济发展,为消灭封建制和资本主义开辟了道路。

2文艺复习所创造的光辉灿烂、绚丽夺目的文化史人类的宝贵遗产。许多伟大作品荣列世界名著或名作之林,孕育了西欧近代资产阶级文化,对人类文明的发展作出了不可磨灭的贡献。近代现实主义文艺史从文艺复兴时诞生的。空想社会主义思想的先驱也是在这时出现的。在近代自然科学兴起的同时,唯物主义的新哲学也相应诞生。

畸形之珠、不合常规等p280。

罗可可意味岩石或贝壳饰物,意指以岩石和蚌壳装饰为其特色的艺术风格。p295。

罗可可式玻璃工艺的杰出代表作——《双耳玻璃杯》p310。

古典主义时期工艺美术的发展,归纳几点:p325。

术进行了新的挖掘和揭示。它的出现标志着没落的宫廷艺术即将进入尾声。

二、新古典主义工艺风格的出现,给繁缛奢华并充满着脂粉气的罗可可式工艺风格所笼罩的欧洲,带来了一股清新的装饰风。

从某种意义上讲,它也是一种“文艺复兴”。

三、新古典主义工艺风格的产生,使人们有机会冷静地回顾并温习了古希腊罗马艺术的真谛,从中领悟古典艺术的品味和魅力,体验古典艺术的美学思想和艺术法则,对新兴市民阶层的审美观念和文化意识产生了极大影响。

现代工艺美术的风格特征,大致归纳为四种类型:

一、传统风格。

二、装饰风格三。现代风格。

四、前卫风格。p350现代工艺本质特点:

空间。

大表现力。

三、现代工艺美术注重作品的艺术性表现,更多的强调视觉享受和审美价值,作品本身的观赏作用成为最主要的功能。

四、现代工艺美术强调作品对人们精神和心里上产生的作用,不以具体的实用功能为最高目标。这一点与“功能至上”的现代设计形成鲜明对照。

五、现代工艺美术强调艺术家个性的表现。

六、现代工艺美术最大限度地展示各种材质魅力,注重作品机理效果给人的视觉美感和强烈的刺激。

工艺美术史论文篇三

科学心理学自1879年诞生以来,一直是以实验科学作为其特征和标志的。作为一门实验科学,研究方法论在心理学的发展中占有特别重要的地位。美国心理学家查普林(jamesn)曾指出:“任何科学发现或概念的有效性取决于达到该发现或概念所采取的程序的有效性”[1](p13)。从一定意义上说,科学的发展史在实质上就是科学方法论的演化史。科学技术的每一次重大发展,几乎都伴随有研究方法的重要发展,而研究方法论的每次发展又总是使人类对客观规律普遍性的认识更深化一步。科学的发展和体系的形成就是在新旧方法论的更迭和进化中实现的,科学心理学及其研究方法论的发展也同样如此。由于研究方法论的指导对于心理科学的实践有着决定性意义,因而有必要对心理学研究中有关方法论的问题进行回顾、比较和分析。

所谓方法论是科学家在从事科学研究的过程中积累和形成的一种研究工作的模式,库恩()称其为“范式”[2](p167)。自科学心理学诞生以来,研究方法论大致经历了以下几个发展阶段:

1.构造主义的自我观察的方法――对经验的主观主义研究方法论。

以冯特为代表的构造主义心理学认为,心理学的研究对象是人的直接经验。所谓直接经验是与间接经验相对而言的,前者是最基本的心理活动,是意识的基本要素;而后者只是关于某种事物的知识而非经验本身。在冯特看来,心理学既然是一门关于研究人的经验的科学,因而心理学的方法必定是研究如何观察这种直接经验。他认为,一个人只有自己才能观察到自身所体验的经验,所以心理学的方法必然只能是采用自我观察的手段(亦称内省法,introspection)[3](p273)。心理学研究的这一观点和方法论思想在冯特的学生铁钦纳(ner)的工作中发展到了极端的程度,他认为只有训练有素的自我观察者才能作为心理学研究的被试。

这种研究心理学的方法论及其所使用的研究技术受到了许多批评。因为内省法只强调以被试、而且一定是需经严格训练的被试的自我观察报告为依据,其结果不仅无法达到一致,而且也使得研究工作不可避免地受到主观和偏见的影响。在某种程度上,这种消极的影响往往就是他们所规定的训练产生的。此外,他们还力图排斥同时期出现的其他一些心理学研究方法,例如艾宾浩斯的记忆实验研究方法、动物心理学和儿童心理学的研究方法等。这就使得自我观察法不可能得以更新和发展,其结果则必然被新的研究方法论所取代。

2.机能主义的'多样化研究方法――以实用主义为基础的心理学研究方法论。

[1][2][3][4]。

工艺美术史论文篇四

在科技飞速发展的现代社会,大部分传统手工产业都逐渐被机械生产所替代,但是就工艺美术而言,它是永远不可能完全被工业生产所彻底取代的。工艺美术反映着一个时代背景下的社会文化水平,并且传统工艺美术技艺中所蕴含的非物质文化价值也是不允许被摒弃的。在快节奏的现代化生活中,传统师徒授艺的技能传承模式在效率上和方式上已经无法满足社会的需求,只有将工艺美术技艺的教学引入到学校中,通过现代化的职业教育手段进行相关工艺人才的培养,才能顺应时代发展的规律,满足当代社会发展对工艺美术人才的庞大需求。

我国是世界四大文明古国之一,具有五千多年的文化传承历史,在工艺美术的创造和成就上也一直处于世界顶尖地位,从青铜器、丝绸、陶瓷到漆器、玉器、金银器,从雕刻、绘画到器皿、建筑,工艺美术可谓是贯穿整个中华文化的历史。古代的工艺美术技艺传承模式主要是依靠师徒传授,西式美术课程从清末进入课堂,在民国时期得到发展,形成了具有时代特点的课程内容与课程结构[1]。经过长时间的发展,在作坊里传承了数千年的手工艺传授才正式进入以中央工艺美术学院为代表的各大现代学校。但是随着社会的发展和消费需求的转变,以往高校中重文化、轻经济的教育理念使得工艺美术的教育越来越偏离手工工艺美术技艺传承的需求。从高校专业调整把工艺美术更名为艺术设计之后,传统手工工艺美术技艺被极大地边缘化。艺术设计和工艺美术之间实质上存在着很大的差别,二者虽然都是建立在美术的基础上,但是很多地方是无法相互代替的。艺术设计服务于现代化工业生产,具有全球共通性;而工艺美术却是传统民族文化的重要组成部分,它所表现出的更多的是与独特的民族文化息息相关的艺术信息。在这样的情况下,现有的艺术设计教育模式显然不符合工艺美术人才培养的要求。

2、现今人才培养模式的转变与完善。

工艺美术的初衷是使人们日常生活中的物品在具备实用性的基础上附加欣赏价值,当欣赏价值超过实用价值后,日常物品则升华成为了艺术品,而一件精美奇巧的艺术品往往需要极其专注的手工制作,注定无法大规模地批量生产。随着工业化生产效率大大提高,为了满足工业产品的欣赏性,传统的手工工艺美术演变成了更符合工业化生产需求的艺术设计,使得产品的欣赏属性得以附加在大规模的工业生产之上。但是传统工艺美术主要以手工加工为主,其美术工艺往往凝聚了制作者的民族智慧及文化特色,而艺术设计是服务于工业化生产的,它的审美与民族文化无关。艺术设计取代工艺美术的结果就是工艺美术人才的断档,蕴含民族文化艺术的传统手工工艺逐渐失传,并且市场上流通的手工工艺品也逐渐无法满足日渐增大的购买需求。随着社会对手工工艺美术制品的需求量和重视程度的提高,国家教育对工艺美术人才的培养也越来越重视,目前我国开设工艺美术专业的中职学校已超百所[2]。通过政府引导、行业参与、社会支持,企业和学校双主体教育的模式已逐渐形成,并逐步完善。

二、促进现代职业教育模式与工艺美术教育的结合。

1、两种模式的对比。

传统的师徒授艺方式,在技艺的传承上效率低下,学徒需要从小住进师傅家中,为师傅做小工,在学艺有成之前其地位相当于杂役。师傅全凭自己喜好择人而教,并因大多存在“教会徒弟饿死师傅”的普遍心态,故在授艺过程中会有所保留,致使技艺传承出现缺漏,而且学艺时间会被故意延长。然而,职业教育在教学上更注重学生的实践与动手能力,在教学模式上,以班级为单位学生统一从基础开始围绕工作实际内容开展学习,结合文化素质的培训,在继承传统和改良陋习方面均有显著的优势,教学效率高,专业性强。

2、职业教育院校的优势。

职业教育院校的定位即专业技能培训机构,评判职业教育院校的优劣直接以学生的工作能力为标杆,教师以培训出更优秀的学生为根本教学目标。职业教育院校由政府部门和教育部门宏观规划,严格监督。在国家越来越重视职业教育模式的背景下,国家扶持政策也积极支持着院校的教学条件。国家日益规范的教学程序最终会将手工工艺美术人才与其他各类专业人才一样,设立统一标准的资格证书,提升手工工艺从业者的社会价值和社会认可度。在这样专一的、规范的、社会和国家认可的教育模式下,工艺美术行业即将迎来广阔的发展前景。

3、现代职业教育模式下的工艺美术人才培养。

从工艺美术的职业教育专业类别来说,首先应当考虑能体现民族地域文化特色,并且拥有良好市场前景又符合规模化生产的门类,如陶瓷、玉器、织毯等。学生通过职业院校的专业培训应该掌握工艺美术品的手工技能,要富有创新的意识和能力,延续传统文化,根据时代的发展要求创造符合当下社会背景的新作品。为了培养高层次人才,院校的训练体系要围绕专才教育的特点,以课堂教学、实践训练和企业实习三个部分组成。教师要随时掌握学生的学习进度以及其对技能的运用程度,要站在学生的立场上开展教学活动,以学生对课程的理解和掌握程度来安排教学进度,而不是盲目地为了完成进度而赶课。现代职业院校寻找相关的社会企业建立起稳固的合作关系,由院校向企业输送人才,由企业为学院的学生提供实习和就业的平台。因为企业处于市场的最前端,能最及时地将有价值的信息反馈给学校,使院校的教学计划能第一时间随着市场的发展需求变化而调整。职业院校根据合作企业的需求来制订人才培养计划,通过合作院校毕业的学生到合作企业签约就业即可省去招聘、试用、岗前培训的环节,不但企业能够得到足够的人才,而且学生的就业也得到了保障,从而形成一种双赢的局面。高职院校一直在校企合作过程中承担着活动发起者的主要角色,在今后的发展中,要更进一步发挥主导作用,更积极地承担起有关责任,推动更多企业加入合作育人的行列。现代企业是校企合作的直接参与者,更是直接受益者,要更好地促进校企合作的开展,需要企业将育人作为己任,在正确的合作意识指导下,切实改善合作能力,积极落实有关政策。建立健全内部培训制度,优化合作方案,提升校企合作的管理力度。“双师制”是由校外行业专家配合学校专职教师,分工合作、共同执行教学计划的机制,将学校、企业和实践项目连接起来,在课程上,双方各自取长补短;在教学方式上,双方共同研究开发,真正实现学校到行业育人的一体化。随着社会整体经济水平的提升,人们对精神生活日渐重视。工艺美术产品具有特殊的审美价值和文化价值,与现代工业文明互补互益,在国家大力发展精神文明建设的背景下,传统工艺美术产品蕴含了巨大的市场潜力。与传统的师徒授业相比,现代职业教育院校的教学模式更契合社会对工艺美术人才的需求。运用科学现代的职业教育模式培养出来的工艺美术人才,不仅传承了民族文化技艺,还肩负着将这项民族技艺发扬光大的历史使命。

工艺美术史论文篇五

工艺美术,又叫“实用工艺”,一般是指“在造型和外观上具有审美价值,与人类的日常生活相关的一类美术品的总称。”

工艺美术受物质材料与生产技术的制约,所以具有技术性与艺术性相结合的性质。

工艺美术品种繁多,通常分为三大类:

