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宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇一
蒙古族宫廷音乐形成于蒙古帝国时期(公元1206～1259年)，元朝时期(公元1260～1368年)趋于成熟，到了北元时期(公元1368年)宫廷音乐成为定型的音乐类型。蒙古帝国时期的宫廷音乐是以“礼仪性音乐”为其重要内容。
蒙古族宫廷音乐主要包括具有民族民间音乐艺术特点中的礼仪音乐、多种类型的杂戏音乐、宫廷祭祀音乐、宫廷乐舞、乐器和器乐等。
一、礼仪音乐
宫廷礼仪音乐与蒙古族的风俗文化有直接关系，蒙古民族从古至今都有对来宾或客人热情友好的民族风俗，在元代的宫廷音乐艺术中形成了自己的音乐特点和不同表演形式。
例如在朝廷庆典时表演的“欢庆音乐”，在来宾时表演的“迎宾音乐”，在皇帝登基时演奏的礼仪乐曲，在专为汗主表演的“敬奉音乐”等。音乐均由蒙古族上层的专业乐人来表演，他们所演奏的乐曲具有着宫廷音乐的代表性。
蒙古可汗们在宫廷中不仅有礼仪音乐，在他们登基封号时也举行大型的风俗礼仪活动，所有的音乐内容几乎都是千篇 一律为可汗歌功颂德的。
元代的蒙古族宫廷的礼仪音乐继承了辽代燕乐的大乐和散乐的乐舞音乐。所谓辽燕乐，是指辽代宫廷中宴请宾客所奏的音乐，是辽代最有时代精神和民族特色的乐舞形式。
例如“大乐”是用于朝廷欢乐的宾仪和嘉仪，组列堂皇，气势宏伟，容金玉、丝竹、匏革于一炉，集打击、鼓吹、弹挡于一腔。仅乐器就有30余种，舞部最少也有20余人，是以景云乐、庆善乐、破阵乐、承天乐四部乐舞为主。内容形式如：在天祚帝天庆元年e寿仪，从皇帝出东阁至入西阁，乐舞庆贺程序50余道，百官及所有成员“正襟跪坐”，演奏的礼仪音乐与娱乐合为一体，气势庄重热烈。
“大乐”所用的乐器有玉磐、方响、筝、筑、箜篌、琵琶、五弦、吹叶、笙、筚篥、箫、钹、笛、鼓、贝等。
例如辽燕乐的“散乐”，是指原始古代各种乐舞的总称。散乐在带到辽国时，它经过了历代的文化融合的过程中，融入了契丹民族的杂戏、手技、角觚内容，形成了契丹族的内容丰富、质朴健康、喜闻乐见的辽代散乐体系，更有民族特点。
散乐所用的乐器大多为龟兹或西凉乐器，它以筚篥和琵琶为主，还有箫、笛、笙、五弦、箜篌、筝、方响、杖鼓、腰鼓、大鼓和拍板等十余种乐器。
蒙古族宫廷音乐上承隋、唐、宋、辽燕乐传统，下开明、清乐舞先河。元代的蒙古族宫廷礼仪音乐，继承和发展了辽代燕乐的音乐艺术表现特点。到了元代，乐舞音乐已成为了系统化的蒙古族宫廷礼仪音乐，却富有着本民族音乐的风格。宫廷礼仪音乐采用的音乐主要是汉族的曲牌、散曲或其他少数民族乐曲，但所填词体现了本民族的语言特点和民族的宗教色彩，其内容则是为可汗皇帝歌功颂德。宫廷礼仪音乐是以传统歌舞音乐为表现特征，它扎根于蒙古传统音乐的土壤，融汇了其他民族音乐的精华，反映了蒙古民族的礼乐时尚艺术特点。
二、多种类型的杂戏音乐
杂戏音乐是指以戏剧音乐为主的包括各种类型的表演艺术。元朝时期，在蒙古族聚居区广泛地流传着“鞑靼戏”，宫廷中有各种类型的戏剧形式。在宫廷里表演的戏剧形式是以为主，情节内容多数取材于神话传说和民间故事。
元朝的戏剧艺术在我国文学史和戏剧史上占有重要的地位。戏剧艺术的的多样化也反映了元朝时期蒙古民族和其他民族对戏剧艺术作出贡献的事实。在这个时期兴盛起来的戏剧艺术，主要是通过吸收北方各民族音乐文化的精华而得以发展的，尤其是元杂剧的艺术的振兴是各民族文化相互交融的结晶。
蒙汉两个民族的语言有着共同的韵律特点，在元杂剧中有很多蒙古语词汇。例如，元杂剧中用汉语拼音的“额吉”(母亲)、“忽儿齐”(演奏胡琴者)“哈敦”(夫人)、“萨墩”(亲戚)、“诺彦”(长官)、“阿都齐”(放马者)、“腊格里”(天)、“嘎吉儿”(地)、“毛里’(马)等蒙古语。由此可见，对元杂届发展作出了贡献。
