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声乐演唱论文篇一
正所谓“亲其师，信其道”，教育专家通过研究后发现，在一个平等、民主、和谐的教学氛围中，无论是教师还是学生，都会处于一个较为积极的状态中。一方面，学生能够从教师身上感受到一种关心、爱护和支持，使他们能够有意识地调整自己的态度和行为，自觉朝着教师的标准和期望而努力。另一方面，学生的态度和情绪也会在第一时间传递给教师，教师能够感受到来自于学生的信任，会主动选择最合适的教学方式和方法，千方百计地把课上好，以此来维护和巩固自己在学生心目中的地位。通过师生之间这种交流和互动，能够从根本上提升教学的有效性，并能够保证整个声乐教学始终沿着一个良性的轨道发展。所以说，和谐师生关系的构建，是提升声乐教学质量的重要渠道。
二、声乐教学中和谐师生关系的构建途径。
（一）教师方面。
教师是整个教学活动的引领者，对教学起着主导性作用。首先，是教师角色的转变。在中国传统文化中，一直都有着师道尊严的观念，这使得当代的很多声乐教师，都对自己的角色定位没有正确的认识。在他们看来，既然学生跟着自己学习，那么自己就有绝对的权威，只需将自己的知识、技能和经验传授给学生即可，而学生对此不能有任何质疑。或许这种教学观适用于一些文化课教学中，却不适用于声乐教学。因为在声乐学习中，由于发声机能的不可见性，使其在很大程度上要依靠学习者的感觉、想象等意识活动。而无论是想象还是感觉等，都是一种个性化行为。如果教师将自我意识强加给学生，会让学生感到十分压抑，从而导致教学的失败。所以说，教师要对自己的角色定位进行重新的明确。在声乐教学中，教师并不是高高在上的教学权威，而是学生学习的引领者和帮助者，要有足够的耐心，包容学生在学习过程中遇到的困难和所犯的错误，并鼓励学生进行自主的探索。真正做到以人为本、因材施教和因势利导。这种角色的转变，乃是和谐师生关系构建的基础。其次，是教学观的重新树立。一方面，教师应该对自己的角色、行为有正确的认识。自古以来，教师就是一个无上光荣的职业，教师的天职就是传道授业解惑。但是在市场经济条件下，很多教师的价值观发生了一定的偏差。比如有的教师在校外担任声乐教师，辅导一些高考生，以获得不菲的收入。然而一个人的时间和精力毕竟是有限的，校外教学活动过多，势必会使校内的正常教学受到不良的影响。另一方面，很多教师也在教学中表现出了一定的功利性倾向，在选择学生时，偏爱那些基础水平较好的学生，有利于自己在短时间内获得更好的教学成绩，而不顾其他教师和学生的感受，没有做到公平和公正。因此，教师应该重新明确自己的价值观，对为什么要进行声乐教学、自己应该在教学过程中发挥怎样的作用，以及以何种姿态面对教学等问题，进行认真的思考。最后，是教师能力和素质的提升。一方面，教师要努力提升自身的专业素质和文化素质。因为声乐教学是一种技能教学，学生能够通过教师的示范或演出认识到教师的专业素质，如果与学生的心理预期相距甚远，则很容易让学生产生一种不信任感。而在文化素质方面，教师应该对和声乐艺术相关的各种学科有充分的了解，并将其体现在教学中。比如在一些中国艺术歌曲的演唱中，自然要涉及对中国古诗词的了解，如果教师具备一定的文学素养，就能够从更加多元化的角度引导学生认识和感受作品，从而获得良好的演唱效果。另一方面，教师应该努力提升自身的教学能力。当代社会中，各种新的教学理念、方法和模式等层出不穷，教师应该对其进行充分的关注，并结合声乐教学的实际特点，将其应用于教学中。以教学方法为例，对话式教学法、小组教学法、任务教学法等新型教学方法，都十分适用于声乐教学，能够营造出一个团结、紧张、活泼的学习氛围，使整个教学呈现出一片全新的面貌，充分激发了学生的学习兴趣和主动性。所以说，教师在和谐师生关系的构建中居于主导地位，要通过角色、观念、行为上的变化，引导学生正确认识声乐教学，相信教师，感受到教师对自己的关心和支持。这正是和谐师生关系构建的重要前提。
（二）学生方面。
首先，尊重和信任声乐教师。当下高校的声乐教师，多数是科班出身，中年教师有着丰富的教学经验，青年教师虽然经验略显不足，但是也有着较高的学历，所以大多能够胜任声乐教学需要。这要求学生要真正尊重和信任自己的声乐教师。一方面，要在课上认真学习和思考，主动与教师交流，并在课下反复练习。如果教师在某一堂课上的状态不好，或者是某一件事情处理得不圆满，学生也应该给予充分的理解。这种理解会让教师对教学更加投入。另一方面，与教师展开良好的配合。声乐学习是一个双向互动的过程，学生应该以主动配合的态度，完成教师布置的教学任务。而不是被动、不情愿地完成。而且学生的这种积极态度会让教师感受到这是学生对自己的一种认可，让教师也收获了一种成功的喜悦。其次，努力遵循教师的思维方式。因为声乐学习具有个性化和抽象化的特征，所以要求师生双方在思维方式上要处于一种相近的状态，也只有在这种状态下，才能心往一处想，劲往一处使。声乐教育家周小燕在回答如何挑选学生的提问时曾说：“我会有一种感觉，觉得这个学生对我的路子，于是我就选择他。”其所说的“对路子”，就是指的'思维方式的一致性。所以在学习过程中，不仅要学习具体的声乐技巧，更要学习教师考虑和处理问题的方式，努力使自己的思维方式和教师相一致，并逐渐形成一种默契，从而建立起融洽的师生关系。最后，主动与教师交流。师生之间积极而坦诚的交流，对于整个声乐教学来说是极为重要的。只有通过交流，才能让教师对自己的真实状况有更加全面和真实的了解，继而做出有针对性的指导。也正是在这种交流中，才能建立起信任和默契。因此学生要正视自己、正视教师，主动与教师交流，共同克服遇到的困难。教师也会因为这样，感受到被学生信任的愉悦，加深师生间的情谊。
综上所述，近年来，伴随着教育理论的发展，关于师生关系的研究是层出不穷的，其对教学质量的影响也得到了更多人的重视。作为高校声乐教学来说，其与一般的文化课教学有着较大的不同，师生之间的接触尤为紧密，更需要以和谐的师生关系为基础，方能从本质上推动教学的发展。本文也正是本着这一目的，对构建的途径进行了分析，希望能够引起更多人对这一问题的充分重视。相信高校声乐教学质量，一定能够因为和谐师生关系的形成而获得更大的提高。
声乐演唱论文篇二
】美声唱法，原意美丽的歌，通常译作“美声唱法或美声歌唱”，是指17和18世纪之时，注重音色美的一种歌唱方法。本文先介绍美声唱法的起源、特点及美声唱法的基本要素，通过理论与实际学习相结合，探讨了美声唱法学习的方法，以期在学习和实践中不断提高和完善，唱出优美、动听的歌。
【】美声；唱法。
美声唱法是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展而来，自文艺复兴逐步形成的。当时的西方音乐更多的是建立在多声部教堂音乐、复调音乐基础上，唱法本身脱离不了宗教音乐的影响，男女唱法一样，只是声部不同，高低也不一样。最初的歌剧以阉人代替女生来唱，由女中音代替男生来唱。随着歌剧剧情的发展，一些情感激烈的戏剧性唱段，阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要，于是歌唱家们努力探索钻研，改进自己的唱法，以适应剧情的需要，这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。
美声唱法以声色优美，发声自如，音与音的连接平滑匀净，花腔装饰乐句流利灵活为其特点，但因忽视词义表达上的细致，故常表现出追求声音效果，炫技和程式化的倾向，它自产生以来，其演唱风格及演唱技巧，一直随时代以及所演唱作品的发展，这种演唱方法由于具有很强的科学性，因此是歌唱艺术中最具权威和代表性的唱法之一。
美声艺术有近400年的历史了，在意大利美声学派的渊源下，又相继发展和确立了德国学派、法国学派、俄罗斯学派、英国学派。由于它的发声科学，声音优美，表现丰富，得到世界公认和接受，是公认的最完美的声乐艺术。其特点归纳起来有：
（1）音域宽广，声区统一。真正的美声歌唱家都具有三个八度左右的宽广的音域，并能使三个声区得到完美的统一。
（2）声音连接圆滑和优美。在演唱的所有音域里，音与音之间，都要非常圆滑地连接在一起，不允许有任何破音，音色不能忽明忽暗，音量不能忽大忽小，力度不能忽强忽弱。
（3）明亮松弛，讲究高位置。美声唱法的音质有明亮松弛、穿透力很强的声音特点，而这种音质是高位置技能训练而产生的。美声唱法非常讲究高位置安放、高位置起音、高位置的训练。
（4）灵活华彩，轻巧俏丽。美声唱法与其他唱法不同的最突出的特点是声音有极大的灵活性，可以任意演唱复杂而华彩的飞速音阶和装饰性花腔，这种非凡的花腔技巧是通过特殊的发声技能训练出来的，是其他任何一种唱法都没有的声音技巧。
（5）重视呼吸，用气歌唱。在一个音上，开始时唱得淡一些，然后强度逐渐增强增大，色彩也逐渐加深。到达顶点后，声音再逐渐减弱到开始的色彩和力度上。这种唱法叫一个音上的渐强渐弱。这一声音技巧是来自有控制的呼吸艺术。美声唱法从一开始的训练就非常重视呼吸的艺术，要求每一个声音都要气息支持，要均匀地托在气息上，要用气歌唱，他们的格言是：不会呼吸，就不会歌唱。