(一)艺术化的日常生活实用品。

所谓“艺术化”的日常生活实用品,指的是经过艺术加工或艺术处理的日常生活实用品,例如绣花枕套,精美的被面、床单、门帘、窗帘,美观的玻璃器皿等。它们多以实用为主,以装饰为辅,即在实用的基础上兼具观赏价值。

这是流传在民间的工艺美术品,一般制作材料比较普通,制作工艺也比较简单,价格也比较便宜,既可以供实用,也可以供观赏。例如竹编器件、草编器件、柳编器件、蜡染织物、泥塑、木雕、剪纸、刺绣、折纸等等。

这是制作材料比较珍贵、制作技术比较复杂、价格也比较昂贵的工艺美术品。例如瓷器、陶器、漆器、玉雕、玉器、景泰蓝器皿、象牙雕刻、金器、银器等等。

工艺美术具有自身独有的审美特征,其中主要有以下几点:

(一)实用性。

工艺美术的第一大审美特征是它的实用性。所谓“实用”,就是坚固而拥、使用方便、经济适用,兼具美观特点。

(二)造型性。

工艺美术作为造型艺术之一种,造型性特征是它的根本属性之一。我国先秦古籍中的科学文献《考工记》中,就强调工艺美术的制作必须“材美工巧”,强调只有优质的材料与精汇成的工艺紧密结合,才能创造出精美的工艺品。例如河北定州出土的金银错工艺品《狩猎放车饰》是汉武帝时代的作品。作为一种金属工艺品,它是用金银丝、片嵌入铜器表面,构成花纹,然后用错石(或磨石)错平磨光而成。它是车子的附件装饰品,其花纹均系与狩猎有关的图像,如猎人骑马、猎犬逐鹿、搭弓射虎等等,光是人禽兽畜就有123个之多。上面镶嵌的金银丝,色彩灿烂,细如毫发,体现出制作工艺的高超。又如玛璃雕《虾盘》,原材料是一块淡青色的玛璃,当中有一处为赭红色。制作者就巧妙地把整块玛璃雕成一个淡青色的盘子,盘子中盛放一只赭红色的大虾。其造型独特,色彩协调,称得上是匠心独运。再如核雕《夜游赤壁》,在果核上雕出苏轼、黄庭坚等人乘舟夜游赤壁的`情景,还在舟头刻一条锚链,由40多个小如朱粒、细如发丝的椭圆形小环连结而成,环环相扣,转动自如,可谓巧夺天工。

(三)审美性。

工艺美术品作为美术品,审美性特征也是它的题中应有之义。它创造出一种“有意味的形式”,即用线条、色彩、造型、图案、装饰等外部形式,来传达和表现一定的情感、格调、情趣、意味,唤起观赏者的审美快感与审美享受。

(四)民族性。

民族性也是工艺美术品固有的审美特征之一。其实,世界上所有国家、所有民族的所有艺术,都以民族性为生命与灵魂。19世纪俄国作家赫尔岑说:“诗人和艺术家们在他们的真正的作品中总是充满民族性的。”法国思想家伏尔泰也说:“谁要是考察一下所有其他各种艺术,他就可以发现每种艺术都具有某种标志着产生这种艺术的国家的特殊气质。”中国工艺美术品的民族性特色十分鲜明,为全世界所瞩目。例如著名的中国瓷器,英文为“caina”,已成为“中国”的同义词,也就是说,在西方人眼中,瓷器即中国,中国即瓷器。

(五)时代性。

时代性也是工艺美术品的重要审美特征之一。许多工艺美术品,都表现出特定时代、特定社会的情感和理想。例如我国殷商时期的青铜器,大多都是“饕餮”纹饰,即像牛头、又像虎头,还像某种凶猛的怪兽,更像恐怖狰狞的妖魔鬼怪。它们显示出一种神秘的威力,具有一种狰狞之美。实际上则反映出奴隶社会中奴隶主统治者的权威与秩序。

(六)收藏性。

许多工艺美术品,因历史久远而成为文物,具有很高的收藏价值,例如元青花瓷器、汉代漆器等等。

[1]彭吉象著。艺术学概论[m].北京:高等教育出版社2002.

工艺美术史论文篇六

内容摘要:世界工艺美术历史悠久,技艺精湛,琳琅满目,是一个多姿多彩,百花齐放的大花园,自然,它留给当代的传统工艺美术资源也是数不胜数的,现今的我们除了要很好的保护历史文化遗产,还要很好的与当代设计相结合,将传统的工艺美术资源以另一种方式传承下去。

工艺美术,这里说的是一个广义的概念,它包括人们的衣食住行等生活各个方面的美术加工,也就是对人们的生活用品和生活环境的美化。从工艺美术的用途分,有生活日用品和装饰欣赏品;从工艺美术的制作分,有手工制品,机器产品和电脑产品;从工艺美术的性质分,有传统工艺,民间工艺和现代工艺。通常是以材料来分类的,如染织工艺,陶瓷工艺,金属工艺,漆器工艺,木工艺,玻璃工艺,塑料工艺等。就工艺的创造过程来说,它包括设计和制作两个阶段。所以,工艺美术及不只是手工制作或传统制品。也不只是设计的范畴。

工艺美术是生活和美学的结合,它通过没的工艺美术形象(包括造型,色彩,装饰)对各种生活用品和生活环境做美术加工;工艺美术是艺术和科学的产儿。工艺美术不只是美的设计,最终是制成物质成品。因此,工艺美术作为一个艺术实体,他具有物质的和精神的双重属性,它是一种物质产品,又是一种精神产品。

当代设计可以将传统视为基础,在这个基础上进行创新。当代设计可以吸收传统的线造型,使一件工艺品有一种灵动的美。如交椅,以纤巧的线条为主要结构,造型简练,线条流畅,稳重不失轻巧。又如明式家具中的圈椅,以线为主,直中有曲,曲中有直,背板呈“s”形,与人的脊背弯曲度相符合,符合人体工程学;可以吸收传统工艺的意蕴感,将一件工艺不仅赋予现代感,又有意匠美。

如今,当代设计的发展趋势,除了绿色设计是其发展的趋势之一,设计的多元化也是其发展的趋势之一。较早也较为系统的发展的国外工业设计,以其科技等一定的优势主导着设计行业,许多富有外国先进元素的产品冲击着中国的民族性的设计,作为新一代的我们,要将富有民族特色的中国元素有机的融合到所设计的产品中,不能照搬别人的模式,不能在文化的碰撞中丢失自我,丢失传统的精华,所以,传统工艺美术也要进行多元化发展,要与时俱进,希望在与现代科学技术,现代文明,现代工业设计相结合后,传统的工艺美术以新的多样的形式存在着,带着特有的时代特色,为人们的生活服务,并影响着人们的生活,也可以向世界展示一个悠久历史的中国,别具一格的中国设计风格。

对于历史,我们要辩证的对待,取其精华,去其糟粕;对于传统的工艺美术资源,我们也应当以这样的态度去对待,将其中落后腐朽的舍弃,将其精华与现代设计相结合,与生结合,以生活本身为出发点,回归生活,以另一种形式,一种富有时代特色的形式,将优秀的工艺美术资源传承发扬下去。

姓名:王小伟。

学号:5203211060。

班级:产品111班。

工艺美术史论文篇七

明代中后期,苏州成为全国性的商业和文化重镇。

在商业大潮冲击下,苏州工艺美术一改过去以来地理条件和手工匠人个人发挥的发展模式,呈现出由市场决定发展道路的新型发展状态。

明代,苏州丝织和棉纺织技术发展迅速,民间纺织和海外贸易促使苏州成为全国纺织品生产基地中的佼佼者。

有着辉煌历史的苏州刺绣在明代中后期针法更加成熟,在题材和表现手法上有了更多的选择。

史料记载,明代中后期,苏绣这一地方制作已经成为闻名全国的大品牌。

苏绣材质有布、纱、罗、娟、绒等,心灵手巧的绣娘将花鸟鱼虫、城市生活都搬上了刺绣“画卷”“,苏样”刺绣、服饰等风靡全国,苏式工艺美术也因苏绣而蒙上了过多的商业色彩。

苏式家具也是苏式工艺美术的载体,除了最常见的竹木外,苏式家具的材料还有楠木、榉木、檀香木等。

可以说,小到席子、藤椅、藤枕、纸扇等日用品,大到床、柜、屏风等家居用品,都成为苏式工艺美术的表现场地。

成熟的消费市场是苏式工艺美术不断发展的内在动力,衣帽鞋袜、纸扇香具、青铜锡具等使用类物品需求的增大,使工艺美术的应用范围进一步扩大,直至渗透到民众生活的方方面面。

明代中晚期,苏州工艺美术生产已经非常专业化,实用物品生产地域性鲜明,工艺美术生产在规模、品种上都较宋元时期更加兴盛。

吴县罗底绢生产、木渎镇银铜器皿制造、陆墓镇砖瓦、淘气作坊、吴趋坊的藤枕和制靴中心,为工艺美术的专业发展提供了空间。

在鉴赏类工艺美术作品中心吴县,珠宝花、玉石雕刻、烧料器和扇子制造发达,乾隆帝曾用“相质制器施琢刻,专诸巷益出妙手”给予吴县琢玉作品高度评价。

与帝王所好相比,虎丘盆景制作和太湖石更受平民百姓的喜爱,无论是百姓居室还是大家园林中,都常见这二者的身影。

异军突起的竹刻、版刻艺术进一步推动了苏州工艺美术的发展,《嘉定县志》记载,嘉定是明代最为著名的竹刻中心,朱松邻一家三代都是著名的竹刻艺人,传统工艺美术就是在这些匠人们的辛勤付出下获得了新生。

综上所述,明代中后期,苏州工艺美术已经具备品类齐全、规模宏大、新品辈出、行业分工细致等特点,这在一定程度上昭告了苏式工艺美术的成熟。

作为一种特定的文化概念,要想知道“苏式”究竟代表了什么,恐怕还要从苏式工艺美术的文化基础说起。

在明代中晚期“,苏式”是文化创新的结果,苏式工艺材料新品种的开发和应用是苏式工艺美术发展的基础。

金、银、铜、玉、石、象牙、木头是中国古代常用的工艺原料,而石刻印、以竹制扇骨、以麦秆编灯等工艺美术表现形式却最早出现在明代。

这既与绘画之风的盛行,文人士大夫刻印留名的欲望有关,也与印工、刻匠的创作激情有着密切关联。

苏州篆刻家沈野,正是发现金玉费力而难成所以才选择以石刻印。

此外,在扇面、扇骨、扇坠制作的基础上,苏州折扇制作发展迅速,苏州折扇成为市人争相购买的雅物。

虽说灯笼与扇子一样并非是明代才有的产物,但是用麦秸秆编制而成的圆形灯笼确实是在明代才出现,且这种创新性的物品最早在苏州一带较为流行。

此外,苏样衣物、家具、水火炉、纺织用品、乐器、茶具器皿等都深受时人喜爱。

对材料本身商业价值、人文价值的关注是明代苏州工艺美术发展进程中形成新气象,这也是苏州工艺美术不断发展的根本保证。

究其原因,苏州文化的开放和包容性,决定了苏州人开放、积极的胸襟和态度,而苏州工艺美术必定在吸收融合外来文化精华的基础上进行积极效仿或创新。

所以,说苏州工艺美术是一门开放的艺术,一点都不为过。

苏式工艺的美具有特殊性,钟灵毓秀的江南地理环境,养育出了秀气典雅的苏州民众,清雅灵秀也成为苏式工艺的显著风格。

在中国传统工艺美术中,苏式工艺不但质量上乘,风格也别具代表性。

苏式工艺的恬淡秀美、清秀典雅在苏式工艺线性曲、静上得到了生动的体现。

苏式家具是苏式工艺品中的杰出代表,苏式家具在明朝时期对线条的运用可以说是达到了炉火纯青的境界,圆细木构件、曲度变化较小的线条、利用细微装饰曲线构造的造型,是苏式家具的主要特点。