随着元杂剧艺术的发展，蒙古趋宫廷音乐的表现形式和内容也更加三}富起来，除了多种类型的戏剧艺术外宫廷里还有散曲艺术和木偶戏等。宫廷中设立了专门的艺术表演场所，演员分工明确，有专职的歌手、戏剧演员马戏表演者和乐工等。当时元曲作家代表人物有阿鲁威和蒙古族著名剧作家杨景贤等。在作品方面，杨景贤的创作有散曲和杂剧两部分。杂剧作品由18种之多，如《西游记》《刘行者》《盗红绡》《鸳鸯宴》等。
通过研究元朝宫廷中的多种类型戏剧艺术，不仅可以了解蒙古族宫廷音乐的重要内容，也能进一步探究蒙古族宫廷音乐艺术和民间音乐艺术的关系。
三、宫廷的各种祭奠、祭祀音乐
宫廷各种繁杂的祭奠、祭祀音乐内容丰富、使用有序。如丧礼音乐。祭祀时。则用雅乐，在朝会宴飨时就用燕乐，效祀、祭礼宗庙、祭祀社稷、先农之祭等都有特定的乐章、乐舞。
在元朝时期开始祭奠蒙古族历史上的汗主、伟大的政治家、军事家成吉思汗的传统习俗流传至今，现已成为蒙古族传统的一项内容，俄罗斯蒙古学者符拉基米尔佐夫说：“在蒙古帝国时期，蒙古贵族就制定了成吉思汗的祭祀活动。”距今已有700多年的历史了。
在祭祀过成中演唱的“祭祀歌”、“大词”、“小词”、“祝赞词”、“诗词”等不仅有严格的规定，还具有蒙古民族的艺术风格及宫廷音乐特点。例如，《金宫祭礼》中的宫廷大祭就有规定的词句和12首歌曲。其歌曲《伊克蒙古》(大番曲)中这样唱道：
啊啊噜，啊啊噜，啊啊噜
好议嘛责，教啦啦咳，啧贵珠，
元皇，啊啦楚咳，赦啦啦咳，
沙珠，啧贵珠，越皇，啊，
敖啦啦咳，伊里来，伊里牙!伊里牙，
元皇，敖咳啊哈噜。
从《伊克蒙古》(大番曲)的曲调来看，它于民间音乐有着密切的关系，这首乐曲是传入宫廷的民间音乐或者是来自民间的宫廷音乐。
(大番曲)是从民间艺术中吸取了营养，在经过当时服侍汗主的文人墨客加工和提炼而成的，它是一首重复乐句式的乐段体结构，旋律多以同音反复的上下进行的宫廷音乐。多数宫廷音乐都是来自民间，是在民间艺术的基础上产生的。例如祭祀、祭奠的宫廷音乐使用的大部分曲调都与民间舞曲、诗史曲和萨满曲有着源流的关系。
四、结语
历史上的宫廷音乐与民间音乐它们有着相互转化的过程，蒙古族宫廷音乐的形成最初也是来自民间音乐。宫廷音乐与民间音乐，两者不仅有对立的一面，也有相互依存，彼此渗透，在一定的条件下相互转化的一面。蒙古贵族在占有人民所创作的物质财富的同时，也占有他们创造的文化财富，其中包括音乐舞蹈在内，宫廷的音乐舞蹈在长期的流传中逐渐变成为民间的音乐舞蹈。例如，元代器乐曲的《白灵雀》《海青拿天鹅》以及来源于倒喇戏“甄灯舞”的鄂尔多斯民间舞《顶碗舞》等，均为转化的例证，这也充分体现了蒙古族宫廷音乐的艺术特点。
1.以我为主：保持本民族固有的礼仪传统。
2.便宜行事：根据需要创立新的宫廷礼仪制度。
3.博采众长：大胆吸收其他民族和国家的宫廷音乐。
通过对蒙古宫廷音乐的研究，可以加深对蒙古历史、文化、信仰、风俗、法律、语言及音乐艺术的了解和传播。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇二
宫廷音乐的概念界定：服务对象主要为统治阶层的音乐团体、音乐机构，在宫廷仪式化活动（祭祀、宴飨、朝贺、出行、迎客）或供统治者娱乐所表演的音乐形式、音乐内容均可列为宫廷音乐。千百年来，宫廷音乐伴随王朝的更迭得以传承，发展为独特的音乐文化形态。清朝作为我国封建社会最后一个王朝，其政治统治由满族入主中原而建立，其宫廷音乐伴随清代政治、经济、文化的发展、对外征战、民族融合与交流而历久弥新，经历借鉴、补充、发展与完善，呈现出继承性、创新性、总结性、多样性等鲜明特征。其形成原因有三：继承前代，自主创新；对外征战与民族融合；宫廷音乐与民间音乐交流互动。