（6）注意内涵，表现丰富。“贝尔康托”的意思并不局限到单纯的声音技巧上，它代表着“美好的歌唱”、“美好的表现”。因此美声艺术在音乐表现上不但有严格的技术规范，而且还要求对音乐有深层的理解和体验，并能生动地塑造音乐形象，以求达到震撼人心的艺术感染力。
美声唱法的基本要素包括呼吸、发声、共鸣和语言四个部分。呼吸是动力，气息冲击声带发出声音，这声音经过共鸣腔体把它加以扩大和美化，而形成动听的歌声。在歌唱活动中，呼吸、发声、共鸣这三者是同时出现的有机结合的统一体。这三者的关系是这样的：如果没有呼吸，没有共鸣，嗓子的运用也不存在。只有用上美声唱法中所需要的呼吸，共鸣，嗓子才能唱出歌唱所需要的声音。歌唱乐器还有一个区别于其他乐器所独有的特点就是语言。自然界各种动物、昆虫都能发出声音各异的鸣叫，鸟儿能有动听的叫声。各种乐器能够奏出美妙的音乐，但是，只有歌唱乐器能够发出带有语言的音乐来，而其他任何乐器都不能发出带有语言的音乐。因此，语言是人类歌唱所独有的特点，它使歌唱艺术在传情达意上独具特色。歌唱的四个基本要素有着内在的密切联系，在歌唱时，四者是一个整体，不可分割。语言跟前三者也是一体，由于语言的改变，其他三者也随之有所改变。
1.美声歌唱在我国的起源。
美声是在20～30年代传入我国的，至今已有70余年的历史。早在20～30年代，中国就有美声风格的艺术歌曲问世。如黄自的《思乡》、《春思曲》、《玫瑰三愿》；青主的《黄水谣》、《黄河怨》、《黄河之恋》；聂耳的《铁蹄下的歌女》《塞外村女》、《告别南洋》；贺绿汀的《嘉陵江上》；夏之秋的《思乡曲》；张寒晖的《松花江上》等等。
这些歌曲绝大多数是选用中国古代诗歌和现代歌词作为创作源泉，它的音乐创作、艺术趣味、歌曲风格，在很大程度上都有着西洋艺术歌曲的风味，而不是民歌风味。它需要用庄重而优美的美声与清晰纯正的民族语言相结合，才能表现出这些艺术歌曲的韵味来。事实上，中国艺术歌曲的创作对我国的美声艺术的传播一直起着重要的作用。至今这些作品仍是美声教学教材中不可缺少的一部分，并广泛在音乐会上演唱。
我国早期的声乐教育家、歌唱家喻宜萱、周小燕、黄友奎、郎毓秀等，大都在国外接受过正规的美声训练。从30年代起，他们就以纯正的美声技巧积极活跃在中国的舞台上。他们不但频繁地举办各种形式的音乐会，并主演西洋歌剧，能很好的胜任那些难度很大的西洋歌剧咏叹调。此外，他们还长期从事办学、教学，为我国培养了大批的美声优秀人才，如：张权，高艺兰、孙家馨，黎信昌等，对我国的声乐艺术的发展有着重大的贡献。
2.美声歌唱在中国的现状。
解放后，党和国家对美声艺术的发展和教育给予了极大的关注和支持。解放初期就在全国大城市创办了国家级音乐学院，设立了以美声为主的声乐系、歌剧系，建立了良好的学习条件和学习环境，制定了高标准的培养目标，并且又向国外输送很多公费留学生。
声乐演唱论文篇三
美声唱法是一种较为科学的演唱方法，因而在世界范围内得到了普遍的推广与应用。我们国家少数民族音乐演唱中也在不断尝试，引入了美声唱法，并且同自己的少数民族唱法进行了整合，使音乐演唱得到了进一步的发展。本文就美声唱法在少数民族音乐演唱中的应用进行探析与研究，旨在为使少数民族音乐更好发展提供一定的参考。
美声唱法；少数民族；音乐演唱。
随着全球化发展的不断推进，世界各国在多个方面进行更深入交流与融合，在艺术领域音乐演唱方法也是其中之一。我国在保留传统演唱风格的基础上，也积极吸收了世界音乐领域的优秀成果，推动了我国少数民族音乐演唱技艺的不断前进。把美声这一较为科学演唱方法融合到少数民族音乐演唱中来，使民族音乐演唱得到进一步的发展。
（一）美声唱法简介。
美声唱法最早来源于意大利，含义是美好的演唱，完美的歌声，人们也将这种唱法叫做美声唱法。意大利是文艺复兴运动的重要发起国家，对后世文艺发展产生了重大的影响。意大利地理条件、气候条件适宜于歌唱，三面被大海环绕，气候条件优越，十分有利于人们保护滋润嗓音。就是于十六至十七世纪的这种人文和自然环境下应运而生的，并经过后世的不断演变与发展，成为现在所说的“美声唱法”。
（二）美声唱法的当前发展状况。
美声唱法到目前为止，已经在世界范围内普及开来，纷纷被各国音乐艺术界所引入，深受各大歌唱家的推崇和喜爱。最近几十年来，我国音乐界也不断学习引入这种唱法，利用其更加科学的发声方法与演唱方法，服务本国的音乐演唱，让民族音乐发音更加圆润优美，吐字更加清晰，在我国也已经得到普遍的应用与借鉴。
歌唱是一种技巧，更是一门艺术，是艺术领域中重要的一项分支。对于演唱者而言，先天条件固然很重要，但是对科学演唱方法与技巧的应用也是必不可少。对于一名优秀的演唱者来说，必须进行科学的训练，掌握科学的发声技巧，呼吸方法，学会利用共鸣提高演唱能力等等。对此，美声唱法与少数民族唱法中都有涉及，但各有特点。
（一）呼吸方法。
呼吸是发声的前提，只有掌握正确且科学的呼吸方法，才能够发出更优美的声音。在美声唱法当中，十分注重对于呼吸方法的使用，将呼吸方法当作发声的关键因素。对于一名歌唱家而言，必须要进行科学的训练，掌握更好的呼吸方法，以使其在歌唱时，可以自由地转换声音，提高其发声能力，保持其发声的连贯性。在我国少数民族音乐中也非常注重这一点，我国古来就有“发声需要气沉丹田”之说，这也恰恰说明了，要想发美妙的声音，必须注意对气息的调节，气就是平常所说的呼吸，只有通过正常的呼吸方法，才能调节气息，进而发出连贯且优美的声音。
（二）发声方法。
美声非常注重假音的使用技巧和应用混合发声法进行歌唱，也就是把真音与假音融合在一起唱歌。中国传统民族音乐演唱中则是真音应用得比较多，这种真音发声法，对于人们的发声器官尤其是喉咙会增加负担，会降低真、假声转换效果，不利于歌唱者的演唱。因此，需要借鉴与参考美声的发声技巧与方法，以达到更好的演唱效果。
（三）运用共鸣。
美声在演唱时注重头腔的共鸣，应用混合共鸣，将真假声混合在一起，根据音高的分布特点进行共鸣，进而发出更优美的声音，音质更加纯正与悠扬。在我国少数民族演唱中强调声音的浑厚、响亮以及真实，在表演时注意声情并茂，还会使用部分头腔以及胸腔共鸣，在高音区间一般都应用真声，中间往往都会进行换气。对声带与喉部肌肉造成一定的紧张感，并容易产生疲劳，甚至损害。
（一）少数民族唱法在生理结构上的不足。
在中国的少数民族相关声音原理的表达阐述中，对于歌唱发声器官的生理结构研究与分析相对较少，在歌唱表演时如何更科学的去调动与调节发声器官等有关的理论与原理相对来说，比较欠缺，更多是放在了咬字以及吐字等方面。在美声当中有十分详细的研究与描述，有着重要的参考价值。
（二）少数民族唱法在演唱技巧方面的不足。
在歌唱表演进程中，如果不能正确运用科学的方法指导与训练呼吸与发声技巧，就可能发不出婉转动听的声音。相对而言，美声唱法在怎样进行发声方面的训练更加科学，具有更加完善的训练方法与规范的学习体系，这是我国传统演唱方法中薄弱之处，需要参考与借鉴。
（一）美声气息控制方法。
我国少数民族唱法中虽说也非常注重对于呼吸的应用，但相对于美声唱法的“共鸣腔”来说，民族唱法对于呼吸的研究与分析，还存在很多不足。不能进行清晰的定位，掌控气息时火候欠缺，演唱效果大打折扣。美声所使用的”共鸣腔“方法，可以有效掌握声音的音高以及音色，让所发出的声音更加圆润、响亮，更赋弹性，更强穿透力。
（二）美声发声方法与技巧。
美声中注重对“混合声“的应用，尤其是假声的应用，这要优于我国传统少数民族演唱。这种发声方法更加科学，对歌唱者来说，更加适合，并且发出的声音更加饱满，不但亮丽，而且更加圆润，可能收到更良好的演唱效果。例如被誉为我中少数民族美声唱法第一人的吴碧霞，又有“中西合璧的夜莺”的美称，她将两种唱法很好地融合在一起，形成了一个有机体，其演唱的著名作品，无论是中国古典歌曲《枉凝眉》《春江花月夜》，还是西方著名歌曲《木偶之歌》，虽然这些歌曲分别属于不同的国家，不同的风格，不同的类型，但通过她的演唱，每个音节每个音符都那么婉转、细腻、动听，又那么富有我国民族特色以及西方色彩，因此，深受世界音乐界的喜爱与赞誉。运用“以情带声”的歌唱技巧，突破了中国与西方文化的差异，歌声既充满感情色彩，又极具感染力与穿透力。在歌唱中，使用了美声唱法当中的胸腹式联合呼吸方法，让人体头、胸、腹三个共鸣腔之间相互配合起来，这种演唱方法，在表演时其吸气量会非常充足，把握起来也比较简单，在高音区域维持头腔的共鸣，在很大程度上提高了真假声的混合程度，她所演唱的歌曲，声音十分亮丽且圆润，集中性强，具有较大的穿透力，极大提升了演唱效果。
（三）美声共鸣方法。
共鸣是美声技巧的关键，在美声当中，最科学且最主要的演唱方法就是应用共鸣腔。在美声表演当中，非常注重如何利用喉咙等一系列发声器官进行共鸣，这样所发出的声音，暴发力强，穿透力强，高亢且更具感染能力。我国少数民族歌唱表演时，使用较多的是真声，这就造成声音浅且低，没有足够的穿透力。
综上所述，在少数民族歌唱中引入与吸收美声唱法的优点，融入到民族歌唱中，能够补充与完善少数民族唱法。让演唱声音圆润，优美，婉转，动听，使歌唱艺术更加具有生命力与感染力。再加上对情感融入的优势，将两者融为一体，不但可以演出更好的表现少数民族音乐独特魅力，还能借助美声技巧提升民族歌唱的艺术色彩以及表现能力。
[1]常晓虹.探析美声唱法在民族声乐中的运用[j].参花,2017(23).