近代学者陈启雄说苏式家具在造型上具有书法艺术的构造技巧,明代苏式家具的审美情趣和艺术内涵可见一斑。

更有人将明代座椅后背常用的s型背靠与唐寅等明代画家笔下背部弧线优美的仕女联系到一起,虽有牵强之感,但是苏式家具特殊的式样美却是毋庸置疑的。

小巧的体态是苏式工艺美术作品的一大特征,受熙攘、纷杂的城市生活环境的影响,人们对能深入人心的细致之美的追求越来越强烈,商品头脑发达、更善于应和市场需求的苏州人也乐于在工艺形式上做出更多的改变。

苏州工艺品在结构和风韵上较他地更胜一筹,不论枕、扇、瓶器、茶炉还是门窗、栏杆、挂屏,色彩静穆、外形空灵、丰韵婀娜是苏州工艺品共有的特点。

明代中晚期,苏州工艺美术创造中出现了以小见长的创作风尚,极具艺术情趣和特殊美感的苏州工艺产品风行天下。

苏式工艺虽然影响深远,但是归根结底它还是一种地域文化,地理人文风貌对它的影响始终不容忽略。

明代中后期,江浙等地的商品贸易水平进一步提高,在现实利益的竞争与倾轧中,由思想碰撞带来的冲突接连不断,反映到艺术上,就形成了艺术家与艺术相互借鉴、参考、吸收的关系模式。

在景物繁华的苏州,在各路艺术家和文人的艺术交流和书画答酬中,地方文艺的进一步发展也成为时代的必然。

明朝中晚期,苏州画派成为绘画界的先锋力量,吴门画派声势浩大,画家投入商业运营的现象极其普遍,不但王公贵族、豪强地主争相罗织名家书画以附庸风雅,书画装潢在民间也迅速普及,艺术市场日趋繁荣、成熟。

为了迎合社会需要,许多名人与匠师结合设计,赋予工艺品更高的文化艺术价值。

而分类齐全的匠师群体,也利用整体号召力,组合成辐射全国的艺术创造群。

如以木工领衔,集雕刻、泥瓦、漆工等建筑工种为一体的苏州香木帮为了维护帮会名声,成员在做工时对艺术水准的要求就很高,这无疑会对工艺水平产生积极影响。

如果说苏州本地工匠与外地匠人的合作推动了苏式工艺发展的话,那么官府作坊则和各类私营作坊则在工艺美术的成熟过程中发挥了举足轻重的作用。

苏式工艺美术是地区先进工艺美术的代表,也是地区文化成熟的表现。

苏式工艺起源于位居江南经济和文化重镇苏州,它随着苏州地域与外界商品和信息交流而流传开来,如朝廷对苏式工艺品的征用和文人雅士参与宣传,无疑会引导人们在这两个最大的“精神生产”群体的指引下,做出思想和选择上的改变。

苏绣的内销和外销更是直接将苏式工艺美术传播出去,苏式工艺美术开始进入世界艺术的行列。

工艺美术史论文篇八

将陕西本土的艺术融入幼儿艺术教育理念中,既能丰富幼儿的视野与学识,又弘扬了民族文化。这样,在幼儿接触民间艺术时,能更清楚、更身临其境地感受到身边的美、理解美,并进一步创造美。下面是小编搜集整理的民间工艺美术资源在幼儿教育中的运用的论文范文,欢迎大家阅读参考。

摘要:陕西官方工艺是文明开展的重要内容,疏忽民俗文明的存在,就不能够有教育的开展。民俗文明作爲以后幼儿园在艺术教育中的一大元素,无论从扮演艺术,社会习俗,礼仪,节庆,还是传统手工艺技艺,都爲幼儿艺术教育的开展发明了一定的价值,但遭到古代信息文明的影响,幼儿园的艺术教育往往疏忽了官方文明资源,本文将从陕西官方文明资源动身,结合幼儿艺术教育,谈谈如何将两者无效结合起来。

关键词:陕西官方艺术;幼儿艺术教育;使用。

官方工艺美术是指来源于官方,并且与老百姓生活联络最爲亲密的一种艺术方式表现,爲一些日常生活用品的丑化装饰,如剪纸、编制、布贴、扎染印染、书画等。而陕西官方艺术即指出自于陕西官方,并在陕西地域内普遍传播的艺术。陕西官方美术的概念界定,包括安塞剪纸、绥德炕头石狮娃、宜川根雕、黄龙根雕、志丹刺绣、宜君农民画、合阳面花、提线木偶、关中布贴绣、周至刺绣、凤翔泥塑、户县农民画、大荔庙画、汉中年画、城固刺绣、安康编织等,它们无一不表现着陕西共同的地域文明与民俗风情,反映着陕西民众的信仰观念和价值体系。假使将陕西外乡的艺术融入幼儿艺术教育理念中,既能丰厚幼儿的视野与学问,又弘扬了民族文明。这样,在幼儿接触官方艺术时,能更清楚、更身临其地步感遭到身边的美、了解美,并进一步发明美。本课题针对建构陕西官方艺术在幼儿园美术教育活动中的使用体系提出本人的想法。就陕西省西安市各大幼儿园里的美术教育活动来看,能真正感遭到陕西官方艺术传承的少之又少,而教员的年老化也招致了教员更多会选择新颖、盛行的文明元素,轻视传统文明的浸透,同时,幼儿园所制定的教学方案也短少对陕西官方艺术元素的关注。官方美术资源在幼儿园美术教育的浸透大局部次要都是从微观的官方艺术视角着手来剖析官方艺术对幼儿美术教育的影响,而细化到陕西官方工艺的相关研讨文献还非常匮乏。结合陕西省地缘教育特征而更好地展现幼儿园的美术教育,我以为注重营建浓重的陕西官方工艺美术文明气氛,从不同的角度向幼儿展示陕西官方艺术文明是极爲重要的,这样不只可以爲幼儿的自主表现展现一片天地,同时又能激起幼儿自主表现的愿望。

一、陕西官方美术对幼儿价值观的影响。

首先,陕西官方工艺美术的推行有利于幼儿良好心情情感的构成。马斯洛层次需求实际指出,人在满足了根本的生理与平安需求之后,就有了社会需求,这种社会需求,包括国度的归属感、地域的骄傲感,可以爱国、爱家乡,而陕西官方艺术可以很好地爲这种需求提供情感支撑。进而,幼儿在与同伴的相处交往进程中,取得尊重的需求,构成自信、悲观、博爱等良好的心情情感。其次,陕西官方艺术有利于幼儿认知才能的开展。陕西官方工艺美术所包括的美术方式以其外形、或以其颜色安慰着儿童的视觉,以其共同的造型艺术安慰着幼儿入手操作,再辅以音乐、习俗等铺垫,给儿童以美的享用。这一系列感官安慰,惹起幼儿一切感官的共同参与,这不只有利于幼儿协调才能的开展,同时也促进幼儿的察看才能、联想才能以及表达才能的开展。这一阶段的幼儿还处于具象思想主导、笼统思想萌芽的时期,陕西官方工艺美术方式以其共同的方式出现到幼儿面前,不时空虚幼儿的思想资料,安慰幼儿的笼统思想不时开展。

二、陕西官方美术对幼儿美术内容的浸透。

陕西官方艺术次要是从幼儿园美术教育活动中的陕西官方美术方面而论,并结合其他官方艺术表现方式共同出现。在陕西官方艺术中可应用的如剪纸、皮影、八大怪、布贴绣、豆贴画、秦腔面具等元素,浸透在幼儿园惯例美术教学活动中,例如,笔者调查西安市某所幼儿园就以秦腔脸谱装饰爲主的活动,可以讨论如何用纸简制脸谱面具的办法,尝试用多种材料对脸谱面具停止装饰活动。并晓得脸谱中包含的民族文明,有身爲陕西人的骄傲感。又比方理解剪纸是陕北传统的官方艺术,让幼儿初步理解官方剪纸,学习去欣赏剪纸,激起对剪纸艺术的兴味。因而陕西官方工艺美术如何巧妙贯串于幼儿园美术教育活动,如何表现陕西官方特征,如何让孩子喜欢陕西官方工艺,就是重点所在。同时,除了教学活动,幼儿园美工活动、环境布置、区角设置、欣赏活动等,也是陕西官方艺术使用的表现方式。基于此,才干真正地将陕西官方工艺美术浸透幼儿园美术教育活动中去。

三、陕西官方美术对幼儿艺术影响的意义。

爲更好的探寻陕西官方美术工艺资源与幼儿美术教育交融的可行性,笔者详细研讨了以后教学形式下的幼儿园美术教育。剖析出了适用于以后有儿美术教育与官方公益美术相结合的方式,爲幼儿美术教育的开展及教学形式、教学内容的变革提供了根底并积聚无效经历,以期让孩子从小开端尊重传统民族工艺,让更多的.官方工艺得以传承并不时创新。经过笔者对西安市一些幼儿园的走访发现,参加陕西官方中央特征元素的美术内容,可以使得幼儿经过对本人周边熟习的生活环境感知,添加其对美术这一技艺的深化了解,提升幼儿对美术作品欣赏与创作的才能,同时可以培育幼儿酷爱家乡的山水与环境,添加其对家乡传统艺术的感知才能。参加陕西官方中央特征元素的美术内容从幼儿教学中得以施行,这项课题研讨可以进一步促进幼儿发明力的开发。这样的教学训练项目活动关于将官方传统工艺浸透到幼儿美术教学中有着深远的意义。综上所述,陕西的传统民族工艺可以无效的扩展孩子们在美术方面的学习空间,无效添加孩子的取材角度及发明性思想的空间。让孩子大胆的发扬想象力用画笔记载下孩子脑海中的世界,爲幼儿美术教育的变革奠定基石。

参考文献:

[1]赵玉兰,张赤华,李芹.官方艺术教育与幼儿开展关系的研讨[j].学前教育研讨,2010(8).

[2]葛晓英.让外乡民族文明走进幼儿园[j].学前教育研讨,2010(8).

[3]王晓芬,钱慧.幼儿官方艺术教育探析[j].教育导刊,2010(8).

工艺美术史论文篇九

在书画装裱、古籍装帧、织锦工艺、日用摆设等新生工艺美术门类不断发展的基础上,苏州工艺美术的力量进一步壮大。此外,与玉石雕刻、金银丝编制、彩绘等有关的宗教艺术创造也为苏州工艺美术的发展提供了动力,苏州虎丘塔和瑞光塔都有许多工艺精美的佛像和供器。宋元明时期,苏州工艺美术名家辈出,宋代泥塑艺人袁遇昌、元代银匠朱碧山都是青史留名的人物,他们的作品在当时备受追捧,宋元工艺美术的传承和创新就在一批批艺术工匠的身体力行下得到了良好的实现。明代,与百姓生活密切相关的民间工艺美术发展迅速,苏州工艺美术的整体水平明显提高,从而为兼具较强工艺性和艺术性的“苏式”工艺美术的诞生打下了良好的基础。

明代中后期,苏州成为全国性的商业和文化重镇。在商业大潮冲击下,苏州工艺美术一改过去以来地理条件和手工匠人个人发挥的发展模式,呈现出由市场决定发展道路的新型发展状态。明代,苏州丝织和棉纺织技术发展迅速,民间纺织和海外贸易促使苏州成为全国纺织品生产基地中的佼佼者。有着辉煌历史的苏州刺绣在明代中后期针法更加成熟,在题材和表现手法上有了更多的选择。史料记载,明代中后期,苏绣这一地方制作已经成为闻名全国的大品牌。苏绣材质有布、纱、罗、娟、绒等,心灵手巧的绣娘将花鸟鱼虫、城市生活都搬上了刺绣“画卷”“,苏样”刺绣、服饰等风靡全国,苏式工艺美术也因苏绣而蒙上了过多的商业色彩。苏式家具也是苏式工艺美术的载体,除了最常见的竹木外,苏式家具的材料还有楠木、榉木、檀香木等。可以说,小到席子、藤椅、藤枕、纸扇等日用品,大到床、柜、屏风等家居用品,都成为苏式工艺美术的表现场地。成熟的消费市场是苏式工艺美术不断发展的内在动力,衣帽鞋袜、纸扇香具、青铜锡具等使用类物品需求的增大,使工艺美术的应用范围进一步扩大,直至渗透到民众生活的方方面面。明代中晚期,苏州工艺美术生产已经非常专业化,实用物品生产地域性鲜明,工艺美术生产在规模、品种上都较宋元时期更加兴盛。吴县罗底绢生产、木渎镇银铜器皿制造、陆墓镇砖瓦、淘气作坊、吴趋坊的藤枕和制靴中心,为工艺美术的专业发展提供了空间。在鉴赏类工艺美术作品中心吴县,珠宝花、玉石雕刻、烧料器和扇子制造发达,乾隆帝曾用“相质制器施琢刻,专诸巷益出妙手”给予吴县琢玉作品高度评价。与帝王所好相比,虎丘盆景制作和太湖石更受平民百姓的喜爱,无论是百姓居室还是大家园林中,都常见这二者的身影。异军突起的竹刻、版刻艺术进一步推动了苏州工艺美术的发展,《嘉定县志》记载,嘉定是明代最为著名的竹刻中心,朱松邻一家三代都是著名的竹刻艺人,传统工艺美术就是在这些匠人们的辛勤付出下获得了新生。综上所述,明代中后期,苏州工艺美术已经具备品类齐全、规模宏大、新品辈出、行业分工细致等特点,这在一定程度上昭告了苏式工艺美术的成熟。

作为一种特定的文化概念,要想知道“苏式”究竟代表了什么,恐怕还要从苏式工艺美术的文化基础说起。在明代中晚期“,苏式”是文化创新的结果,苏式工艺材料新品种的开发和应用是苏式工艺美术发展的基础。金、银、铜、玉、石、象牙、木头是中国古代常用的工艺原料,而石刻印、以竹制扇骨、以麦秆编灯等工艺美术表现形式却最早出现在明代。这既与绘画之风的盛行,文人士大夫刻印留名的欲望有关,也与印工、刻匠的创作激情有着密切关联。苏州篆刻家沈野,正是发现金玉费力而难成所以才选择以石刻印。此外,在扇面、扇骨、扇坠制作的基础上,苏州折扇制作发展迅速,苏州折扇成为市人争相购买的雅物。虽说灯笼与扇子一样并非是明代才有的产物,但是用麦秸秆编制而成的圆形灯笼确实是在明代才出现,且这种创新性的物品最早在苏州一带较为流行。此外,苏样衣物、家具、水火炉、纺织用品、乐器、茶具器皿等都深受时人喜爱。对材料本身商业价值、人文价值的关注是明代苏州工艺美术发展进程中形成新气象,这也是苏州工艺美术不断发展的根本保证。究其原因,苏州文化的开放和包容性,决定了苏州人开放、积极的胸襟和态度,而苏州工艺美术必定在吸收融合外来文化精华的基础上进行积极效仿或创新。所以,说苏州工艺美术是一门开放的艺术,一点都不为过。苏式工艺的美具有特殊性,钟灵毓秀的江南地理环境,养育出了秀气典雅的苏州民众,清雅灵秀也成为苏式工艺的显著风格。在中国传统工艺美术中,苏式工艺不但质量上乘,风格也别具代表性。苏式工艺的恬淡秀美、清秀典雅在苏式工艺线性曲、静上得到了生动的体现。

苏式家具是苏式工艺品中的杰出代表,苏式家具在明朝时期对线条的运用可以说是达到了炉火纯青的境界,圆细木构件、曲度变化较小的线条、利用细微装饰曲线构造的造型,是苏式家具的主要特点。近代学者陈启雄说苏式家具在造型上具有书法艺术的构造技巧,明代苏式家具的审美情趣和艺术内涵可见一斑。更有人将明代座椅后背常用的s型背靠与唐寅等明代画家笔下背部弧线优美的仕女联系到一起,虽有牵强之感,但是苏式家具特殊的式样美却是毋庸置疑的。小巧的体态是苏式工艺美术作品的一大特征,受熙攘、纷杂的城市生活环境的影响,人们对能深入人心的细致之美的追求越来越强烈,商品头脑发达、更善于应和市场需求的苏州人也乐于在工艺形式上做出更多的改变。苏州工艺品在结构和风韵上较他地更胜一筹,不论枕、扇、瓶器、茶炉还是门窗、栏杆、挂屏,色彩静穆、外形空灵、丰韵婀娜是苏州工艺品共有的特点。明代中晚期,苏州工艺美术创造中出现了以小见长的创作风尚,极具艺术情趣和特殊美感的苏州工艺产品风行天下。苏式工艺虽然影响深远,但是归根结底它还是一种地域文化,地理人文风貌对它的影响始终不容忽略。明代中后期,江浙等地的商品贸易水平进一步提高,在现实利益的竞争与倾轧中,由思想碰撞带来的冲突接连不断,反映到艺术上,就形成了艺术家与艺术相互借鉴、参考、吸收的关系模式。在景物繁华的苏州,在各路艺术家和文人的艺术交流和书画答酬中,地方文艺的进一步发展也成为时代的必然。明朝中晚期,苏州画派成为绘画界的先锋力量,吴门画派声势浩大,画家投入商业运营的现象极其普遍,不但王公贵族、豪强地主争相罗织名家书画以附庸风雅,书画装潢在民间也迅速普及,艺术市场日趋繁荣、成熟。

为了迎合社会需要,许多名人与匠师结合设计,赋予工艺品更高的文化艺术价值。而分类齐全的匠师群体,也利用整体号召力,组合成辐射全国的艺术创造群。如以木工领衔,集雕刻、泥瓦、漆工等建筑工种为一体的苏州香木帮为了维护帮会名声,成员在做工时对艺术水准的要求就很高,这无疑会对工艺水平产生积极影响。如果说苏州本地工匠与外地匠人的合作推动了苏式工艺发展的话,那么官府作坊则和各类私营作坊则在工艺美术的成熟过程中发挥了举足轻重的作用。苏式工艺美术是地区先进工艺美术的代表,也是地区文化成熟的表现。苏式工艺起源于位居江南经济和文化重镇苏州,它随着苏州地域与外界商品和信息交流而流传开来,如朝廷对苏式工艺品的征用和文人雅士参与宣传,无疑会引导人们在这两个最大的“精神生产”群体的指引下,做出思想和选择上的改变。苏绣的内销和外销更是直接将苏式工艺美术传播出去,苏式工艺美术开始进入世界艺术的行列。

工艺美术史论文篇十

工艺美术史大家了解多少,我们需要写这样方面的论文是怎么样写的?欢迎各位阅读下面吧!

摘要:距离我们现在五千年的文明,上起新石器时代,下至清末,80中国陶瓷史,讲述世界艺术史上一段土与火的神话。陶瓷是随着史前人类进入新石器时代而出现的。制陶的发明与人类开始定居生活以及与火的使用有着密切的关系。陶瓷器从纯粹的生活用品演变成陶瓷艺术让我们看到了历史的进步和发展。

关键词:陶瓷;陶瓷史;工艺美术。

陶瓷,在我们现实生活中,是一种最为大众熟悉的日常用器。因此,很少有人在意“陶”和“瓷”的区别。其实,它们之间既存在着严格的区别又有着紧密的联系。在中国陶瓷发展史上,是先有陶后又瓷的,我们所说的“瓷器”实际上是由“陶器”衍变而来得。下面我就自己对陶瓷工艺粗浅的认识,极其简略的介绍一下中国陶瓷工艺美术的发展。

曾经出土了大量的陶器和陶器碎片。其中一些已经不仅仅是生活用品那么简单,而是具有了显明的艺术倾向和审美意识。如当时仰韶文化和马家窑文化遗址出土的彩陶器。随着制陶业的发展,制陶技术从泥条盘筑进步到轮盘拉坯,并且结构简单的横穴窑与竖穴窑逐步取代了落后的平地起烧,从而对窑的温度、气氛的控制较前代更加稳定和成熟。据资料记载,当时最高的烧成温度已经到达了1100℃,已接近“陶”与“瓷”的临界温度。自殷商时代早期,即以出现了以瓷土为胎料的白陶器和烧成温度达到1200℃的印纹硬陶,开始了由“陶”向“瓷”的过渡。

中国最早的陶瓷是青瓷,发现于山西夏县东下冯龙山文化遗址中,距今约4200年。随着中国原始艺术的第一繁荣时期的结束,迎来了新石器时代工艺彩陶的第二繁荣期的来临。

仰韶文化彩陶最早出现在河南省淹仰韶村发现。其中有半坡型彩陶,首先发现西安东郊半坡村,分布地区集中在关中平原。彩陶以黑色与红色为主。装饰图案有人面纹、鱼纹、鹿纹、蛙纹等。而中晚期的鱼纹从静态转为动态,不再注重形态,通过对口,眼腮尾鳍的描绘来表现鱼的动态。半坡型彩陶钟情于几何纹样的造型。说明了我们祖先的抽象造型能力。庙底沟型彩陶首先发现于河南陕县庙底沟。主要分布在陕西中地区。庙底沟型彩陶整体造型的线条极为流畅。装饰图案多采用圆弧线,直线和点。构成雅致流美的神韵。马家窑型彩陶是庙底沟的延续和发展。首次发现于甘薯马家窑。马家窑型彩陶整体风格是豪迈、大气,有着极强的动势。图案中,大量出现平行线,平等圆弧线,同心圆,在漩涡式的滚动中所有出现在圆点,恰恰又产生出静态美。

到了夏、商、西周时期,陶瓷制作工艺大大提高,而且窖场规模也不断扩大。由于商饮酒之风盛行,所以陶质酒器很多如:觚、尊、壶、爵等。到了西周,陶质的酒器明显减少。装饰手法上更注重部位的选择比例的权衡虚实,繁简的搭配在这个时期已经体现出来。这个时期随着三层花,理性色彩的增强以及窃曲纹,波纹,重环纹,瓦纹等的出现更好的体现了夏商西周时期工艺的提高。

秦汉时期是中国社会的重大转折时期,也是一个大融合的时代;秦汉工艺美术是以强盛的大帝国为背景的大一统美术。以儒教思想为背景的礼教美术和以人生享乐为背景的神仙美术。其中,东汉时期创造出了烧制青瓷的成熟技术。当时,浙江上虞一带的工匠已经可以烧制出成熟的青瓷器,胎土细致,瓷胎已烧结,胎釉结合紧密,由于在还原气氛中烧成,因此釉色纯正、透明而富有光泽。汉朝的陶瓷工艺有较高成就的有:釉陶,青瓷,彩绘陶,陶塑等。尤其是,东汉晚期浙江越窑出产的青瓷,被称为是中国陶瓷制造史上的里程碑,它的出现标志着我国陶瓷业的真正成熟。

三国,两晋,南北朝时期,制瓷业有了更大程度的提高,浙江越窑烧造出的青瓷达到了很高的水平。于此同时,江苏宜兴,浙江温州、金华以及川、鄂、湘、赣等地的青瓷烧造,也都各具特色。两晋时期金华刂菀ぴ诖种蚀商ド鲜紫仁褂昧嘶妆土。东晋浙江德清窑出产的黑釉瓷器光亮如漆。当时,在南方青瓷器中甚至还出现了褐色点彩以及釉下彩绘的新工艺。北朝后期,在北方首次出现了白釉瓷器。这一阶段除了龙窑的改进,北方地区还出现了许多馒头窑烧制的瓷器,诞生了很多新型的窑具,例如高大粗壮的各式垫具、坯件叠烧时用的各种间隔具,还有精微的泥点托珠、盂形垫具等等。总之,这一时期青瓷制造业的发展到达了一个新的历史高度,也为“南青北白”局面的形成奠定了基础。

隋唐、五代时期是中国工艺史上的又一个高峰时期。形成了中国陶瓷史上“南青北白”的局面,既南方以生产青瓷为主,北方以生产白瓷为主。其中,青瓷以越窑出产的为优,白瓷以邢窑出产的最佳。这一时期,“匣钵”作为重要窑具的普及和发展,使得瓷器制作工艺与外观造型设计发生了很大的变化,胎壁由厚变薄,底足也由平底、饼形足变为玉璧形底、圈足,釉面由于不受窑内的烟熏污染,从而保持了色泽纯净,器物造型也趋向轻巧精美。