声乐演唱论文篇四
音乐中声与情的关系，在中国可谓由来已久。在歌唱艺术中，声与情是不可分割的艺术整体。“声”是音乐(尤其声乐)中最基本的要素，是表达情感的重要途径;“情”是声音的表达内核，在现今浮躁的社会中“情”显得尤为重要，同时真情流露的演唱方式也成为人们最为欢迎的表现手段。因此，只有达到声情并茂，才是真正的歌唱艺术。只有这样，歌唱者才能完整且完美地将词作者和曲作者想要表达的事物和情感表达出来，把心灵深处的情感传递到听众的内心。
一、以声传情。
(一)气息。
我们都知道，气息是歌唱发声的原动力，是声乐演唱的基础，其本身也是重要的音乐表情手段。演唱中强、弱、快、慢、欢乐和悲伤、幽默和愤怒等音乐和情绪的变化，与气息的正确运用和控制分不开，没有控制气息的正确方法和能力，就不能科学地发声，就无法唱好歌，好似小提琴没有弓子就无法演奏出美妙的声音一样。这便是正确运用气息的重要性。作为演唱者，我们要正确地运用呼吸，科学地处理声乐作品中声音的强弱关系，做好歌唱前的这一基础工作。
(二)发声。
我国现在的声乐大体分为两大唱法，一种是西洋的“美声唱法”，另一种是民族风格较强的“民族唱法”，近几年在国家重大声乐比赛的舞台上，还渐渐看到了一支新的队伍的出现，那就是“原生态唱法”。由于语言上的差别，无论是在气息和发声等方面，都存在着一定的差别。美声唱法十分讲究咬字吐字的清晰度，尤其是中国作品更是要求如此。而在一些作品具有非常鲜明的民族风格，若用纯粹的美声唱法来进行诠释，便失去了作品本身所应该有的特性，同时也让听众难以接受。所以，演唱者必须具备熟练掌握“美声唱法”和“民族唱法”的异同，同时针对不同风格的作品，并结合作品中沉淀出的意境，辅以自己的真情实感，才能将作品得以完美的诠释，引起听众的共鸣。由此可见，掌握熟练的发声方法对于一个演唱者来说是至关重要的，它关系到演唱者演唱技术水平的高低，甚至影响到歌唱者的歌唱寿命。
(三)咬字、吐字。
咬字与吐字，是发声时前后出现而又密不可分的两个步骤。咬字主要是指咬住字头，一般要求是字头咬得要准且紧。需要注意的是，咬字头既不能松散，也不能僵硬，要遵循自然的咬字原则。咬字是声母的形成，吐字是韵母出来时形成的一个点，咬字必须在吐字的基础上产生。吐字必须根据“四呼”的要求(“四呼”即开口呼、合口呼、齐齿呼和撮口呼)，将韵母各因素结合为一体，并保持一定的口形，尤其当一个字唱几个音时，要一直保持到该音的韵母到最后时刻。在诠释作品时，又不能片面地讲究咬字和吐字的原则。咬字、吐字的规律是表达声乐作品思想情感的一种方式，它的目的是更清晰有效地表达作品思想内容的实质。因此，演唱者应该养成良好的咬字和吐字习惯，这是完整表达声乐作品内容和情感的一个必要环节。
二、以情带声。
清代声乐理论家徐大椿在《乐府传声》中说到：“歌曲之法，不但声之宜讲，而得曲之情宜重。”这说明了歌唱中“声”与“情”的关系，强调了情在歌唱中的重要地位和作用。情感是人们对客观世界的一种特殊反映形式，是人们对于客观事物是否符合自己的需要而产生的体验。情感是歌唱艺术的精髓灵魂。每一首作品它所蕴含的内容、所要抒发的情感，都是需要通过一个主体——演唱者将自身融入到作品中，用自己的切身感受去将它演绎出来，演唱者的情感出来了，动人的声音必将油然而生。
(一)挖掘歌词内容。
每一首好的声乐作品，总要揭示一个主题，反映作者的内心感情，在选择一首音乐作品之前，首先要了解该作品产生的时代背景，挖掘歌词要表现的'真实内容。例如歌剧《原野》中女主人公“金子”的咏叹调《啊!我的虎子哥》中的歌词是这样的：“啊!我的虎子哥，你这野地里的鬼。这十天的日子，胜过一世!我又活了，我又活了活了，这活着的滋味，什么也不能比!”歌词虽然简短，但是充分表达了金子对虎子深深的情，一个“鬼”字，足以说明金子心中对虎子的爱之深、恨之切。这样的歌词如果只是通过演唱者乏味单调地演唱出来，便无法激起听众心中的涟漪，进而也达不到作曲家创作这部歌剧的预期效果。因此演唱者不仅要再现那些曲谱上原有的元素，更要深入挖掘那些无法记录、不易被表现的内在情感。作为每一个学习声乐演唱的同仁，我们都要清楚地知道：在声乐艺术表情的再创作中，时刻离不开对歌词的挖掘与主题的表现。
(二)培养艺术修养。
任何人的艺术修养都不是先天的，都是需要在艺术创作或艺术欣赏的实践中，逐步锻炼和培养的。各种艺术形式之间都存在有机的联系，只有广泛通晓各种艺术流派，才可能有比较有鉴别，才可能采各家之精华，培养起高尚的艺术情趣。由于每个人声音条件的差异、对音乐感悟能力的差异，使得他们对音乐作品在唱法和感情的处理上也产生了不同的差异。若要声情并茂地诠释一首声乐作品，不仅要具备扎实的演唱功底，还要有较高的艺术修养。除此之外，还有更好地人类文化的精华，任何音乐作品都是通过人物的情感表达来感染听众和观众的。我们国家有很多经常活跃在舞台上的著名歌唱家，例如阎维文、戴玉强、殷秀梅等等，他们嘹亮的嗓音、优美的举止和动人的感情不是一朝一夕就能习得，而是经历了漫长的时间、阅历的沉淀。只有不断的提高自身的艺术修养水平，才能将作品所要反映出的实质理解的更加透彻。
声乐演唱论文篇五
从宏观的哲学视野进行探索，物质是世界的本源。基于马克思关于物质的认识来看，物质是一种客观存在，它决定人的意识，但却不依赖于人的意识而存在。它是标志客观实在的哲学范畴，人类通过自己的感觉来感知这种客观实在。简言之：物质决定意识，意识对物质具有反作用，物质是一种独立的存在，能够被人的意识所反映。回到声乐艺术中，声乐艺术所反映的就是人类的一种审美意识，它穿越漫长的历史时空，成为人类社会特有的一种精神文化现象，并且延续着它的生命力，其中一个重要原因就是这种声乐艺术所彰显的艺术之美深入到了人的内心，与人们的精神相融合。其中，这种深刻的感染力不只是单纯的音响流动，其本质上是富含生命力的人类物质运动的结果。
精神活动是声乐的本质。
声乐艺术具有一定的精神属性，并且在声乐艺术活动中有多方面的体现。首先，基于声乐艺术的整个生产过程进行审视，人类主体的歌唱体现了思维的参与过程，并且以人体的各种发声器官为物质载体，最终实现了声乐艺术之美的张扬。其中，人类主体在声乐创作过程中所表现出来的心理状态是多元互动的，例如歌唱情感的传递、调控器官运动觉、领悟歌唱内容等。任何的心理活动都不会是凭空而生，声乐歌唱主体的心理活动过程也是如此，它是人体大脑机能运动的结果。其次，从声乐艺术的精神属性来看，具有一定的表现形态。其中，多元交叉是歌声属性的一个主要形式特征，并且在此过程中，辨证的逻辑法则得到了很好的体现。例如，声乐艺术是一种以声音为承载的听觉艺术，在声乐演唱过程中，这种听觉艺术需要借助一定的辅助手段（声乐歌唱者的面部表情及其外在形象特征）来增强表达效果；声乐还是一种表演的艺术，但是在具体的演唱过程中，表情达意却是需要着重体现的；声乐是一种音响艺术，但是其中却容纳了语义和音乐的元素，成为一种特殊的音响。
声乐艺术是物质与精神的完美统一。
基于马克思主义哲学关于物质与精神的关系问题，可以清楚的认识道：物质是第一性的，精神是第二行的，但是，两者之间存在一定的关联，彼此都不是孤立的存在。物质和精神普遍存在于人类社会的发展过程中。因此，在声乐艺术美学的表达中，物质与精神也是相依而存的，两者在某种程度上形成了因果关系。如果歌唱过程中缺少了人类发声器官的物质依托，那么歌唱就无法进行，人声也不会产生；另外，如果歌唱过程中只存在人声器官这种物质载体，而人的主体意识却不存在，那么歌唱就少了声乐艺术之美的内涵，具有审美价值的声响就成为一种妄想。因此，在声乐艺术的表达中，物质与精神是相互依托的，二者互为存在的前提，简单来说就是其中的一方难以脱离另一方而单独存在。声乐中蕴含着深刻的审美意识，但是，物质和精神的简单组合并不能构成声乐艺术，各自还需要为自身创造一定的条件。首先，声乐艺术表达的物质基础。承载声乐发声器官的是人体，因此，健康的体魄成为声乐物质基础的一个重要内容，以此为前提，适合声乐演唱的各种呼吸以及发声器官才有了存在的可能，而这些也是促使一个人在声乐演唱中立足的基本前提。基于现实的发展情况来看，每个人都拥有发声和呼吸器官，并且他们都可以进行歌唱，但并不是所有会歌唱的人都成为了歌唱家。所以，人体需要具备生理性的歌喉，同时还要有用其进行歌唱的潜质，这个也是声乐歌唱中的一个关键性的物质要求。其次，声乐艺术歌唱中的精神基础。这种条件主要体现在人的意识形态领域，对声乐演唱主体的精神状况提出了较高的要求。它需要演唱者具备良好的音乐心理素质，并且自身拥有一定的文化素养，只有具备了这种精神层面的条件，歌唱者才能进一步发挥这些条件的价值，并利用这些要素的运动来实现歌唱的目的，并将其转化为歌唱技巧和歌唱能力，有效的适应歌唱表演和声乐作品表达的需求。
声乐演唱论文篇六
气质是人生来就具有的心理活动和动作方面的动力特征，反映了人格的自然属性，即心理过程和动作发生的强度、速度、灵活性、持久性和心理指向性等方面特点的总和。气质的基本特性表现为先天性、稳定性和天性三个方面，一般可分为胆汁质、多血质、粘液质和抑郁质四种类型。相比较下，胆汁质和抑郁质的神经过程是强而不平衡和弱型。困难的任务、不顺的环境和过多的挫折则可能使神经过程本来脆弱的抑郁质个体感到无所适从，引起焦虑、抑郁、恐惧、绝望等心理问题，应注意自我调节。
二、了解自己的性格。
性格是人的稳定的个性特征。一方面，它是在一定的社会生活条件，教育条件的影响以及自我实践的锻炼下，长期塑造而成的。另一方面，这种比较稳定的对现实的态度和行为方式又贯穿在人的全部行为活动之中。一般对人的性格分析着眼于性格的态度特征，性格的意志特征，性格的情绪特征，性格的理智特征方面四个方面。
依据心理活动倾向来划分，瑞士心理学家荣格认为，人与周围世界发生联系时有两种指向，一种指向于外部世界，称外向;一种指向于内部世界，称内向。外向型的人活泼开朗、善交际、热情大方，情绪外露，反应迅速，容易适应环境的变化;内向型的人处世谨慎，自制力较强，善于忍耐克制，但不善交际，应变能力差，很注意别人的'评价。在教育实践中提高学生的自我教育能力，需要通过具体的教育情境帮助他们对自身有客观，正确的认识和评价，促使他们自觉的发展控制和支配自己行位的能力，从而使他们能够在自我意识提高的过程中增强自觉塑造是自己良好性格品质的能力。
三、搞清自己的心理健康状况。
有些学生由于适应不了考场那种严肃紧张的气氛，头冒虚汗，面色苍白，心跳过速，手足发抖甚至冰凉，严重的会丧失意识，晕过去的，这就是考试怯场反应。歌唱者在演唱歌曲时，由于紧张，会导致中心的丢失，气息上浮，引起“失重”现象，使声音挤压，造成声嘶力竭，不能很好地完成作品的发挥，给自己带来心理阴影。这时你可以从调整你的呼吸开始，让调气息达到调心的效果。先深深的吸一口气，从口中缓缓地呼出来，反复几次，给大脑一个强制刺激，让它逐渐“冷却”下来，是自信心大大恢复。
四、认识自己的能力。
能力是与顺利的完成某项活动有关的心理特征，通常指个体从事一定社会实践活动的本领。只有在音乐活动中，才能看出一个人是否具有良好的曲调感、节奏感、听觉表象能力。能力是保证活动取得成功的必要条件，靠多种能力的结合，才能完成某种活动。
能力与知识，技能相互依赖，相互制约。首先，能力是掌握知识，技能是前提，随着知识，技能的掌握，能力得以提高或新能力得以产生，其次，能力表现在掌握知识和技能的过程中，最后，能力是掌握知识和技能的基础上发展起来的。健康、丰富的科技和课外活动，有助于培养学生广泛的兴趣，发展观察力，思维力和想象力。能力的发展水平逐个依赖于个人在实践活动中勤奋努力的程度。