两宋时期,由于城市化的出现和市民阶级的逐渐壮大,使得市民生活的需求和商品经济的发展,呈现出前所未有的繁荣景象。因此,宋代的工艺美术也呈现出欣欣向荣朝气蓬勃的新气象。这一时期主要介绍的是宋代的五大名窑:汝、官、哥、均、定。

1.汝窑,宋五大名窑之一,窑址今河南宝丰清凉寺内。由于,临汝在宋代隶属汝州,因此得名汝窑。汝窑以烧造“天青色”青釉瓷器为主,天青色在色彩上介于绿色和蓝色之间,既有蓝色之冷又有绿色之温。汝窑瓷器的朴素、高雅也是当时的统治阶级沉淀于安逸享受的现实反应。体现了平淡、籍之美。汝窑由于烧造时间极短,仅从北宋哲宗到徽宗的二十年间,因此存世量极为稀少,尤为珍贵。

2.官窑,宋五大名窑之一,胎有灰、黑和米黄数种,纹片大、小均有,釉色有粉青、米黄、深米黄等。北宋官窑窑址未明,南宋修内司官窑及郊坛下官窑窑址在杭州凤凰和乌龟山。

3.哥窑,宋五大名窑之一,以纹片著称。明代《格古要论》中有这样的描述:“哥窑纹取冰裂、鳝血为上,梅花片墨纹次之。细碎纹,纹之下也。”哥窑釉色主要有粉青,灰青,米黄之分,以灰青为主,釉面布满龟裂的裂片,有开片。弊病成为了一种纹理,好像冰裂变化万千形成自然雅致的天趣。

4.钧窑,宋五大名窑之一,窑址位于河南禹县,古属钧州,故名钧窑。钧窑的釉色主要有天青、月白、灰蓝、海棠红、玫瑰紫等色,而其独特之处在于使用窑变色釉,使得烧出的瓷器釉色红里透紫、紫里藏青、青中寓白、白里泛青,可谓纷彩争艳,瑰丽多姿可谓极富装饰意味。

5.定窑,是五大名窑之中唯一烧造白瓷的。窑址今河北曲阳。宋时属定州,故名定窑。元朝刘祁的《归潜志》说,“定州花瓷瓯,颜色天下白”。可见,定窑瓷器在当时不仅深受人们的喜爱,而且产量也较大。定窑釉层薄而滑腻滋润。釉色白中微微泛黄,好似古代妇女薄施粉黛。给人以安静、柔润,恬美的美感。定窑和其他四大名窑相比,其独特之处还在与它丰富多彩的装饰纹样。定窑瓷器器身纹样的装饰手法主要可分为划花、刻花以及印花,常用的题材有莲瓣、牡丹、缠枝花卉、禽鸟、云龙、麒麟、狮子等等。装饰图案生动自然,清新典雅纹饰简介而富于变化。

总体来说,两宋时期陶瓷制造业的发展有两大特征,一是南北瓷都在发展;二是官窑,民窑都在发展而元瓷的发展则集中在江西景德镇的发展上。其主要工艺是青花,釉里红,中国书画艺术与中国陶瓷工艺得以充分完美的结合。这是景德镇瓷工艺的重大贡献。而且元代还烧制高温卵白釉、红釉、蓝釉。

元代是整个古代陶瓷发展史上的一个重要时期,它起着承前启后的重要作用。此时,源自宋代的钧窑、磁州窑、景德镇窑、龙泉窑(弟窑)、德化窑等名窑相继发展。其中,景德镇窑开始使用瓷石加高岭土的“二元配方法”,使得二氧化铝的含量得到很大程度的提高,烧成温度由此也得以提高,烧出了颇具气势的大型器物。元代还烧制成功了卵白色的“枢府”釉。景德镇在白瓷高度发达的基础上,研制成功了二次烧成的高温釉下彩技术,使得青花和釉里红瓷器成为中国陶瓷制造史上的又一个高峰。

到了明朝,中国制瓷业已形成景德镇瓷器一方独大、独领风骚的局面。主要瓷器品种为:青花、釉里红、五彩、珐琅彩、粉彩以及各种单色釉。器物种类空前丰富,装饰手法与题材也到达了空前的繁盛。其突出代表要数五彩冰梅蝶纹瓷瓶了。圈足与瓶颈装饰带采用红绿相间的民间抽象、写意的表现手法,与肩、腹、腰部的冰梅蝶的主体纹饰形成强烈的对比,色调雅致而明洁。这里值得一提的还有晚清时期的紫砂工艺,尤其是浙江宜兴地区的紫砂壶。宜兴紫砂壶制作的一个突出特点,就是有文人雅士的积极参与加入,这种文人直接参与工艺美术品制作的盛况,在历朝历代都是没有的。因此紫砂壶的制作与书画的关系也就显得更为密切了,这也是了紫砂壶制作更加文人化的历史根源。

综上所述,陶瓷艺术不但是中华民族的一项伟大发明,同时也是世界文化宝库中一朵璀璨的奇葩。“管中窥豹,可见一斑”从我国陶瓷工艺发展史中,我们既可以窥见出中国传统文化的剪影,也可领略到每个历史时期的美学思想和审美感受的差异。

工艺美术史论文篇十一

随着时代的发展和社会的进步,社会的不断变化,审美观念的不断革新,改革开放都使传统工艺美术处在不断变化不断革新的漩涡中,东西方文化的碰撞,时代的变迁,经济的发展,审美的转变,这一切的一切都使传统工艺美术的生产销售出现了前所未有的变革,而这些变革又直接影响着传统工艺美术的传承。仅从传承的角度来说,影响传承的因素主要有以下几条第一,社会变革所带来的生产方式的变化旧有生产条件的缺失,工业发展所带来的工艺品流水化生产,传统手工艺失去了部分市场,传承也失去了存在的必要。第二,工艺美术研究所怎样迎接市场进行革新。工业美术研究所原来是进行工艺美术的艺术和技术科学研究及理论研究的事业型单位,是为各地工艺美术研究所完成研究课题、推广研究成果,挖掘和恢复传统工艺产品,总结艺人经验,整理有关历史材料,创造设计高级产品的。而现阶段由于社会变革,工艺美术研究所必须接受时代的变迁,给这些研究所带来了前所未有的巨大挑战,有的研究所几乎没有科研项目,有的研究所并没有在研究方面有着大的改观和进步,而是在向盈利的企业发展,在国家一次次整改无望后,国家屡次减少拨款有的研究所甚至面临着自负盈亏的`窘状,因而大多数研究所开始开创新路,积极转型,适应市场,由此导致的对手工艺传承和研究的日渐减少,进一步加剧了手工业传承的困境。而有的研究所,虽然在研究方面成果显著,但是却因为经营不善终至倒闭。传统工艺美术研究所到底还何去何从,在实现经济转型后,传统工艺的传承和研究已经成为了一个函待解决的问题。第三,随着时代的发展和社会的进步,我国不断进行革新,人民生活水平的不断提高,人们对世界认识的越来越全面,导致了人们的审美方向正在形成一种新的方向,传统工艺美术作品难以跟上这种变化,致使不少优秀的传统工艺美术作品开始衰败,间接导致了传统工艺文化整个地位的下降,人们见异思迁,喜新厌旧几乎是不可避免的大势所趋,这对传统工艺美术的传承和发展有了致命的一击,没有市场就没有生路,是传统工艺美术传承的最大绊脚石。第四,传统手工艺人没有社会地位和经济支撑,无人愿学无人愿继承。由于历史偏见,很多手工匠人长期被人们所歧视,手工艺人的收入微薄,社会地位低下,导致了无人愿意传承此类技术。青年人愿意去城里打工,都不愿意留下来好好学一学老祖宗留下来的东西,只因为手工艺人没有社会地位没有固定的经济收入。在这一方面,国家的政策还不够完善。

二、大陆地区传统工艺美术的传承创新之路。

传统工艺美术如果想要走下去,必须进行创新,主要有以下几个反面需要改进:四一,获取政府支持。政府应出台相应的政策,使手工艺人能够得到尊重并且过上衣食富足的好日子;对传承实施规划,运用政府的监督管理职能对传统工艺的发展做一个详细的规划。第二,建立完善的传统工艺美术生产销售机制,开拓传统工艺市场,打开僵局。第三,整理资料,对传统工艺技巧进行整理,以防止失传。第四,阔拓国际市场,促进传统工艺革新。

三、结语。

综上所述,传统工艺美术是东方艺术的独特徽章,是中华灿烂文化的瑰宝,是中华民族的智慧的结晶,是中华民族独特文化的彰显,我们要坚持走创新之路,执着坚持的将传统工艺美术弘扬开来。

工艺美术史论文篇十二

摘要:陕西官方工艺是文明开展的重要内容,疏忽民俗文明的存在,就不能够有教育的开展。民俗文明作爲以后幼儿园在艺术教育中的一大元素,无论从扮演艺术,社会习俗,礼仪,节庆,还是传统手工艺技艺,都爲幼儿艺术教育的开展发明了一定的价值,但遭到古代信息文明的影响,幼儿园的艺术教育往往疏忽了官方文明资源,本文将从陕西官方文明资源动身,结合幼儿艺术教育,谈谈如何将两者无效结合起来。

关键词:陕西官方艺术;幼儿艺术教育;使用。

官方工艺美术是指来源于官方,并且与老百姓生活联络最爲亲密的一种艺术方式表现,爲一些日常生活用品的丑化装饰,如剪纸、编制、布贴、扎染印染、书画等。而陕西官方艺术即指出自于陕西官方,并在陕西地域内普遍传播的艺术。陕西官方美术的概念界定,包括安塞剪纸、绥德炕头石狮娃、宜川根雕、黄龙根雕、志丹刺绣、宜君农民画、合阳面花、提线木偶、关中布贴绣、周至刺绣、凤翔泥塑、户县农民画、大荔庙画、汉中年画、城固刺绣、安康编织等,它们无一不表现着陕西共同的地域文明与民俗风情,反映着陕西民众的信仰观念和价值体系。假使将陕西外乡的艺术融入幼儿艺术教育理念中,既能丰厚幼儿的视野与学问,又弘扬了民族文明。这样,在幼儿接触官方艺术时,能更清楚、更身临其地步感遭到身边的美、了解美,并进一步发明美。本课题针对建构陕西官方艺术在幼儿园美术教育活动中的使用体系提出本人的想法。就陕西省西安市各大幼儿园里的美术教育活动来看,能真正感遭到陕西官方艺术传承的少之又少,而教员的年老化也招致了教员更多会选择新颖、盛行的文明元素,轻视传统文明的浸透,同时,幼儿园所制定的教学方案也短少对陕西官方艺术元素的关注。官方美术资源在幼儿园美术教育的浸透大局部次要都是从微观的官方艺术视角着手来剖析官方艺术对幼儿美术教育的影响,而细化到陕西官方工艺的相关研讨文献还非常匮乏。结合陕西省地缘教育特征而更好地展现幼儿园的美术教育,我以为注重营建浓重的陕西官方工艺美术文明气氛,从不同的角度向幼儿展示陕西官方艺术文明是极爲重要的,这样不只可以爲幼儿的自主表现展现一片天地,同时又能激起幼儿自主表现的愿望。

一、陕西官方美术对幼儿价值观的影响。

首先,陕西官方工艺美术的推行有利于幼儿良好心情情感的构成。马斯洛层次需求实际指出,人在满足了根本的生理与平安需求之后,就有了社会需求,这种社会需求,包括国度的归属感、地域的骄傲感,可以爱国、爱家乡,而陕西官方艺术可以很好地爲这种需求提供情感支撑。进而,幼儿在与同伴的相处交往进程中,取得尊重的需求,构成自信、悲观、博爱等良好的心情情感。其次,陕西官方艺术有利于幼儿认知才能的开展。陕西官方工艺美术所包括的美术方式以其外形、或以其颜色安慰着儿童的视觉,以其共同的造型艺术安慰着幼儿入手操作,再辅以音乐、习俗等铺垫,给儿童以美的享用。这一系列感官安慰,惹起幼儿一切感官的共同参与,这不只有利于幼儿协调才能的开展,同时也促进幼儿的察看才能、联想才能以及表达才能的开展。这一阶段的幼儿还处于具象思想主导、笼统思想萌芽的时期,陕西官方工艺美术方式以其共同的方式出现到幼儿面前,不时空虚幼儿的思想资料,安慰幼儿的笼统思想不时开展。