五、和谐师生关系的创建。
师生关系是在教学过程中，教师与学生通过各种不同形式的交往来相互沟通，进而形成一定的人际关系。教学相长是良好师生关系的重要特征，师生以尊重、平等、和谐为理念，通过积极的交流互动，在一种轻松愉悦的氛围中共同成长，共同发展。师生的良好人际关系，可缩短个人之间的心理距离，对学生错误给于理解和宽容，有利于师生的沟通和互动。
总之，作为一名歌唱者，在面对自己的“失重”状态时，应从多方面去把握它，理顺这种关系，在认清自我的基础上加强与导师的沟通，建立在尊重、平等的基础上，消除心理距离，建立和谐的师生关系，提高自己的主观学习能动性，在实践中不断完善自己。
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声乐演唱论文篇七
爵士乐是西方音乐中一种具有代表性的音乐，它有自己独特的音乐风格和特点。并且流传广泛，是非常有感染力的受人喜爱的一种音乐形式。下面，我们先来了解一下爵士乐的特点。
1.即兴演奏的特点。
爵士乐是自发的、多样性的、独立的段落演奏手法，是一些非洲音乐和大部分爵士乐的一个鲜明特点。
2.节奏切分。
这种节奏现象最为人熟知的是重拍出现在非主拍上。爵士乐的节奏律动形态有两种：一种是平直节奏(straight)；另一种是摇摆节奏(swing或shuffle)。这两种节奏形态的区别主要体现在八分音符的演奏方式上，而这一区别也决定了爵士乐的风格。摇摆节奏是建立在每一拍平分三个音(即三连音)的基础上。最常见的节奏型是将三连音的中间音省去。以平直节奏演奏的爵士乐主要为拉丁风格的爵士乐，节奏律动以八分音符为基础。
3.和声。
即兴演奏是爵士乐的一大特色。但是，爵士乐的即兴不是任意的，而是在一定的和声基础进行框架内的自由发挥。其中约有60%出自音乐知识，20%出自创造灵感，10%出自观众的反映，10%靠的是运气。作为爵士音乐家，他不仅必须具备演奏技巧，还必须掌握大量的有关爵士乐的理论知识。和声语言是最复杂和最重要的部分。
4.音色的选择。
为了增强听觉上的吸引力不断地变化音色的粗糙度、振动频率以及响度。需要指出的是许多萨克斯手在追求音色变化的过程中会倾向于刺耳的影响效果。还值得一提的是，爵士乐小号手和长号手有时候会以“咆哮”的方式来演奏。
中国音乐教育课堂存在的问题有三方面：一是教材导向与学生审美需求之间存在矛盾。大多数学生喜欢音乐，却不喜欢音乐课。现行音乐教材的部分音乐作品政治色彩过分浓重，使原本轻松的音乐课堂变得沉闷，情绪低沉；音乐艺术的技巧过分深奥，学究气浓重，不太适合学生的年龄特征。这就必然影响学生学习音乐的兴趣。二是社会需求与教学目标之间不协调。音乐本身不能引起学生的兴趣，更谈不上创造力和灵感。三是升学考试的压力是原本应该净化心灵、陶冶情操、培养发现生活之美的灵感的音乐教育，陷入夹缝，而失去音乐本身的意义。
1.从爵士流派中吸取。
爵士乐流派众多，新奥尔良爵士最简单易懂、单纯快乐；摇摆爵士动感强劲，适合年轻人的年龄特点；节奏较强劲、感情丰富，很容易被接受；很容易唤起观众听众的情绪；自由爵士风格激进、缺乏思维逻辑性，也适合容易激动的学生的年龄特征；对于课堂中培养学生的审美观，陶冶学生的情操无疑不是一个很好的音乐表现形式。中国音乐课堂要想融入爵士乐的教育风格，在中国广泛传播，除了已有的高等院校理论教育体系、面向大众的纯爵士器乐演奏等方式作为依托外，还需要将深受大众追捧喜爱的流行歌曲作为传播载体，更全面地传递爵士乐的精髓品质；适当引入爵士乐教材，紧紧抓住学生的身心特点进行教育，才能达到音乐的渗透之美，真正激发学生的创作能力和热爱生活的道德修养。
2.从爵士特点中吸取。
爵士乐相较于其他音乐，其自身有很多独特之处，如：
1)即兴演奏或者是演唱；
2)爵士乐节奏的极其复杂性；
3)独有的爵士和弦；
4)独特的音色运用等。由于爵士乐是一种自觉的、自发产生的、富于创造性和表现力的音乐。爵士乐是一种非常有代表性的群体创作过程，如果在中国音乐课堂中加入与爵士乐的相关内容，受爵士乐创作过程的熏陶，势必会培养学生的集体合作意识和音乐创新意识，最大限度地开发学生的音乐天赋，使其热爱音乐艺术成为一种主动的行为，毕竟创作才是人类的灵魂。
世界上任何一种音乐文化的主体性都不是一成不变的，开放，交流，融合，这是人类音乐文化发展的本来面目。反观中国传统音乐教育的不足，学习和借鉴西方教育的精华，转变教育思想和教育观念，自上而下地深入进行音乐教育改革，以更快地适应世界教育发展的潮流，培养出更多符合我国现代化建设的栋梁之才。音乐教育，关键是培养有创造力的人才。对于中西方音乐教育的未来，有以下几点可能会影响下一代的音乐素养：
(1)对旋律、节奏、和声和乐器学的新型式的实验，反映出新的能源形式和各种新的机械发明对现在和未来生活的有利影响。
(2)对音乐的民族性格的更大强调，伴随着更广阔的国际听众，导致所有国家的人民之间更深刻地相互了解。
(3)音乐教育的普及，协助那些在音乐上有天赋才能的人们达到最高的发展。
声乐演唱论文篇八
摘要：声乐演唱临场的表演不仅仅是技术的问题，还需要对演唱者心理进行完善。在这两者结合的基础之上加上临场经验的积累，才能够培养出比较完善的声乐演唱者，从而可以进行完美地声乐艺术表现。
关键词：演唱心理演唱技术。
声乐演唱者的临场表演由演唱者演唱技术与演唱心理两个元素组成。演唱心理是指演唱者在演唱过程中的心理活动。这种心理活动是建立在演唱者实践基础之上的认识活动。诸如演唱者演唱的欲望、动机；演唱者情绪的表现力与感染力；对音乐作品的记忆与想象；克服“杂念”以及演唱者的应变心理、临场状态等等。只有把演唱者良好的演唱心理与科学与正确的演唱技术相结合，才能够准确、完美的表达声乐作品的艺术内涵。
一、正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。
正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。它包括认真、严格地阅读作品；科学、准确地记忆作品；对作品整体的感受、分析、处理和克服技术难关这三个方面。
1、要认真、严格地阅读作品，科学、准确地记忆作品。
认真、严格地阅读作品和科学、准确地记忆作品一样，贯穿学习和演唱的始终。当学生已经可以记忆演唱作品后，再让他们看谱练习，进而再仔细的分析、研究、推敲作品。
记忆作品的基本方法有：“视觉的记忆”、“听觉的记忆”、“运动神经的记忆”和“理智的记忆”等。
a．视觉的记忆方法。视觉背谱的方法是一种依靠看谱记谱的背谱方法。舒曼说过：你必须练习看到乐谱就懂得音乐的进行和音乐所需要使用的技术、方法。著名男高音歌唱家多明戈依靠眼睛的力量记忆演唱百部以上的歌剧作品。
b．听觉的记忆方法。科学研究发现：用听觉的方法来记忆是效率最高的一种记忆方法之一，听觉和视觉结合起来的方法次之，而只用视觉记忆的途径则是效率较低的一种方法。
c．运动神经的记忆方法。一般声乐演唱者学习一首作品总是需要一遍又一遍地重复，直到他们可能完全离开乐谱为止。他们在很大程度上依靠着运动神经的记忆。
d．理智的记忆方法就是人们在背谱时对演唱作品进行理性的分析，对动机、乐句、乐段、曲式结构、作品伴奏的和声、织体、调性、调式……等等都进行认真的分析，使记忆建立在清晰的理性分析基础上，将上述方法综合起来，使思维、情感、肌肉、神经、听觉、视觉达到最理想的协调。
2、对声乐作品进行整体的分析、处理。
如果说处理歌唱作品是学好一首乐曲的关键，那么攻技术难关是学好一首乐曲关键中的关键。在演唱时技术上的不完善，仅仅凭侥幸心理和一时的表演热情是不够的，但技术难关是否能彻底攻克与演唱者表演的成败有着密切的关系。
完善的心理机制是声乐演唱者临场表演成功的重要保证。声乐演唱者临场表演成功它包括强烈的表演欲望与自信心；丰富的表演经验的积累；做好临场演出前的充分准备。
1、演唱者的'表演欲望和自信心。
对演唱充满信心、欲望和充分的表演准备又是演唱效果良好的保障。此外还要丰富演唱者的审美经验、艺术素养的深度和广度，挖掘演唱者艺术创造的个性，鼓励他们发挥主观能动性，自觉地去感受、思考和表现作品。
长期的训练习惯有利于保护学生演唱的自信心、表现音乐的欲望和音乐表演的整体性与连贯性。要培养声乐表演者良好的表演感觉，还要让他们公开表演，而不只是关在教室里训练。即使是最好的课堂教学也代替不了这样的舞台表演的锻炼。
准备工作做得再充分，再细致，临场都有可能出现偶发性的情况，这就要求演唱者有良好的应变能力即“表演机智”。应变能力来自丰富的临场演唱表演经验的积累，这种经验也是依靠教师在教学中、舞台实践中指导、帮助学习者去进行主动思考与积累的。
4、做好临场演唱前的准备工作。
由于声乐演唱具有：场地的不确定、演唱时段的不确定、歌者自身心理生理条件不确定、听众的不确定因素。所以首先是要求演唱者尽最大可能熟悉表演的环境。歌唱者除了在演唱前必须休息好，积蓄充沛的精力，还要适应演出时间的变化而主动服从演出的时间对自身的影响；演出时演唱者的生理与心理有自己的问题，但也要主动地把自己的生理与心理调节到适合表演的最佳状态，才能完美地进行艺术创作；在演出中特别要求与观众的交流要和谐，因为不管那种唱法都是为观众、听众表演的，听众的地区不同、年龄不同、临场的气氛不同等也要求演唱表演要灵活，在演唱时在技术、曲目、表现力等方面都要有所充分准备。
参考文献：
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[4]曾遂今著《音乐社会学概论》文化艺术出版社.3。
[5]石惟正著《声乐学基础》人民音乐出版社.7。
[6]曹理著《音乐教育学》首都师大出版社2000.12。
[7]李嘉禄著《钢琴表演艺术》人民音乐出版社1993.9。
声乐演唱论文篇九
通俗唱法(又名流行唱法)始于中国二十世纪30年代得到广泛的流传。其特点是声音自然，近似说话，中声区使用真声，高声区一般使用假声。很少使用共鸣，故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器，演出形式以独唱为主，常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美，感情细腻真实。
声乐演唱论文篇十
：声乐是歌唱艺术，钢琴伴奏是其主要伴奏形式。钢琴伴奏与声乐艺术之间的联系也十分紧密，两者之间既有互相依存的关系还有对立统一的关系。在钢琴伴奏过程中声乐艺术占据着十分重要的地位，不论是在旋律、情感亦或是音乐意境方面，钢琴伴奏都有赖于与声乐艺术之间产生紧密联系，与此同时我们也应当注意到钢琴伴奏的相对独立性，并在此基础上正确对待钢琴伴奏与声乐艺术的关系。本文分为两个部分，对钢琴伴奏与声乐艺术之间既相互依存，又对立统一的关系进行了较为具体的分析。
钢琴伴奏在声乐艺术中占据着极为重要的地位。很多艺术实践活动中也充分证实了这一点，和许多对立统一的事物相同。在不少歌曲当中，钢琴伴奏和声乐艺术都发挥着各自独有的优势，并形成了相互依存和对立统一的关系。只有明确了这样一种关系，并充分发挥出两者各自的优势和特点才能更好地发挥出音乐的魅力。
钢琴伴奏一直以来都被人定位是声乐艺术的一个重要的辅助手段。然而，如果从艺术表达的角度进行分析，这样的理解很大程度上看来是不太全面的。尤其是在一些国际声乐大师的演奏会上能够感受到不少优秀的作品都是通过钢琴伴奏和声乐旋律之间的相互配合来完成的。由此可见，钢琴伴奏的确是声乐艺术不可或缺的一部分，钢琴伴奏的旋律和所表现的情绪、意境都能够使声乐作品表现得更加完美。
1.旋律上相互依存。
旋律就是以音调和节奏为根本并在此基础上结合音高、音量等共同形成。在音乐作品当中，旋律能够抒发情感，表达人们内心最真实的感受。在艺术作品当中，声乐艺术和钢琴伴奏在旋律上也是一种相互依存的状态。“在艺术歌曲中，声乐演唱和钢琴伴奏在旋律上相互依存，有时在我们观看声乐测试时，声乐歌手和钢琴伴奏之间也会发生这种情况。歌唱家的音高高于或低于钢琴伴奏的音高：无论是长的或短的，还是音量或钢琴的响亮。”
2.情绪上相互依存。
在情感方面，钢琴伴奏和声乐艺术也是相互依存的状态，这子啊一些艺术歌曲当中也表现得十分突出。在具体表演过程中，钢琴伴奏可以通过一些情感辅音来传达作品想要传达的情感和意境，采用相应的演奏方法，生动形象的传达情感。一旦能够充分把握伴奏结构就更容易在钢琴伴奏的过程中将情感与景物融合在一起，进而更加强烈地表达出情绪。
3.意境上相互依存。
音乐作品的意境是一种情景交融虚实相生的状态。为了更好的传达音乐作品中所要表现的意境。完美地表现音乐作品，钢琴伴奏和声乐艺术要形成一种相互依存的状态。钢琴伴奏能够凸显声乐演唱的风格和特点，以相应的演奏方式来激发音乐的潜能。可见，在艺术作品中，钢琴伴奏和声乐艺术在意境上也是相互依存的。
钢琴伴奏和声乐艺术孰轻孰重一直以来都是人们关注的点。除了将两者的联系视作为相互依存之外，还有一些人将两者的联系总结为对立统一，两者有相互对立的一面，也有相互统一的方面。主要表现在音量、音色和节奏等三个方面。
1.音量上的对立统一。
音量是钢琴伴奏技术的主要内容之一。钢琴伴奏的演奏者必须对钢琴的强度有深刻的理解，并且知道什么时候应该表现出怎样的力量来发出钢琴的声音。钢琴伴奏应该清楚地了解歌手的音域和音量，以及他演奏的声音环境。然后逐段分析，考虑某些段落是否应该控制伴奏的音量，形成音量的统一：再一次，伴奏应该掌握对短吻鳄的声音的适当控制，某一段是否需要比钢琴更响亮，某些摘要是否应该比钢琴更轻柔；形成音量对立统一的关系。
2.音色上的对立统一。
音色是一种声音传达出来的感官特征。在声乐表演中，钢琴伴奏和声乐艺术之间存在着对立的关系，比如在一些艺术歌曲当中没有前奏曲就会显得相对薄弱，而加入了钢琴伴奏就可以使音色表现得更加突出，伴随着起起落落更加地鲜明。虽然钢琴伴奏和歌唱声调是对立的，但它们是统一的，声乐作品是完美的表现。
3.节奏上的对立统一。
节奏是音乐作品得以表达的关键所在。在艺术作品当中，通过节奏的快慢也可以准确地传达作品的情绪和创作者的内心情感。用音色、音量、节奏等来定义作品的风格。引导观众进入一个艺术环境和一种情感氛围，也引导合作者进入意境的作品，为以后的表演起到了奠基的作用。在旋律结束时，将有一个小测验，让整个表演进入一个调整区域，或者改变曲调，或者改变节奏，歌手也会用这段话来询问、调整呼吸和酝酿情绪。
综上所述，钢琴伴奏与声乐艺术之间的联系十分密切，两者相互依存，在彼此的协助下表现得更加完美，钢琴伴奏的演奏技巧能够带动声乐艺术的进一步表达和多样化发展。同时，两者又处于对立统一的状态，不论是音量上还是音色、节奏方面都呈现出一种既对立又统一的状态。本文对两者联系的具体分析也有助于进一步对钢琴艺术进行具体的分析。在声乐作品当中，钢琴伴奏和声乐艺术也是一种相辅相成的关系，它们共同合作，比如一些歌词较为动感的，钢琴伴奏也会特别衬托出生动、活泼的一种意境，根据相应的情感来调整伴奏的相应风格。明确两者之间的关系也有助于进一步挖掘钢琴和声乐艺术的特点。
声乐演唱论文篇十一
钢琴教学大致可以分为启蒙、初级、中级、高级四个阶段，各阶段的内容包括基本练习、练习曲、复调作品、乐曲几大类。启蒙阶段主要是对指法、音阶、琶音、和弦的练习。手指练习可选用李斐岚的《儿童钢琴手指练习》、哈农的《钢琴练指法》、什密特的《钢琴五指练习》等。陈庆峰的《音阶与琶音》、熊道儿和李素心的《音阶和弦琶音》适于练习音阶、琶音和和弦。初级阶段依然是打基础的阶段，要巩固手形、手掌的支撑，完善非连音、连音和跳音三种奏法的综合运用。初级阶段的练习曲可选车尔尼的《钢琴初步教程》《钢琴简易练习曲》等，复调作品可选巴赫的《初级钢琴曲集》《小前奏曲与赋格曲》等，乐曲可选汤普森的《现代钢琴教程》、威尔的《世界儿童钢琴名曲集》等。中级阶段要加强训练手指的独立性和灵活性，使手指均匀、有力的跑动训练，学习不同的触键，增强指尖的灵敏度，弹奏出不同层次的音色变化，进一步训练手指、手腕、手臂三者的相互配合，逐步掌握各种专门技术。中级阶段可选的练习曲有车尔尼的《25首钢琴小手练习曲》、克拉莫《60首钢琴练习曲》，复调作品可选《创意曲集》《法国组曲》等，乐曲可选莫扎特《钢琴奏鸣曲集》、肖邦《夜曲集》等。高级阶段的重点在音乐表现上，从乐曲中学技术，用技术表现音乐。此阶段应广泛地接触各种风格、各种类型的作品，扩大曲目范围。钢琴教学的方法主要包括讲授法、示范法、提问法、指导法、练习法、欣赏法、发现法。这些为钢琴中的一般方法，在针对不同教学对象时需要采用与一般不同的特殊教学方法。
教材的选择是教学设计中的重要组成部分。对教材的选择依据不同的教学阶段、不同的教学对象、不同的教学需求。如在不同的教学阶段选择不同，在初级阶段可选《汤普森现代钢琴教程》第一册、应诗真的《中国儿童钢琴教程》等；在中级阶段可选《汤普森钢琴教学》第四册、柴可夫斯基《四季》等，在高级阶段可选克列门蒂的《钢琴名手之道》《帕格尼尼的钢琴练习曲》《巴赫平均律》等。在钢琴教学中教材常常是搭配使用的，不同体裁的作品、不同风格的作品、不同时代的作品、不同程度的作品需要进行合理搭配。
从艺术实践看，心理状态对演奏结果的好坏有着巨大的影响。因此，教师应当在教学过程中对学生进行系统的心理训练，从而使演奏者获得良好的心理状态。演奏前学生应有的心理准备，即第一，要使身心处于放松状态，保持良好的心境及身心的和谐统一；第二，要有强烈的演奏欲望和自信心；第三，审美完形心理结构的积累和凝聚；第四，始终要保持理智；第五，具备随机应变的能力。演奏中学生的心理调节包括临场的心理调节、创造热情的激发和控制、排除杂念、应变能力。临场心理的调节主要是在即将上场前，学生应回避嘈杂的环境，选择安静的地方活动手指，边读谱。这样不仅可以保持手指肌肉的灵活自如，还可以缓解因激动、紧张而造成大脑情绪中枢过度兴奋。演奏时，演奏者要正式投入表演，随时激发、调动创造热情，富有激情的演奏才能引发听众的情感交流，使演奏者与欣赏者在音乐声中融为一体。同时演奏者又必须控制感情强度和变化幅度，保持理智、清醒的头脑。在演奏过程中，演奏者要排除一切杂念，把紧张而引起的兴奋中心转移到对音乐体验的兴奋中去，把全部注意力投入到演奏曲目的情感中去。在每一次演出中，都难免会发生来自外界的或者演奏者本身的始料未及的突然变化，一个成功的演奏者必须具有随时沉着应付各种突变的能力。
在钢琴教学中教师主观施教和学生被动学习存在着各种弊病，这种以“教师为中心”的教学模式不利于发展学生的钢琴演奏水平。所以本文以简述钢琴教学的任务、目的、内容、方法、教材的选择和搭配、演奏心理的调节为基础，强调教师自身的知识与教学要求，还需要教师能够处理好教师与学生之间的师生关系，不再是以往的教师主观施教和学生被动学习的教学模式。而应该更多地顺应现代教育思潮，以教师为主导，充分调动学生学习的积极性和创造性。
声乐演唱论文篇十二
发声训练是歌唱发声的一种综合性基本技能训练，学习唱歌必须从最基本的发声训练开始。无论是美声唱法、民族唱法、通俗唱法还是原生态唱法，我们在学习歌唱曲目前都必须进行发声训练，只有掌握了科学的发声方法，才能为演唱曲目打下良好的基础。发声训练是声乐教学中非常重要的教学内容，也是声乐专业学生必须掌握的基本功。本文主要探讨大学声乐教学中发声训练的有效方法，以提高大学声乐专业学生的声乐能力。
大学声乐教学;发声训练;有效方法。
声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出悦耳的、连续性、有节奏的声音。发声训练是声乐教学中非常重要的组成部分，进行发声训练的目的是为了更好的为演唱者与演唱作品服务。由于每个人的发声习惯、音色音域、嗓音条件都会有所差异，因此发声训练必须是有针对性的、有意识的训练。声乐学生在进行发声训练时要做到呼吸、发声及共鸣互相协调配合，以练就纯净而富有弹性的声音。但是发声训练并不是说只有长期坚持就能够达到理想的发音状态，而是要讲究发声练习的方法。我们只有掌握了科学的发声训练方法，并反复加强训练，才能用正确的发声位置进行歌唱，从而更好地演绎歌唱曲目。
2.1掌握正确的发声姿势。
掌握正确的发声姿势有助于歌唱者对气息的运用与共鸣腔的协调，因此，正确的发声姿势可在很大程度上提升总体的歌唱效果。在进行发声训练时，首先要学习正确的发声姿势，这是歌唱者声音通畅、纯净的关键，也是声乐教学中的基本内容。据调查发现，部分大学声乐专业学生过于注重声乐技巧而忽视了最基本的发声姿势练习，这不利于声乐学生发声能力与声乐演唱能力的提高，所以，在日常的声乐教学过程中应加强学生对发声姿势的练习。要想掌握正确的发声姿势，则必须学会科学、正确的站立姿态。所谓正确站立姿态，就是我们在演唱时身体自然直立，全身处于自然放松的状态，头部微抬保持在眼睛平视前方时稍高的位置，两肩自然下垂，胸部自然挺起，小腹微微内收。两脚一前一后稍分开，前脚着力，身体的重量平稳落在双脚上。面部表情与眼神要生动传神。在演唱过程中眼睛应稍稍张大一些，不要眯起眼眼睛虚着唱歌。歌唱时确保颈脖与后背、腰部在一条直线上，使得气息畅通无阻。演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，避免出现歪嘴、瞪眼等不良表现。因此，教师在开展声乐教学时，必须严格对学生的不良姿态进行纠正，积极引导学生培养正确、科学的发音姿势，养成良好的发音习惯。
2.2加强共鸣腔体训练。
共鸣腔体的运用对提升歌曲演唱效果有着至关重要的作用。教师在对学生进行共鸣腔体训练时应时刻关注学生的训练方法是否正确，一旦发现学生的训练方法错误或有偏差应及时引导与纠正。例如，在进行头腔共鸣训练时教师应注意观察学生的训练状态，避免学生过于追求音量的宏亮或音色的饱满而压低喉咙，造成喉部肌肉的损伤;再比如在进行胸腔共鸣训练的过程中，也会有部分学生不能完全掌握胸腔的张合技巧而出现肢体僵硬的现象。在训练时，教师应及时察觉学生容易出现错误的地方并及时给予正确的引导。此外，为了更好的训练学生腔体共鸣技巧的运用，教师可以让学生尝试通过打哈欠来感受口腔自然张开的状态，并且向学生详细讲解人体口腔自然张开时具有哪些特征，让学生通过反复练习与感悟来协调身体的各个腔体的张合状态，以确保气息能够在口腔、咽腔和鼻腔之间自由流动。“微笑训练法”也是进行共鸣腔体训练的有效方法，进行微笑训练有助于放松脸部肌肉，使得鼻腔自然扩张，下巴与喉头不会处于紧绷的状态，有利于声带的自然震动，从而将声音传送至口腔上颚再产生声音的共鸣。训练共鸣腔体运用的方法还有很多，教师应注重引导学生找到适合自己的方法，并督促学生反复加强训练，以提高自身声乐歌唱能力。
2.3进行咬字、吐字训练。