二、陕西官方美术对幼儿美术内容的浸透。

陕西官方艺术次要是从幼儿园美术教育活动中的陕西官方美术方面而论,并结合其他官方艺术表现方式共同出现。在陕西官方艺术中可应用的如剪纸、皮影、八大怪、布贴绣、豆贴画、秦腔面具等元素,浸透在幼儿园惯例美术教学活动中,例如,笔者调查西安市某所幼儿园就以秦腔脸谱装饰爲主的活动,可以讨论如何用纸简制脸谱面具的办法,尝试用多种材料对脸谱面具停止装饰活动。并晓得脸谱中包含的民族文明,有身爲陕西人的骄傲感。又比方理解剪纸是陕北传统的官方艺术,让幼儿初步理解官方剪纸,学习去欣赏剪纸,激起对剪纸艺术的兴味。因而陕西官方工艺美术如何巧妙贯串于幼儿园美术教育活动,如何表现陕西官方特征,如何让孩子喜欢陕西官方工艺,就是重点所在。同时,除了教学活动,幼儿园美工活动、环境布置、区角设置、欣赏活动等,也是陕西官方艺术使用的表现方式。基于此,才干真正地将陕西官方工艺美术浸透幼儿园美术教育活动中去。

三、陕西官方美术对幼儿艺术影响的意义。

爲更好的探寻陕西官方美术工艺资源与幼儿美术教育交融的可行性,笔者详细研讨了以后教学形式下的幼儿园美术教育。剖析出了适用于以后有儿美术教育与官方公益美术相结合的方式,爲幼儿美术教育的开展及教学形式、教学内容的变革提供了根底并积聚无效经历,以期让孩子从小开端尊重传统民族工艺,让更多的官方工艺得以传承并不时创新。经过笔者对西安市一些幼儿园的走访发现,参加陕西官方中央特征元素的美术内容,可以使得幼儿经过对本人周边熟习的生活环境感知,添加其对美术这一技艺的深化了解,提升幼儿对美术作品欣赏与创作的才能,同时可以培育幼儿酷爱家乡的山水与环境,添加其对家乡传统艺术的感知才能。参加陕西官方中央特征元素的美术内容从幼儿教学中得以施行,这项课题研讨可以进一步促进幼儿发明力的开发。这样的教学训练项目活动关于将官方传统工艺浸透到幼儿美术教学中有着深远的意义。综上所述,陕西的传统民族工艺可以无效的扩展孩子们在美术方面的学习空间,无效添加孩子的取材角度及发明性思想的空间。让孩子大胆的发扬想象力用画笔记载下孩子脑海中的世界,爲幼儿美术教育的变革奠定基石。

参考文献:

[1]赵玉兰,张赤华,李芹.官方艺术教育与幼儿开展关系的研讨[j].学前教育研讨,2010(8).

[2]葛晓英.让外乡民族文明走进幼儿园[j].学前教育研讨,2010(8).

[3]王晓芬,钱慧.幼儿官方艺术教育探析[j].教育导刊,2010(8).

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工艺美术史论文篇十三

摘要:中国是最早发明陶瓷的国度之一,其陶瓷工艺在世界范围享有盛名。中国瓷器的“出色”突出表现在陶瓷装饰工艺的高超,中国的工艺美术史可谓是陶瓷工艺美术史。几千年来积累的丰富的陶瓷烧制工艺和装饰,更多美术论文范文尽在top期刊论文网。

陶瓷,在我们现实生活中,是一种最为大众熟悉的日常用器。因此,很少有人在意“陶”和“瓷”的区别。其实,它们之间既存在着严格的区别又有着紧密的联系。在中国陶瓷发展史上,是先有陶后又瓷的,我们所说的“瓷器”实际上是由“陶器”衍变而来得。下面我就自己对陶瓷工艺粗浅的认识,极其简略的介绍一下中国陶瓷工艺美术的发展。

中国古代的制陶技术有着辉煌而独特的成就,在黄河流域和长江流域众多的新时期时代遗址中,曾经出土了大量的陶器和陶器碎片。其中一些已经不仅仅是生活用品那么简单,而是具有了显明的艺术倾向和审美意识。如当时仰韶文化和马家窑文化遗址出土的彩陶器。随着制陶业的发展,制陶技术从泥条盘筑进步到轮盘拉坯,并且结构简单的横穴窑与竖穴窑逐步取代了落后的平地起烧,从而对窑的温度、气氛的控制较前代更加稳定和成熟。据资料记载,当时最高的烧成温度已经到达了1100℃,已接近“陶”与“瓷”的临界温度。自殷商时代早期,即以出现了以瓷土为胎料的白陶器和烧成温度达到1200℃的印纹硬陶,开始了由“陶”向“瓷”的过渡。

中国最早的陶瓷是青瓷,发现于山西夏县东下冯龙山文化遗址中,距今约4200年。随着中国原始艺术的第一繁荣时期的结束,迎来了新石器时代工艺彩陶的第二繁荣期的来临。

仰韶文化彩陶最早出现在河南省淹仰韶村发现。其中有半坡型彩陶,首先发现西安东郊半坡村,分布地区集中在关中平原。彩陶以黑色与红色为主。装饰图案有人面纹、鱼纹、鹿纹、蛙纹等。而中晚期的鱼纹从静态转为动态,不再注重形态,通过对口,眼腮尾鳍的描绘来表现鱼的动态。半坡型彩陶钟情于几何纹样的造型。说明了我们祖先的抽象造型能力。庙底沟型彩陶首先发现于河南陕县庙底沟。主要分布在陕西中地区。庙底沟型彩陶整体造型的线条极为流畅。装饰图案多采用圆弧线,直线和点。构成雅致流美的神韵。马家窑型彩陶是庙底沟的延续和发展。首次发现于甘薯马家窑。马家窑型彩陶整体风格是豪迈、大气,有着极强的动势。图案中,大量出现平行线,平等圆弧线,同心圆,在漩涡式的滚动中所有出现在圆点,恰恰又产生出静态美。

到了夏、商、西周时期,陶瓷制作工艺大大提高,而且窖场规模也不断扩大。由于商饮酒之风盛行,所以陶质酒器很多如:觚、尊、壶、爵等。到了西周,陶质的酒器明显减少。装饰手法上更注重部位的选择比例的权衡虚实,繁简的搭配在这个时期已经体现出来。这个时期随着三层花,理性色彩的增强以及窃曲纹,波纹,重环纹,瓦纹等的出现更好的体现了夏商西周时期工艺的提高。

秦汉时期是中国社会的重大转折时期,也是一个大融合的时代;秦汉工艺美术是以强盛的大帝国为背景的大一统美术。以儒教思想为背景的礼教美术和以人生享乐为背景的神仙美术。其中,东汉时期创造出了烧制青瓷的成熟技术。当时,浙江上虞一带的工匠已经可以烧制出成熟的青瓷器,胎土细致,瓷胎已烧结,胎釉结合紧密,由于在还原气氛中烧成,因此釉色纯正、透明而富有光泽。汉朝的陶瓷工艺有较高成就的有:釉陶,青瓷,彩绘陶,陶塑等。尤其是,东汉晚期浙江越窑出产的青瓷,被称为是中国陶瓷制造史上的里程碑,它的出现标志着我国陶瓷业的真正成熟。

三国,两晋,南北朝时期,制瓷业有了更大程度的提高,浙江越窑烧造出的青瓷达到了很高的水平。于此同时,江苏宜兴,浙江温州、金华以及川、鄂、湘、赣等地的青瓷烧造,也都各具特色。两晋时期金华刂菀ぴ诖种蚀商ド鲜紫仁褂昧嘶妆土。东晋浙江德清窑出产的黑釉瓷器光亮如漆。当时,在南方青瓷器中甚至还出现了褐色点彩以及釉下彩绘的新工艺。北朝后期,在北方首次出现了白釉瓷器。这一阶段除了龙窑的改进,北方地区还出现了许多馒头窑烧制的瓷器,诞生了很多新型的窑具,例如高大粗壮的各式垫具、坯件叠烧时用的各种间隔具,还有精微的泥点托珠、盂形垫具等等。总之,这一时期青瓷制造业的发展到达了一个新的历史高度,也为“南青北白”局面的形成奠定了基础。

隋唐、五代时期是中国工艺史上的又一个高峰时期。形成了中国陶瓷史上“南青北白”的局面,既南方以生产青瓷为主,北方以生产白瓷为主。其中,青瓷以越窑出产的为优,白瓷以邢窑出产的最佳。这一时期,“匣钵”作为重要窑具的普及和发展,使得瓷器制作工艺与外观造型设计发生了很大的变化,胎壁由厚变薄,底足也由平底、饼形足变为玉璧形底、圈足,釉面由于不受窑内的烟熏污染,从而保持了色泽纯净,器物造型也趋向轻巧精美。

两宋时期,由于城市化的出现和市民阶级的逐渐壮大,使得市民生活的需求和商品经济的发展,呈现出前所未有的繁荣景象。因此,宋代的工艺美术也呈现出欣欣向荣朝气蓬勃的新气象。这一时期主要介绍的是宋代的五大名窑:汝、官、哥、均、定。

1、汝窑,宋五大名窑之一,窑址今河南宝丰清凉寺内。由于,临汝在宋代隶属汝州,因此得名汝窑。汝窑以烧造“天青色”青釉瓷器为主,天青色在色彩上介于绿色和蓝色之间,既有蓝色之冷又有绿色之温。汝窑瓷器的朴素、高雅也是当时的统治阶级沉淀于安逸享受的现实反应。体现了平淡、籍之美。汝窑由于烧造时间极短,仅从北宋哲宗到徽宗的二十年间,因此存世量极为稀少,尤为珍贵。

2、官窑,宋五大名窑之一,胎有灰、黑和米黄数种,纹片大、小均有,釉色有粉青、米黄、深米黄等。北宋官窑窑址未明,南宋修内司官窑及郊坛下官窑窑址在杭州凤凰和乌龟山。

3、哥窑,宋五大名窑之一,以纹片著称。明代《格古要论》中有这样的描述:“哥窑纹取冰裂、鳝血为上,梅花片墨纹次之。细碎纹,纹之下也。”哥窑釉色主要有粉青,灰青,米黄之分,以灰青为主,釉面布满龟裂的裂片,有开片。弊病成为了一种纹理,好像冰裂变化万千形成自然雅致的天趣。

4、钧窑,宋五大名窑之一,窑址位于河南禹县,古属钧州,故名钧窑。钧窑的釉色主要有天青、月白、灰蓝、海棠红、玫瑰紫等色,而其独特之处在于使用窑变色釉,使得烧出的瓷器釉色红里透紫、紫里藏青、青中寓白、白里泛青,可谓纷彩争艳,瑰丽多姿可谓极富装饰意味。

5、定窑,是五大名窑之中唯一烧造白瓷的。窑址今河北曲阳。宋时属定州,故名定窑。元朝刘祁的《归潜志》说,“定州花瓷瓯,颜色天下白”。可见,定窑瓷器在当时不仅深受人们的喜爱,而且产量也较大。定窑釉层薄而滑腻滋润。釉色白中微微泛黄,好似古代妇女薄施粉黛。给人以安静、柔润,恬美的美感。定窑和其他四大名窑相比,其独特之处还在与它丰富多彩的装饰纹样。定窑瓷器器身纹样的装饰手法主要可分为划花、刻花以及印花,常用的题材有莲瓣、牡丹、缠枝花卉、禽鸟、云龙、麒麟、狮子等等。装饰图案生动自然,清新典雅纹饰简介而富于变化。