咬字、吐字训练也是大学声乐教学中的一个重要内容。掌握咬字、吐字技巧，除了是将字音准确清晰地传达给听众之外，更重要的是通过正确的咬字、吐字与歌唱发声有机结合起来，以达到“字正腔圆”与“字正腔纯”的目的，从而生动形象地传达歌曲的情感，使歌声更富有感染力。而咬不准字头，吐不准字腹，归不好字韵，是声乐专业学生中普遍存在的问题。在进行咬字、吐字训练时，声乐教师首先要让学生正确理解咬字和吐字的理论技巧，然后在引导学生学习正确的发音口型，口型的张合应该与字的声母、韵母的发音部位紧密结合。例如，韵母在演唱时要适当延长且要保持口型不变，否则会出现声音不清晰的现象。为了训练学生正确的歌唱口型，教师可以让学生带一面小镜子，边练习边看自己的口型，一旦发现口型错误便可及时纠正。此外，声乐教师还可以指导学生通过时胸廓慢慢向里收，此时膈肌上移，加快气体从胸腔径内通过朗读歌词来找到正确的发音方法，再让学生结合正确的发声的速度，将气体由肺部排出，进而完成呼气过程。此外，教师方法用高位置的半声或轻声演唱字少、母音变化不多的乐曲还要引导学生正确运用声乐呼吸技巧，以确保学生进行演唱或练声曲，以提高学生的咬字、吐字能力。在咬字、吐字训练时能够保持气息与乐曲的节奏一致。中，教师要注意对一些容易混淆的字音及地区方言进行单独3结束语的训练，以及时纠正学生不良的读音，从而获得最佳的演唱效综上所述，发声训练涉及到发声姿势、腔体共鸣、咬字吐果。字及声乐呼吸等方面，这些都对提高大学声乐教学的发声训。
2.4强化呼吸训练练水平有着重要的促进作用。
所以，教师应当在声乐教学中呼吸训练是声乐教学的重要组成部分，也是声乐演唱的加强对发声姿势、腔体共鸣、咬字吐字及声乐呼吸等方面的训基础与动力。呼吸除了是满足人体的生理功能需要之外，还练，引导学生掌握正确的发声方法，提高学生的声乐演唱能要满足声乐演唱的不同需要，根据演唱曲目的要求学生要学力。会调整不同的呼吸节奏，从而确保演唱时的气息能够饱满富有张力，从而使得歌声更具感染力。教师可以采用“胸腹式联合呼吸法”对学生进行呼吸训练。在训练过程中，教师要向学生明确进行呼吸训练的要领，让学生保持上半身处于自然放松的状态，协调呼吸群肌之间的运作，两肋微微舒展，腰部和上腹部自然放松挺立，胸部与肩部自然扩展，腰部往外膨胀，膈肌位置向下移动，将口腔慢慢打开，口腔与鼻腔同时打开吸气，从而顺利完成吸气过程。
声乐演唱论文篇十三
文化产业化给我们文化教育事业提出了许多必须思考的问题。作为具有中国文化传统和文化特色的民族声乐教育，在中国的文化产业发展中应当居于什么地位？有什么职能？有何种发展机遇？本文从民族声乐教育与文化艺术生产者、当代科技、文化资源、文化市场四个方面，以文化产业的理论视角，初步提出了发展民族声乐教育的新思路。
文化产业作为当代人类社会创造财富的一种新的产业形态，是伴随着全球工业化和现代化的进程而发展起来的，是一个集中代表了现代经济、社会文化发展的全球化新兴产业，因此，引起了社会各方面的普遍关注。近年来，中国文化产业实践与理论的勃兴，为各项文化艺术事业提出了若干新的问题。对这些问题的深入思考与探讨，将有利于我们在文化艺术事业发展中辨清方向，明确目的，增加动力，取得实效。
21世纪的国际竞争实质是文化的竞争，文化竞争力成为了综合国力不可忽视的组成部分。文化产业是文化竞争力的载体和直接体现，发展文化产业竞争力的首要前提就是要全面提高艺术生产力。
艺术生产力的基本要素之一是文化艺术生产者。民族声乐教育是培养文化艺术生产者（歌唱者）的具体手段。中国的民族声乐教育为当代中国培养了众多的歌唱人才，一批优秀的歌唱者创造了一个民族声乐的时代，但这却没有构成相应的艺术生产力和文化竞争力——我们的民族声乐作品有多少打入国际市场？我们的民族声乐艺术家每年有多少人能在世界各地巡演？这些国际性演出又有多少经济回报？即使是在国内，问题也很严重：民族声乐的唱片出版远不如“通俗”畅销；民族声乐的专场演出很少且影响不大；民族声乐作品的创作风格手法单一且题材近似；而整个声乐教育界更为尴尬的是大多数声乐学生毕业后要改行……这些现象的存在给民族声乐教育提出了现实性的课题——我们到底该培养怎样的文化艺术生产者！
当今社会，在全球文化产业的环境下，作为文化生产力基本因素而显现出巨大能量的人已经不再仅仅特指歌唱艺术家群体，而是包括与之相关的策划者、制作者、管理者、经营者、传播者、批评者等等。正是由于众多从事文化艺术生产各个环节的人们的合力，才推动了艺术产业繁荣兴盛。民族声乐教育要成为综合国力发展的强大促进力，就要改变现行的教育理念：其一，民族声乐教育要培养具有声音控制表达能力的歌唱者，更要培养民族声乐艺术的歌唱家，他们作为艺术生产者，应能够完成某些特殊时代或地域文化风格的表达；其二，民族声乐教育在以培养歌唱技能为主的基础上，还要拓展教学内容和方法，使歌唱者懂得艺术价值的实现途径与手段——策划、制作、经营管理、传播等，以主动的姿态投入到文化产业的实践中去，改变目前民族声乐艺术产业的外行化和单纯追求经济利益的操作模式，使民族声乐学习者在文化市场中具有更多的主动权和更为广泛的生存发展空间。
当代科技的发展决定着现代文明具有技术品格，从而也决定着民族声乐艺术的生产传播方式的技术化特征。最先进的技术、设备、手段和方法在文化艺术生产各行业的广泛应用，也给民族声乐教育提出了如何使用科技手段提高教育质量的新课题。
面对激烈竞争的文化艺术市场，唯有能掌握科技手段进行艺术生产、积累和传播的艺术工作者，才能够脱颖而出。民族声乐艺术的传播在科技时代已不再是人际传播方式为主，而多为大众传播（广播、电视、网络，cd、vcd、dvd等）方式。现代数字技术为歌唱者创造了无处不在而又简便易用的各种录音、录像、制作加工、编辑合成等设备，每一位歌唱者首先都应该学会怎样使用录音、扩音设备，让自己的歌声符合常规的拾音效果（尤其是那些特别轻柔或特别强烈的声音的表达）。通过录音手段反复磨练具有自己特质的声音，让声乐的传播更富有准确、流畅、细腻、动人的魅力。另外，民族声乐的表演特征可通过数字录像设备得到深刻而丰富的锤炼。歌唱者面对镜头和面对镜子是完全不同的感觉，通过录像，客观地审视自己，才能准确地把握表演的要领和分寸，创造感人的视听效果。这自然需要对声乐教学设备的投入。一架钢琴作为声乐教学设备的全部家当，已显得原始和落后。培养现代化人才需要先进的思想，更需要现代化的设备。学校应对声乐教学提供高科技的教学设备，为培养新时期现代化科技含量高的声乐人才奠定物质基础。
当今的世界是一个由传播媒体结构而成的信息化世界，加拿大学者麦克卢汉把它称作“地球村”。由于传播技术的发达与普及，人们对于传播媒体普遍具有一种特殊的依赖性：信息、知识、文化娱乐等，都依赖于媒体的传播。民族声乐的发展也毫无选择地依托于传媒。因此，掌握传媒技术方法，提高传播意识和传播能力，是文化产业发展的重要基础，也是一切文化教育事业的紧迫任务。当下的网络媒体已经造成了音乐传播的火爆态势，网络不仅传播速度快，且传播面广，影响力之大已超过广播电视。在此情势下，民族声乐为什么要沉默？为什么不去传播自己而甘当受众？是自以为清高吗？不是！这一方面是传播意识不强，另一方面则是对当代技术比较陌生。声乐教师应熟悉并掌握当代科学技术，引导学生去学习、去实践。但事实却相反，有些教师对当今科学技术的发展状况不去主动了解，沉醉于传统的声乐教学模式，不思进取，有的甚至落后于学生，造成了教与学的被动局面。教师队伍现代科学技术知识的落后，是培养文化艺术生产者的一大障碍。其实，网络艺术传播手段也是文化产业的重要组成部分，各种各类音频视频编辑软件应用十分便捷且效果丰富，流媒体压缩格式的播放效率也越来越高，网络艺术传播已形成了强劲的潮流，冲击着传统的主流媒体。鉴于此，民族声乐教育应当开阔科学教学理念，开拓技术教学内容，加大技术设备建设力度，提高教师队伍素质，从而在人才培养、文化积累、艺术交流、媒体传播、产业提升等各个方面作出新尝试、新探索和新贡献。
当代科学技术的发展带动了文化产业的迅猛发展，但要使文化产业取得强大的竞争力，还必须注重保护、开发和利用文化艺术资源。在发展文化艺术生产力的过程中，文化艺术资源可以超越时间、地域、国家、民族等条件的限制，成为全人类的共同精神财富，以求得开发利用，同时促进世界范围文化消费、文化交流、文化贸易。
中国几千年的文化遗产是当今文化产业的巨大宝藏，如能开发得好，不仅能创造可观的经济价值，同时又能实现良好的社会价值；既能够保持文化生态平衡，同时又能创造出新的文化艺术品类，从而全面加强中国的文化竞争力。在这方面，民族声乐教育有着不可推卸的责任。
首先是保护。保护文化遗产，是开发和利用资源的先决条件。人类的音乐文化遗产是一种特殊的资源，是人类口头的非物质文化遗产。在中国音乐发展史中，宋朝以前的音乐主要是在歌舞形式中发展的，宋朝以后的音乐主要是在戏剧形式中发展的，显然，这些都与歌唱有关。所以说，在当今文化产业的环境中，民族声乐教育有着保护音乐文化资源的责任，这种保护不是封存或遮盖，相反，要动用一切可能的手段将它们展现起来并沿传下去。每一位民族声乐的学习者都应该掌握大量的中国民歌文献和唱法技巧（甚至包括原生态唱法），以使文化物种尽可能持久保留，从而保留住中国音乐文化的发展之源。这或许是民族声乐教育的艰深课题，但却是历史的使命与时代的责任！
有人质疑，现今有多少学生会唱自己家乡的歌？这虽然是一个非常简单的现象，但它却反映了一个深刻的、引起人们反思的社会问题。著名音乐教育家谢嘉幸老师在《寻找家乡的歌——音乐教育的现代化观念之三》一文中提到：“如果一种文化一开始就丧失它的个性，它的性格，它的‘灵魂’，这将是一个巨大的损失。”（《中国音乐教育》2001年第11期）这应当引起所有民族音乐教育工作者注意。“音乐是文化的灵魂，音乐是民族的血脉”，它融进了人们的情感，倾诉着人的喜怒哀乐，反映着民族的心理与性格，是具有民族独特风格的精神财富。今天我们提倡重视和保护民族民间音乐并不是封闭保守，是要为这个色彩斑斓的世界保留一份美丽的风景；如果作为文化灵魂的音乐有一天“进化”得没了个性与民族特色，带给人们无限欢乐的音乐将变得索然无味；我们曾经“只为那今天的村庄，还唱着过去的歌谣”而惆怅，如果不保护“文化生态环境”，中国在多元文化世界里将处于什么位置？谢嘉幸老师倡议，“为了使每一个学生拥有最优化的音乐素质结构”，音乐教育应该“先学乡土音乐，再学民族音乐，再了解外国音乐”。我们的学生既是民族民间音乐的传承者、表演者，又是欣赏者和创造者，重视本民族音乐文化的传承已成为国际音乐教育的发展趋势。国际音乐教育学会（isme）认为“世界音乐的丰富多样性给国际理解、合作与和平带来机遇”，而“我们的音乐教育中缺乏文化观念，我们的民族音乐观念一直很糊涂”的现象依然存在。
其次是开发利用。文化产业的主要竞争力，来源于对文化资源进行合理的开发和利用，使之物化为精神产品，传播于世。所谓“合理”的开发利用，主要是禁止一切破坏性的开发。对于民歌艺术的开发而言，一方面，忠诚于历史，保护其原貌；另一方面，尽可能全面地开发，让非物质文化渐渐长大。关于民歌艺术的利用。我们主要从民歌艺术所蕴含的历史特征、文化韵味和民族精神方面加以利用——现代戏剧、歌剧、舞蹈、电影、电视剧、电视小品、民族史诗等。一切艺术传播样式都能承载大量的音乐文化资源，只要利用得好，增值同时又能实现社会价值。大型现代吕剧《补天》以史诗的气魄、酣畅的叙事结构和精巧的选材，生动再现了建国初期8000名山东籍赴疆垦荒女兵为改造西北荒原奉献青春、汗水和泪水书写的悲壮历史，弘扬了人性的宽容、坚忍、和谐之美。现代吕剧《补天》的创作汇集了三位国家一级编剧、全国著名青年导演、获得梅花奖的一批优秀中青年演员等。艺术表演、舞美、灯光和音乐创作一起创造了入选2006年国家舞台艺术精品工程十大剧目之一，实现了艺术创作上的历史性突破，为传统吕剧增添了时代特色，震撼了到场观众的心灵。但它的经济效益又如何呢？此剧在广大爱好艺术的人群中知之又是多少？这样一部优秀的、大投入的戏剧为什么没有产生巨大的艺术与经济效应？是我们的戏不够优秀，还是我们对文化产业的意识不强？拿大型现代吕剧《补天》2004年11月在上海美琪大戏院的演出和李宇春2006年5月在上海大舞台的演出票价来比较，吕剧《补天》的最高票价是280元一张，而李宇春的最高票价则是980元。“超女”现象应当承认是文化产业成功运作的范例，它给我们带来的启示是多样的。我们民族民间的传统艺术应有文化产业手段的积极保护，当代中华民族声乐教育也应把保护、开发和利用音乐文化资源并使其充分增值作为自己的分内之责，因为只有民族声乐教育具有这种功能——培养民族音乐艺术的生产者。
在文化艺术活动中，只有形成文化市场的消费需求，才会有文化艺术的大规模生产。文化消费的需求促成市场的形成，巨大的消费市场空间对于艺术生产力的发展提出了新要求。文化生产力的发展使人类不再以物质资源为核心，而是以知识、智力等精神性资源为核心资源，它在一定程度上能够突破物质资源的有限性及其制约，充分发挥人的创造力和潜能，使人的主体地位普遍显现和提升，使个体能够自觉地追求个性的自由和自我的实现，这才是人们精神的最终消费需求。
民族声乐教育应面向市场，这或许不是个新话题，但却是个新课题。市场在哪里？怎样去面对？实际上，艺术生产按照美的规律创造出文艺作品，满足了艺术消费者的审美需求，而这种需求的满足又形成并提高了艺术消费者的审美能力和新的审美需求，反过来推动艺术生产向着更高、更美的境界发展。对此，马克思曾经作过一番形象的解释，他说：“钢琴演奏者生产了音乐，满足了我们的音乐感，不也是在某种意义上生产了音乐感吗？……钢琴演奏者刺激生产；部分地是由于他使我们的个性更加精力充沛，更加生气勃勃，或者在通常意义上说，他唤起了新的需要，而为满足这种需要，就要用更大的努力来从事直接的物质生产。”（《马克思恩格斯全集》第46卷上册，第264页）由此可见，文化生产力作用于人的影响远大于物质生产力的作用，它对人的心理、情感甚至对人的生理都会产生影响。
培养具有现代市场意识的民族声乐人才，不仅要使他们在理论上了解市场循环的规律，更要锻炼他们具体的市场操作能力。文化产业是专门为大众消费而生产产品的现代产业部门，它的产品从一开始就是作为供市场销售的可互换物而加以生产的。因而其中包含两层生产关系：一个层面是艺术创造者——艺术家、制作者、管理者、传播者及批评者之间的关系。在这当中，艺术的个性表现或风格寻求与把握占主导地位。另一层面是产业生产——包含文化艺术生产与消费的关系、艺术生产资料所有制关系等等。在这当中，文化的命运与资本的命运紧密相连，一切要按市场规律运转，制造需求、占领市场、获取利润成为文化艺术生产的重要方向。要使民族声乐教育能够培养出具有市场意识的人才，就要不断地让学生观察市场、调查市场、策划市场，摸清创造需求的路径和方法，探索营销手段，计算生产成本，锻炼市场意志，从而以专业的技术、全面的能力和全新的姿态，展现出新时代中华民族声乐艺术创造者应有的风采。
声乐演唱论文篇十四
少儿声乐，是充分利用童声期的嗓音条件，结合气息运用等发声技巧的一种少年儿童的演唱形式。 下面整理了一些少儿声乐演唱知识，一起来看看吧!
少儿声乐训练有其自身体系的方法与理论。再好的嗓子，没有方法作保障，就会像一辆好车，不经常保养，不受爱惜一样，虽然“出身”名贵，但是仍然要提前报废。越是这种情况越需要小心谨慎、爱惜嗓子。因为嗓子好，所以会常对一些误区不重视，损伤也似乎不明显，一时无法意识到，而到“冰冻三尺”那一刻，却已经为时太晚。嗓子是很难“重塑金身”的。
少儿声乐针对的演唱对象是未成年的儿童群体和处于变声期前的少年。这部分人群的特点是嗓音条件非常娇嫩，非常需要科学的方法进行保护。但是，进行科学、系统的训练不但可以在现阶段保护他们的嗓子，对其将来继续歌唱也具有一贯的延续作用。少儿声乐不是完全独立、完全区别于其他的歌唱形式的发生方法，它与其他硬性划分的通俗、民族、美声等唱法具有共同的发声原理、相似的歌唱要求与审美标准。在完成变声期的转变后，学生可以进一步学习歌唱要领和进行其他素质的.培养。
少儿声乐可以简单的理解为少儿歌唱，但是又远远没有那么简单。众所周知“台上一分钟，台下多年功”的道理，任何事物的突出和优秀都是遵循其必然的要求和规律，经过长期的努力与积累得来的。少儿声乐包含着多种音乐素质、心理素质、反应素质和文化素质等综合素质的因素，不是简单的张口一唱就能够完全达到的。歌唱仅仅是其载体形式与外在显现，而深刻的内涵都蕴含其中。
少儿的嗓音条件因为生理原因确实比较特殊。但是并不是不能歌唱，事实上每天说话方式不当造成的损伤更大。而只要经过科学的训练，就能够避免损伤嗓子的情况。说的更清楚一点，无论什么人，什么年龄都会面临着用嗓不当而带来的损伤，不是少儿阶段独有的状况。西方国家，充分利用儿童的音质进行科学的训练与演唱已有千百年历史，我国包括美声、民族、通俗等唱法都还处于起步阶段，因此，寻求科学的方法与高素质的教师是最为重要的。
少儿声乐需要“天赋”。但是什么是天赋呢?我们往往把天赋说的、想的很神奇。其实不然，超级的智商的确让人神往，但是声乐更需要情商。我们多数人都是两者一般的人，超级天才实在难觅。伟大科学家说过：天才是百分之九十九的汗水换来的。如此看来，天分只有百分之一，关键看后天努力。所以一般人是适合进行开发训练的，而且事实上历史上的音乐天才几乎鲜有记载。神童莫扎特自己都说：我的努力程度胜过任何一个人。他的英年早逝，很大程度是严重超负荷所致。
显性的作用可以表现为唱歌很棒、由此信心十足，开朗大方等等，但事实上还有更多的潜在的作用，一时难以亲见。对孩子想象力的开发、情感表达、表现力的培养、内在气质与性格的熏陶都是更为重要的。声乐主要是表现人的内心世界，其作用也明显的体现在内在领域。
声乐演唱论文篇十五
目前在声乐演唱方法上一般常用四种演唱方法：美声唱法、民族唱法、通俗唱法和原生态唱法。下面是小编为大家带来的关于声乐演唱方法分类的知识，欢迎阅读。
产生于17世纪意大利的一种演唱风格。以音色优美，富于变化;声部区分严格，重视音区的和谐统一;发声方法科学，音量的可塑性大;气声一致，音与音的连接平滑匀净为其特点。这种演唱风格对全世界有很大影响。现在所说的美声唱法是以传统欧洲声乐技术、尤其是以意大利声乐技术为主体的演唱风格。在文艺复兴思潮的影响下，逐渐产生了歌剧，美声唱法也逐渐完善。佩里根写出意大利最早的歌剧《达芙妮》，1600年又写出了歌剧《犹丽狄茜》。作曲家的创作，使歌剧突破了以往的唱法。歌剧中要求咏叹调和宣叙调相结合;要求合唱和重唱相结合;宣叙调需要足够的气息支持，要求明亮优美的声音能穿透交响乐送到观众耳边。歌剧的出现，使美声唱法趋于完善。
美声唱法传入我国，是在五四运动以后，并逐步在我国古老的大地上生根，发芽。美声唱法对我国声乐艺术无疑是起了巨大推动作用。近年来我国年青选手纷纷在国际声乐比赛中获奖，更进一步说明运用美声唱法来解释和表达外国声乐作品的艺术水准已达到相当水平。但如何使中国声乐走向世界?如何把美声唱法的优点不断的与我国声乐艺术、语言特点相结合而形成中国声乐学派，这还有大量艰苦细致斩工作，需要广大的专业和业余的声乐爱好者去不懈的努力。
意大利文中称美声唱法为bel canto。我国在开始引进这种唱法时，把bel canto翻译为 “美声唱法”，并把学习这种唱法的人统称为“美声学派”。其实bel canto这个词意大利语的真正含义是“完美的歌唱”。我们仔细分析一下，“美声唱法”与“完美的歌唱 ”之间，在含义上是不尽一致的。“完美的歌唱”不仅仅包括声音，它还应该包括歌唱的内容及歌唱者的风度、仪表、气质等等。而“美声唱法”很容易的被顾名思义地理解为具有“美好声音”的唱法。把“完美的歌唱”理解为“美好的声音”，用田玉斌老师的话说，这种不全面、不准确的理解，使我国的声乐在发展中走了一些弯路。在很大程度上把美声唱法理解为只重视声音，声音高于一切，而忽略了其它方面的学习。因此致使不少学习美声唱法的人，在学习和实际歌唱中，要么重声不重字，要么重声不重情，甚至有的歌者非但不重字和情，就连声音也是装腔作势，唱起歌来很不感人。
基于以上原因，在声乐界有人曾主张将“美声唱法”改为“美歌唱法”。其目的也是为了能准确地认识美声唱法的'，含义，以避免在理解上乃到在实践佧莂出现偏差。其实， “歌”与“声”是不能划等号的。“声”是“歌”的“载体”，但决不反映“歌”的内容。在对“美声唱法”的称谓上已经约定俗成的情况下，再去在名称上大做文章，是无实际意义的。我们可以延用“美声唱法”这一习惯称谓，但关键是如何使美声唱法与我国的歌唱语言相结合，使歌唱者既能唱好外文歌曲，也能唱好中文歌曲。
运用好美声唱法，还应该知道美声唱法包括哪些实际内容和原则。基诺.贝基先生在讲学中的有关美声唱法的一系列主张和论述，经田玉斌老师概括整理为以下六个方面内容：
(1)美声唱法有声部之分;
(2)美声唱法要求声区统一;
(3)美声唱法要求母音一致、吐字清楚;
(4)美声唱法要求声音连贯;
(5)美声唱法要求具备良好的音乐修养;
(6)美声唱法要求声情并茂。
以上六点是美声唱法的重要内容，也可以说是六个重要原则。之所以称之为原则，是因为学习美声唱法的人必须严格遵守，而且是缺一不可的，否则很可能是不完全和不完美的美声唱法。
广义地讲可以包括戏曲、曲艺、民歌和带有这三类风格的创作歌曲的唱法。
这里所指的民族唱法则是作为狭义地来理解，主要是指演唱民族风格较强的声乐作品时所用的技术方法及一些规律。它们既是从戏曲、曲艺、民歌这些民族传统唱法中提炼和继承下来的，同时又借鉴和吸收了西洋唱法中优秀的结果。研究民族唱法尤其不能离开民族语言，因为歌唱语言是生活语言的艺术加工。我国民族传统唱法上常提到“字是骨头，韵是肉”、“字领腔行”，甚至带有艺术夸张地说：“千斤白，四两唱”，可见对语言因素的强调与重视。因此语言规律的差别以及对咬字、吐字、语言在演唱上的不同处理与强调程度，是民族唱法和西洋唱法的原则区别。语言既是咬字吐字的依据，也是发声、用气、共鸣等技术手段的依据，又是音乐曲调的依据。而语调、语气、语势则是形成风格的主要因素。
民歌和民歌风格的歌曲带有浓郁的地方音调，在演唱时如能用方言更能表达其内容与色彩，但是地方语与汉语普通话的总规律是相同的，因此用普通话来演唱也是行得通的。
在风格处理上北方民歌要豪放悍犷一些，南方民歌则要委婉灵巧一些，高原山区民歌要高亢嘹亮一些，平原地区民歌要舒展自如一些。我国是个多民族、地域广大的国家，因而语言丰富、民歌风格多彩，不能一言以蔽之。一首歌曲是先有歌词后再谱曲的，演唱者不仅是在重视词作者和作曲者的歌词和音乐，而且是在进行一次艺术再创作，要使词曲溶为一体。既要考虑到曲调的规律又要照顾到语调的起伏，用咬字吐字的技巧将语言加以艺术化、音乐化，才能达到词曲结合的要求。
通俗唱法始于中国二十世纪30年代得到广泛的流传。开始叫流行歌曲唱法，后来称通俗唱法。
其特点是声音自然，近似说话，中声区使用真声，高声区一般使用假声。很少使用共鸣，故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器，演出形式以独唱为主，常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美。感情细腻真实。
通俗唱法声音的主要特点是完全用真声唱，接近生活语言，轻柔自然。强调激情和感染力，演唱时有意借助电声的音响制造气氛，所以很注意话筒的使用方法和电声效果。