总体来说,两宋时期陶瓷制造业的发展有两大特征,一是南北瓷都在发展;二是官窑,民窑都在发展而元瓷的发展则集中在江西景德镇的发展上。其主要工艺是青花,釉里红,中国书画艺术与中国陶瓷工艺得以充分完美的结合。这是景德镇瓷工艺的重大贡献。而且元代还烧制高温卵白釉、红釉、蓝釉。

元代是整个古代陶瓷发展史上的一个重要时期,它起着承前启后的重要作用。此时,源自宋代的钧窑、磁州窑、景德镇窑、龙泉窑(弟窑)、德化窑等名窑相继发展。其中,景德镇窑开始使用瓷石加高岭土的“二元配方法”,使得二氧化铝的含量得到很大程度的提高,烧成温度由此也得以提高,烧出了颇具气势的大型器物。元代还烧制成功了卵白色的“枢府”釉。景德镇在白瓷高度发达的基础上,研制成功了二次烧成的高温釉下彩技术,使得青花和釉里红瓷器成为中国陶瓷制造史上的又一个高峰。

到了明朝,中国制瓷业已形成景德镇瓷器一方独大、独领风骚的局面。主要瓷器品种为:青花、釉里红、五彩、珐琅彩、粉彩以及各种单色釉。器物种类空前丰富,装饰手法与题材也到达了空前的繁盛。其突出代表要数五彩冰梅蝶纹瓷瓶了。圈足与瓶颈装饰带采用红绿相间的民间抽象、写意的表现手法,与肩、腹、腰部的冰梅蝶的主体纹饰形成强烈的对比,色调雅致而明洁。这里值得一提的还有晚清时期的紫砂工艺,尤其是浙江宜兴地区的紫砂壶。宜兴紫砂壶制作的一个突出特点,就是有文人雅士的积极参与加入,这种文人直接参与工艺美术品制作的盛况,在历朝历代都是没有的。因此紫砂壶的制作与书画的关系也就显得更为密切了,这也是了紫砂壶制作更加文人化的历史根源。

综上所述,陶瓷艺术不但是中华民族的一项伟大发明,同时也是世界文化宝库中一朵璀璨的奇葩。“管中窥豹,可见一斑”从我国陶瓷工艺发展史中,我们既可以窥见出中国传统文化的剪影,也可领略到每个历史时期的美学思想和审美感受的差异。

工艺美术史论文篇十四

通过系统的学习,吴老师向我们详细地说明了工艺美术是一个广义的概念,它包括人们的衣食住行等生活各个方面的美术加工,也就是对人们的生活用品和生活环境的美化。从工艺美术的用途分,有生活日用品和装饰欣赏品;从工艺美术的制作分,有手工制品,机器产品和电脑产品;从工艺美术的性质分,有传统工艺,民间工艺和现代工艺。通常是以材料来分类的,如染织工艺,陶瓷工艺,金属工艺,漆器工艺,木工艺,玻璃工艺,塑料工艺等。就工艺的创造过程来说,它包括设计和制作两个阶段。所以,工艺美术及不只是手工制作或传统制品。,也不只是设计的范畴。工艺美术是生活和美学的结合,它通过没的工艺美术形象(包括造型,色彩,装饰)对各种生活用品和生活环境做美术加工;工艺美术是艺术和科学的产儿。工艺美术不只是美的设计,最终是制成物质成品。因此,工艺美术作为一个艺术实体,他具有物质的和精神的双重属性,它是一种物质产品,又是一种精神产品。随着历史的延伸工艺美术大体分为欣赏性工艺美术和实用性工艺美术两类。前者已朝边缘性质转化,而后者却随着现实中使用的限制,在人们的日常生活中按照人们的情感的逻辑而潜移默化地发挥它应有的审美作用。为此,在广泛的现实生活中实用与审美相统一的特征必然成为工艺美术最本质的审美特征。i随着社会的发展,人们对现代科技文化所引起的环境的破坏的反思,使得如今的设计趋于绿色设计的方向。作为工业设计专业的我,深知工业设计在为人类创造了现代生活方式,特别是工业设计的过度商业化,加速了资源,能源的消耗,并已经对地球的生态平衡造成了巨大的破坏,地球逐渐变暖就是一个实例。也正因此,尽量减少物质和能源的消耗,减少有害物质的排放,使产品的零部件能够方便地分类回收并再生循环利用或重新利用,成了绿色设计的主要原则。所以,现代设计要减少不可再生资源的消耗,减少高能耗材料(如锌,黄磷电石等)的用量,多用可循环的再生资源或是一些速生植物作为原料,如竹子等。

工艺美术作为现实生活中的实物,应需要而存在,应存在而被改变。设计不是无源之水,其本质是选择一种适当的方式,用以满足源自生活中产生的人类各种需求的计划、行动和结果,任何人为事物,例如建筑、道路、桥、轮子、计时1器等等,它们的起源和演进最终都是因主观的或客观的限制与调整、突破,进而归结到一种适当的形式而存在。ii正如生产力决定生产方式,传统工艺美术的发展也受着文化,经济等因素的限制。现今良好的社会环境,经济环境,文化环境,让我们可以很好的将其很好的发展下去,所以,如今的我们除了要很好的保护历史文化遗产,还要很好的与当代设计相结合,将传统的工艺美术资源以另一种方式传承下去。在传承传统工艺的基础上,对产品的加以开发,增加新的品种,新的创意,提高产品的质量,是现代设计的发展的关键。

中国地大物博,历史悠久,上下五千年文明的发展,无论是宫廷画师还是民间艺人,还是人文宗教画,经过无数画师、艺人、巧工名匠的历经多年的创作专研,积累了大量种类繁多的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜,从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石,从唐宋的绘画到明清的瓷器,以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等,有的体现了恢弘灵巧,有的简约,有的精致,有的工整,有的奔放,有的质朴,有的奢华。无论是讲究意境的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案;无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画,这一切都在无形中为当代设计提供了丰富的传统工艺美术资源。

当代设计可以将传统视为基础,在这个基础上进行创新。当代设计可以吸收传统的线造型,使一件工艺品有一种灵动的美。如交椅,以纤巧的线条为主要结构,造型简练,线条流畅,稳重不失轻巧。又如明式家具中的圈椅,以线为主,直中有曲,曲中有直,背板呈”s”形,与人的脊背弯曲度相符合,符合人体工程学;可以吸收传统工艺的意蕴感,将一件工艺不仅赋予现代感,又有意匠美。如宋瓷,由于宋代崇尚理学,所以是一个理性的时代,其反映在工艺美术的风格就是具有内蕴,恬淡,雅洁的特点,富于理性的美;可以吸收传统工艺那种重视材料自然美感的意识。《考工记》中“审曲面势”是指造物要顺应材料的特点,要认识材料的特征品性,从而适当选材用材。漆器,是我国传统工艺品,漆器专著《髹饰录》以生活本身为出发点,一书提出了“巧法造化,质则人身,文象阴阳”的工艺美学法则。iii可以说强调着人与自然的和谐相处,有着浓厚的生命象征意味,讲究因材施艺,因势利导,适可而止的工艺美学法则。如今,当代设计的发展趋势,除了绿色设计是其发展的趋势之一,设计的多2元化也是其发展的趋势之一。较早也较为系统的发展的国外工业设计,以其科技等一定的优势主导着设计行业,许多富有外国先进元素的产品冲击着中国的民族性的设计,作为新一代的我们,要将富有民族特色的中国元素有机的融合到所设计的产品中,不能照搬别人的模式,不能在文化的碰撞中丢失自我,丢失传统的精华,所以,传统工艺美术也要进行多元化发展,要与时俱进,希望在与现代科学技术,现代文明,现代工业设计相结合后,传统的工艺美术以新的多样的形式存在着,带着特有的时代特色,为人们的生活服务,并影响着人们的生活,也可以向世界展示一个悠久历史的中国,别具一格的中国设计风格。

对于历史,我们要辩证的对待,取其精华,去其糟粕;对于传统的工艺美术资源,我们也应当以这样的态度去对待,将其中落后腐朽的舍弃,将其精华与现代设计相结合,与生活结合,以生活本身为出发点,回归生活,以另一种形式,一种富有时代特色的形式,将优秀的工艺美术资源传承发扬下去。

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工艺美术史论文篇十五

商代(公元前1600年-公元前1046年)是中国历史上一个重要的时期,这个时期的文化和文明程度都十分高超,商代的工艺美术表现了那个时代的审美诉求和文化精神。本文将从商代工艺美术的起源、特征、表现形式、技法以及意义等五个方面谈谈我的看法和感受。

一、起源。

商代工艺美术起源于商代人的生活需求和文化需求。随着商代国家的不断发展壮大,人们对于生活用品和文化表现的需求也逐渐增加,为了满足这些需求,商代人开始制造更加高级和精美的工艺品。商代工艺美术的产生和发展,反映了社会进步和文化繁荣的程度。

二、特征。

商代工艺美术的特征有两个,一为注重实用性,二为重视装饰性。这两个特征的内在联系是实用和美的融合,商代工艺美术既实用又具有审美价值。商代人把美妙的形式与实用的功能融合在一起,取得了卓越的成就。在商代工艺美术中,陶器、玉器、金属器、石器、木器、纺织品、漆器等工艺品都具有重要的代表性。

三、表现形式。

商代工艺美术的表现形式多种多样,除了以陶器作为主要表现形式外,还包括:玉器、金属器、石器、木器、布器、漆器、羽毛器、竹器等。商代工艺美术的表现形式丰富多样,它们中国古代文化展现出来的独特魅力。

四、技法。

商代工艺美术的制作技法也十分独特,绝对精湛。商代人在制作工艺品时,采用了一系列高超的技法,如粘土法、织绸技法、金银铜器上的装饰技法等。这些技法让工艺品制作更加精巧和精密,为商代艺术和工艺品的尊贵地位奠定了坚实的基础。

五、意义。

商代工艺美术具有重要的意义。首先,商代工艺品的使用和流传,表现了当时社会的经济、文化水平。其次,通过商代工艺品可以了解当时的审美意识和文化特征,反映当时社会的价值取向和文化风尚。最后,商代工艺美术还具有一定的经济价值,因为愈发珍贵和稀有。

总之,商代工艺美术具有其不可取代的重要位置。它是中国工艺美术发展史的重要碑石,表现了当时社会的生活和文化精神。在商代工艺美术的表现中,得以反映中国古代文化的独特魅力,为我们理解中国古代的审美和文化价值提供了一个重要的视角和窗口。

工艺美术史论文篇十六

摘要:高职院校是培养应用型人才的主要阵地,它的职责是大规模地培养职业技术型人才。在对传统工艺美术人才的培养上,高职院校具有得天独厚的优势。因此,对于高职院校而言,在美术类专业中应该注重对传统工艺美术的教授与传承。但是,在当前高职美术类专业的课程设置中存在诸多的问题,普遍没有开设传统工艺美术类课程,传统工艺美术在高职美术类专业中没有得到充分的重视。本文阐述了当前高职院校传统工艺美术在美术类专业中存在的问题,并提出了有效的对策,希望能够提升传统工艺美术在高职美术类专业中的重要作用,以及提升高职美术类专业对于传统文化技艺的传承和发展方面的影响,从而全面地提升高职美术类专业的水平,为我国培养出更多具有传统工艺美术技能的美术及设计人才。

关键词:传统工艺美术;高职院校;美术类专业;问题;对策。

作为以培养应用型人才为主的高职院校,在美术教育专业中应该重视对传统工艺美术的教授,力争为我国培养出更多优秀的传统工艺美术人才。本文就传统工艺美术在高职美术教育专业中的应用对策进行探究。

1传统工艺美术在高职美术教育专业中存在的问题。

1.1高职院校缺乏对传统工艺美术的重视。

随着我国市场经济的发展,东西方文化的交融,现代设计在高职美术类专业中越来越受到重视,如平面设计、环境艺术设计、室内设计等专业每年都有非常多的人报考,其生源数量多且广,而且就业前景广阔。高职院校对现代设计艺术专业也非常重视,因为它投入的成本比较小,但是学费却非常贵,学校能够获得较大的利润,所以学校非常愿意开设现代艺术设计专业。相对而言,传统工艺美术专业不仅生源数量少,投入成本大,学费相对也比较低,高职院校不愿意花费过多的成本在这一学科上。