通俗唱法以青年为中心，可以说是：写青年，唱青年。青年唱，青年听。
古己有之的那种通俗唱法，并非我们目前所指的典型意义的通俗唱法。现代通俗唱法，有两个重要的特性，一是它风格样式国标化;二是它与现代高科技电子技术结合。
二十世纪八十年代，由于政治经济上的改革开放，文化上的禁锢被解除，国门大开，首先是港台通俗音乐一拥而进，形成热潮。这决不仅仅是因为年轻人在经济上的独立，而是由于流行音乐有青春活力。展示了人们是如何生活的意愿。
同时，一大批通俗歌手不断涌现，并风格各异，五彩缤纷。通俗歌曲从此也受到了国家和人民以及音乐界的极大关注和重视。
原生态民歌，顾名思义，就是我国各族人民在生产生活实践中创造的、在民间广泛流传的“原汁原味”的民间歌唱音乐形式，它们是中华民族“口头非物质文化遗产”的重要部分。
民歌是各族人民智慧的结晶，是各个历史时期人民生活的生动写照。这些歌曲直接产生于民间，并长期流传在农人、船夫、赶脚人、牧羊汉以及广大的妇女中间，反映着时代生活的方方面面，可以说是各个历史时期人民生活的生动画卷。这些歌由大众口头创作，并在流传中不断地得到丰富和发展，歌词越加精炼，曲调渐臻完美，具有很高的艺术价值。民歌的语言生动传神，它并不是将简简单单的生活语言直接拿来，而是也讲究韵律，讲究比兴等传统的诗歌手法，源于生活而高于生活，是百姓的杰作，是大众语言的精华。
我国民歌的种类极为丰富，主要有内蒙古的长、短调牧歌，河套及周边地区的漫翰调、爬山调，陕北和山西西北部的山曲、信天游，甘、青、宁地区的花儿，新疆的十二木卡姆，陕南、川北的姐儿歌、茅山歌，江浙一带的吴歌，赣、闽、粤交汇地区的客家山歌，云、贵、川交界的晨歌、大定山歌、弥渡山歌，藏族聚居区的鲁体、谐体民歌，以及其他各民族的山歌等。
据专家介绍，“原生态”这个词是从自然科学上借鉴而来的。生态是生物和环境之间相互影响的一种生存发展状态，原生态是一切在自然状况下生存下来的东西。原生态民歌是老百姓很自然地表达出的东西，而把很多民歌进行改编等则是原生态状况的变异，属于非原生态。
原生态唱法只是区别于学院派民歌唱法的一种说法，学院派民歌唱法大多吸收了一些西洋唱法，原生态唱法却是一种原始的未加工过的唱法。
声乐演唱论文篇十六
练声可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名1234567等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。要有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的。下面本站小编整理了声乐演唱练声方法，供你阅读参考。
1、“哼鸣”的基本练习。
一般在开始练声时，先练练“m”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好像闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。
2、母音的练习。
除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a、e、i、o、u等单母音练习，也可用混合母音练习如ma、me、mi、mo、mu等等。
3、连音练习。
4、顿音练习。
顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。
5、连音和顿音结合的练习。
在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好像是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。
6、保持共鸣位置不变的练习。
找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。
7、声音灵活性的练习。
这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。
8、字声结合练习(带词练习)。
要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。
9、练声注意事项。
1)要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。
2)在没有能力唱高音之前，切勿做高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。
3)每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。
4)练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
1)呼吸方法与训练：实际练习发声以前要首先对呼吸加以训练，找到并掌握呼吸的感觉。仔细体会睡觉的吸气感觉，这是最舒服也是最自然的一种方法。也可以体会吸一口气准备吹桌上的灰尘、吸气以后，像打喷嚏之前那样短暂的一憋，体会一下腰周围的扩张、膨胀的感觉，找到这种对抗的(称为呼吸支持)感觉。呼气的时候最主要是保持吸气的感觉和状态，让吸气肌群有控制的、漫漫的放松，使气息畅通无阻的输出，直至歌声、乐句、停顿、结。要很好的利用横膈膜的力量，把腰圈扩张的感觉一直保持住。
2)喉头和声带：喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些(就像我们深吸气时的喉头感觉，喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。
3)打开喉咙：打开喉咙主要是指打开咽喉腔部分，是后、口、鼻整个咽腔形成一个适合于发通道，使气息能畅通无阻的运行，的在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何“打开喉咙”呢?首先是“打哈欠”的状态“打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”“挤”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。其次是用“微笑”状态来打开喉咙我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌(颧骨)呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。
4)训练好中声区：中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该靠前，明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。
5)练习高音区：高音区常常在作品的高潮中出现，有着激发听众情绪、振奋人心的力量。唱好了高音，会给整个演唱增添光彩。因此，具有响亮的、金属般的高音对歌唱者来说是非常宝贵的，在找到了自然声区，打好了中声区的基础，又掌握了换声区的技巧后就可以进行高音的练习。唱高音时，两颧骨要更积极开放，整个歌唱状态要更加积极向上，兴奋。随着音高向上，下颌需要松弛地向下，向两侧向后拉;小舌头提起如打哈欠似地吸住气，使喉咙更加打开，喉头不可随音高往上移动，而是相反，逐步下降，保持在吸气的状态，当然这个状态必须有气息的支持。
声乐演唱论文篇十七
少儿声乐可以简单的理解为少儿歌唱，但是又远远没有那么简单。今天小编就给大家讲讲儿童声乐演唱技巧，希望大家喜欢。
首先，在教学术语的选用方面，要采用大胆的设想、形象的比喻与描述的手法，把抽象的方法、位置和感觉具象化，并用十分简洁的语言表达出来。
最好具体到某一物象，用一句话或一个词汇来表达，甚至还可以用手势、动作来表达。用很简单的词汇代替繁琐的理论，发挥儿童的优势，避开儿童的弱势，把复杂抽象的声乐教学变得简单而轻松，简洁、形象、准确的教学术语，是打开儿童声乐思维之门的“金钥匙”。
气息训练是指腹式呼吸训练和歌唱时的气息保持训练。从气息训练开始，是指在正式声乐训练前，应对儿童进行必要的歌唱气息的准备训练，使之先体会到气息的位置，形成一定的气息概念与实践经验。这样，在以后的'声乐训练中，儿童可以自觉地用上气息，或在教师的指导下，很快把气息与其他的方法融为一体，在声乐学习中起到事半功倍的效果。
有步骤分层次地展开教学，是指根据儿童思维的特点，教师要把气息、喉头位置、声带感觉和头腔共鸣等方法根据儿童的学习程度和理解能力，按照从易到难、先分后总的顺序，分层次、分阶段地进行训练。
对于每个具体方法的学习，都要先做独立的专门训练，再与其他方法相结合，而不是所有的方法一拥齐上，避免儿童因不能控制多种意念，顾此失彼而找不到感觉，教师只要在当前的训练内容不受影响的前提下加以肯定，就能收到“鱼和熊掌兼得”的效果。
儿童的声带短、薄、韧性差，十分稚嫩，在儿童声乐教学中要时刻注意的就是保护儿童的声带。
保护儿童稚嫩的声带，不仅要以正确的发声方法、巧妙得当的教学方法以及对错误发声的及时纠正来完成，还要求在声乐训练的时间、强度和歌曲的难易程度上加以把握。因为，即使发声方法正确，长时间的训练也会使声带疲劳，粘膜受损;即使发声方法正确，大声或高声的重机能发声也会增大气流对声带的冲击力，增大声带的张力。对于儿童稚嫩的声带，长期这样的训练是难以承受的，会导致声带粘膜充血，声带局部增厚，声带小结等病变。
因此，要根据儿童的具体情况适当地把握训练的音高、音强和训练时间。
一般来讲，儿童的声乐训练应以学习和掌握正确的发声方法为目的，以自己的自然声区为基础，音域不超过一个半八度，中等音强，尽量使用轻机能唱高音，每次的训练时间在半小时左右，并且中途要休息两次，让声带得到休息，恢复弹性。
另外，还要根据儿童的具体情况选择适合的歌曲。要根据儿童的音域和学习情况及演唱能力来选择在演唱中没有障碍又能充分展示其发声技术的歌曲。因为儿童刚刚学到或掌握一些发声方法，概念还没有形成，位置还没有巩固，额外的发声难度会导致儿童感觉的偏移和发声的失败。
对于初学声乐的儿童，一般选择音调适中，旋律优美、上口，没有大跳音，闭口音不多的歌曲。因为这样的歌曲不但不会给儿童增加额外的发声难度，而且还在不伤害儿童声带的同时起到巩固发声方法的作用。
自然的童声是两片短小的薄薄的声带振动发出的纯净的基音，加上口腔共鸣形成的明亮清脆的个性音色，稚气可爱，非常迷人。但这是一种自然的音色，缺少科学发声方法的支持，头腔共鸣比较少，因此歌唱时高音上不去，喊的成分比较多。
学习了科学的发声方法，加入气息和头腔共鸣，音色就会有所改变，变得圆润、浑厚，但会失去一些明亮度和稚气感。但是，解决了高音，并且头腔共鸣能产生一种饱满和通畅的感觉，因此，在儿童的声乐教学中，不能因为怕改变明亮可爱的自然的童声音色而在发生方法上有所保留。
学声乐学的就是科学的发声方法，如果因为自然的童声音色好听，就不学头腔共鸣，对儿童来讲，最终会得不偿失。因为，随着儿童身体的发育，自然的童声最终会失去，而科学的发生方法会使他终身受益，是他永远的财富。
因此，不盲目追求音高或音色，变尖亮为通透，追求童声的艺术美，把科学的发声方法放在第一位，才是儿童声乐教学的正确的指导思想。
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