1.2高职院校传统工艺美术专业招生难。

在高职美术教育专业中,传统工艺美术专业存在诸多问题。例如,专业定位、课程设置、招生就业等都存在问题。第一,生源问题。以重庆文化艺术职业学院为例,该学校在开设了非物质文化遗产保护专业(美术方向),同时为了让学生能够学好这门传统工艺,与知名企业联合,花费大量的人力和物力创建了蜀绣、漆画等实训室,并建立了供学生实践的校外实践基地。但是当年招生的时候,这一专业仅招到14个人,勉为其难开设课程。在,学院为了培养出更多传统工艺美术人才,希望能够从学习艺术设计专业的学生中抽调部分学生,促使其向传统工艺美术专业方向发展。但是可惜的是,几乎没有人愿意放弃艺术设计专业而转向该专业,最终这个想法只能放弃。招生情况仍然不理想,学院只好将该专业转向产品设计专业发展。由此可见,生源数量少是导致传统工艺美术专业难以开展的主要原因之一。

1.3高职院校宣传力度小,与企业合作效果差。

一直以来,受传统理念的影响,高职院校过于看重眼前的利益,在对传统工艺美术这门专业的宣传上花费的精力比较少,与企业合作的效果也不太好,这也是导致学校传统工艺美术专业难以发展的原因之一。

2传统工艺美术在高职美术教育专业中的应用对策。

2.1专业设置需考虑两方面因素。

传统工艺美术专业与现代艺术设计专业相比,所涉及的范围更广,分类更加细致。因此,在对其进行专业设置时必须考虑到两方面的因素,一方面就是要“因地制宜”,从本土化因素出发,根据当地的文化特色,对传统工艺美术进行传承和发展。例如,对于广州的高职院校而言,在开设传统工艺学科时,就可以从广州的文化特色出发,广州有闻名于世的“三雕一彩一绣”,“三雕”指的是牙雕、玉雕和木雕,“一彩”指的是广彩,“一绣”指的是广绣,这些都是广州极其鲜明的文化特色。因此,在设置专业的时候就需要考虑到广州的传统工艺美术特色,这样培养出来的学生才能够更好地服务于当地企业。另一方面,在设置专业时,要尽量避免“广”与“专”的矛盾,具体来说,就是培养出来的传统工艺美术人才既要掌握扎实的基础知识,还要在专业上下苦功夫,要多培养“x”形人才和“t”形人才。“x”形人才从概念上理解起来比较困难,举一个例子来说明,比如古典家具与雕刻这两门工艺有相似点,在进行人才培养时,就可以将其作为同类型的人才进行培养。“t”形人才则是指既有较深的专业知识,又有广博的知识面,是集“深”与“博”于一身的人才。这种人才结构不仅在横向上具备比较广泛的一般性知识修养,而且在纵向的专业知识上具有较强的理解能力,有独到见解和较强的创新能力。也就是说,作为“t”形人才,不仅要能够继承老一辈手艺人的.精湛技能,还要具备良好的艺术修养,能够创造出有灵魂的、符合时代精神的作品。在当代社会,这种“t”形人才更能满足企业的需要,也更容易就业。

2.2明确课程设置,培养优秀的传统工艺美术人才。

在当今市场情况下,“t”型人才最受欢迎,因此我们可以从这一方面展开进行明确的课程设置,在让学生掌握必要的知识的基础上,根据学生的潜能和兴趣帮助学生进行准确的专业定位,制定适合人才发展的人才培养方案。首先,高职院校应该将传统工艺课程与现代设计专业相结合,将传统工艺美术中的色彩、图形等元素应用到现代设计当中来,让现代设计更具文化内涵。同时,在现代艺术设计专业中,可以根据其特点开设相关的传统工艺美术课程,如室内设计专业可以开设古典家具设计课程,产品设计专业可开设手工漆艺饰品课程,美术教育可开设陶艺制作课程,等等。其次,高职院校还应该将传统工艺美术课程设置为选修课,让每一位学习艺术设计专业的学生必须学会一门自己感兴趣的传统工艺美术技能。最后,在高职美术教育专业中可以成立传统工艺美术小组,教师带领学生开展关于传统工艺美术的实践教学活动。除此之外,高职院校应该积极探索校企合作模式,了解市场对于传统工艺美术人才的需求,根据市场需求随时对设置的传统工艺美术课程进行调整,力求培养出能够满足市场需求的人才。

2.3创建传统工艺美术实践基地,提高学生的实践技能。

高等职业院校应该与当地政府以及企业沟通和协作,共同创建传统工艺美术实践基地,为学生的传统工艺美术实践提供场所。例如,可以建立传统工艺大师工作室或者与企业联合创建生产性实践基地、研发中心等。

3结语。

一直以来,高职院校都是我国培养应用型人才的主要阵地,在人才培养方面,它具有一定的职业性、针对性、实践性,这三大特点也决定了高职院校在传统工艺美术人才培养上具有得天独厚的优势。因此,高职院校应该结合本地的传统文化特色,开设具有地方色彩的传统美术工艺课程,将这些课程融入美术类专业课程设置中,加强对传统工艺美术的传承和发展,培养出更多优秀的传统工艺美术人才,适应市场的需要,促进社会的发展。本文基于此,探究了传统工艺美术在当前高职美术类专业中的应用对策。

参考文献:

[1]…袁海明.广东传统工艺美术高职教育现状、问题与对策研究[j].职业教育研究,2014(10):5-7.

工艺美术史论文篇十七

美术是一种高超的艺术,其表达的艺术形式是很有灵魂的存在。下面请大家欣赏工艺美术欣赏。

论文。

范文,希望大家喜欢。

“熟能生巧”出自《镜花缘》第三十回:“唐敖道:‘九公不必谈了。俗话说的熟能生巧。”百度百科的词语解释是:熟练了,就能找到窍门,形容做事非常熟练。

在我们上学的时候大概都读过这样一个故事,讲的是我国北宋时期有个善射箭的人叫陈尧咨,经常因为自己箭射的好而自鸣得意。有一天,他在家中院子里练习射箭,射出的十支箭能命中靶心的有八九支,在旁边观看的人们都拍手称绝。陈尧咨自己也颇为得意。但是在观众中有个老头对他的表现只是略微点头,并不以为然。陈尧咨心中顿感不快便问道:“老头,你会射箭吗?难道你觉得我箭射的不够好吗?”老头回答的异常干脆,道:“我不会射箭,你射得不错,但是并没有什么了不起的,只是手法熟练而已。”陈尧咨很不服气便追问老头有什么本事,竟然这么说。老头便将一个装油的葫芦放在地上,用一个铜钱盖在葫芦口上。接着取出油勺打出一勺油,人站直了将油向葫芦口上的铜钱眼倒去,一整勺油如细丝般穿过铜钱眼倒入了葫芦里,铜钱上却没有沾到一滴油。围观的人也都称奇,老头却对陈尧咨说:“我也没什么了不起的地方,也只不过手法熟练而已。”这个故事出自《欧阳文忠公文集-归田录》中《卖油翁》。这个故事讲的道理有一个成语可以概括,就是“熟能生巧”。那么什么是熟能生巧呢?“熟能生巧”出自《镜花缘》第三十回:“唐敖道:‘九公不必谈了。俗话说的熟能生巧。”百度百科的词语解释是:熟练了,就能找到窍门,形容做事非常熟练。而我更喜欢百度百科中相关补充的另一种解释:任何过硬的本领都是练出来的。只要肯下工夫,勤学苦练,反复实践,就可以做到“熟能生巧”。就是说我们周围的那些大神,顶级的高手都是练出来的。近年来科学家通过大量的调查研究证明了所有的高手都是通过刻苦练习练出来的。那么,我们怎么样练习才能做到熟能生巧呢?答案是重复练习,重复重复再重复。不管是做哪个职业,开车、机械师、唱歌、唱戏等等都是的。

因此有一句老话叫“拳不离手,曲不离口”。重复是使一个技能能够变得熟练的方法。也是能够从“熟”到“生巧”的过程,对于我们从事工艺美术工作的人员来说亦然。文艺复兴时期,意大利著名的画家达.芬奇画鸡蛋的故事也是家喻户晓。讲的是在达.芬奇小的时候就非常喜欢画画,于是他的父亲就把他送到欧洲的艺术中心意大利的佛罗伦萨,拜著名的画家和雕塑家费罗基俄为师。费罗基俄是个非常严厉的老师,从开始学习那天起,他就让达.芬奇画鸡蛋,画各种鸡蛋,横着的,竖着的,正面的,反面的。达.芬奇才画了一天就不耐烦了。但是老师费罗基俄却一直让他画鸡蛋,画了一天又一天。达.芬奇画了好多天,实在厌倦了,觉得老师费罗基俄是在敷衍他,并不想真的教他绘画。于是终于忍不住对老师费罗基俄只让他画鸡蛋提出了疑问。老师费罗基俄耐心的回答说:“要做一个成功伟大的画家,就要有非常扎实的基本功。我让你画鸡蛋就是锻炼在你的基本功啊。你仔细观察一千个鸡蛋中没有两个鸡蛋是完全一样的。同一个鸡蛋,从不同的角度观察,它的形态也都是不一样的。通过反复的画鸡蛋训练,你就能够逐渐提高你的观察能力,就能够发现两个鸡蛋之间的细微差别,同时能锻炼你的手与眼的协调,做到得心应手。想画什么都能很好的画出来。”达芬奇听了老师的话后觉得很有道理,从此,他更加刻苦的训练,认真的天天对着鸡蛋画,努力提高自己的观察能力和绘画技巧。如此反复很长时间以后,老师开始让他画其他的东西。达芬奇用画鸡蛋的刻苦精神继续练习。经过长期的训练,达.芬奇的手仿佛有了感觉,想画什么就能画什么。逐渐的变成了一个知名的大画家。宝剑锋自磨砺出,梅花香自苦寒来!除了上面说到的达.芬奇,还有我国古代著名的书法家王羲之,还有大音乐家贝多芬等等。历史上一个个大神成功的例子都告诉我们“熟”才能“生巧”。近年来我们无论官方还是民间,甚至媒体都在呼唤一种精神,叫做“工匠精神”。何为工匠精神?工匠精神,是指工匠对自己的产品精雕细琢,精益求精、更完美的精神理念。工匠们喜欢不断雕琢自己的产品,不断改善自己的工艺,享受着产品在双手中升华的过程。其实,工匠精神其实就是“熟能生巧”的精神。对于我们从事工艺美术工作的人来说,在古代就是工匠的一部分。怎么从设计到完成一件完美的玉雕、核雕、刺绣作品或者是完成一件家具作品,首饰作品等等。都需要经历从开始构思、确定主题、画草图、逐步细化方案、确定方案、到最后精确表达与制作。而不管是构思画草图,直到修改方案还是最后的精确表达与制作需要的都是在我们在平时的工作中不断的重复练习。直至能够很熟练的掌握流程中各个环节的关键技巧才能最后为制作完美的作品奠定基础。现今,中国是世界工厂。但是全世界都认为中国制造只能制造粗劣的低端产品,不能生产高质量的高端产品。

曾几何时我们的工艺美术品是世界一流的产品。我们的瓷器风靡全世界,连中国的英文单词china都是瓷器的意思。当时的欧洲上流社会为自己拥有中国的工艺品为时尚。而现在好像来自中国的工艺美术用品和其他中国的工业产品一样都是价格低廉、做工粗糙的代名词。国家的产业升级转型需要我们从中国制造变成中国质造。也要求我们工艺美术行业的从业人员也要用精益求精,力求完美的精神去工作。我们有责任在国家产业的战略转型期,每个人都努力做到熟能生巧,人人变成陈尧咨,变成卖油翁,变成达.芬奇。能够为中华民族工艺美术事业的复兴作出自己的一点贡献。

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