一、清代宫廷音乐的时代特征
（一）统一性与多样性交替的时代特征
清代宫廷音乐按其主要用途及用乐场合、对象可分为两大类：典制性音乐和娱乐性音乐。典制性音乐包括祭祀乐、宴飨乐、朝会乐、巡幸乐，被称为“清乐四品”或“清乐四部”。典制性音乐主要配合典礼完成仪式而进行，依附于政治意识形态，具有统一性、严肃性和隆重性、偏为板眼等特点。魏文侯“听古乐唯恐卧，听郑卫之音不知倦”说明“雅、郑”所呈现的不同功效，也预示了随着历史的前进，这种过于板眼的礼乐发展空间将会狭小，甚至为娱乐音乐发展的浪潮所淹没。而这里所说的娱乐性音乐其目的、演出场合、及对象主要是为了满足统治者及宫廷人员的休闲娱乐需求而设置，并在众多娱乐性场合进行演出。
清代宫廷音乐中娱乐音乐的主流当属戏曲音乐。戏曲在清代宫廷娱乐性音乐中作为主流形态而发展。这一现象反映了人们对于丰富多彩的娱乐性音乐的需求较前代相比有明显增长，具体而言与清代政治经济文化的发展密不可分。戏曲以其独特的艺术魅力愉悦着各类人群的日常生活，无论平民百姓、王宫大臣、帝王后妃都对戏曲情有独钟、津津乐道。其雅俗共赏的特点在清代繁盛一时，达到顶峰。康熙帝统治期间，“海清河宴，岁时式序”“比户皆弦诵之”。乾隆时期，无论是民间茶楼艺馆，还是宫廷后苑，戏曲舞台演出的盛况无不彰显戏曲巨大的社会影响及人们对于戏曲的迷恋程度，可谓知音满堂。
（二）地域性与民族性交融的时代特征
清代宫廷音乐中的歌舞乐以其盛大纷杂的演出效果，成为宫廷音乐中不可缺少的一部分。在清代，不同少数民族的歌舞乐历经民族间的交流融合，在演出形式、表演内容、歌词配乐等方面均有突破，无不彰显地域性与民族性交融的时代特征。
庆隆舞是清朝统治者所属民族——满族所创的传统舞蹈，也是清代最重要的乐舞之一。“庆隆舞”产生于今松花江流域、黑龙江中下游，在地域环境影响下，“蟒式舞”在节日及宴会等仪式被表演，成为表达人们欢庆与祝福的特别符号。莽式舞有诸多样式：起式、摆水、穿针、吉祥、单奔马、双奔马、怪蟒出洞等，规模宏大，参演人数众多，被用于严肃性、程序化的重大仪式之中。另有木卡姆、囊玛等带有浓郁西域特色乐舞进入宫廷，从中也不难发现这些乐舞颇具地域性与民族性交融的时代特征。
另外，清朝作为一个统一的多民族国家，少数民族入主中原的历史特殊性使其更加注重同周边其他民族的交流与联系。清宫燕乐主要表现为少数民族音乐，例如四夷之乐。在其对外征服其他民族，统一政权的过程中先后吸纳了高丽国排、瓦尔喀乐、蒙古乐曲、番子乐、回部乐、缅甸国乐、安南国乐并用于宫廷宴飨，进而增加了清代宫廷音乐的种类。
（三）继承性与创新性兼备的时代特征
清代承袭明朝宫廷音乐管理体制，设立教坊司，管理宫廷音乐及排演事务，其表演者多为江南地方搜罗而来的乐工。与前代教坊司不同之处在于，清宫廷燕乐由教坊司女乐承担。1644年多尔衮率领清军入关后，顺治帝从民间挑选十八乐工，组成随銮细乐，大多在皇帝巡幸或举行祭祀典礼时奏乐演出。
清朝统治者对宫廷音乐是特别重视的，但由于地域限制并其祖先为北方少数民族，长期的游牧生活形成游牧文化。在其入主中原后与先进的农耕文化碰撞交流，面对历史悠久长期处于强势地位的汉族文化，清朝统治者进行逐步“汉化”的过程，因此清代的宫廷音乐基本沿袭前代，符合社会及历史发展趋势。同时，清代的统治者在一些方面进行了创新，体现浓厚的过渡性特征，对于今天文体院团之管理体制的改革有着很强的借鉴和启迪意义。雍正时期，中国历史上长达两千多年的乐籍制度被取消，乐人由原先的封建人身依附关系改为雇佣关系，乐户的“贱民”身份从法律层面上得以消除，逐步提升了宫廷专业音乐演员的社会地位，进而从根本上促进了清代宫廷音乐的发展与建设，显示了继承性与创新性兼备的时代特征。
二、清代宫廷音乐的文化发微
清朝统治阶层，为了其统治利益，面对长期并处于强势地位的中原文化尤其是儒家文化，只得接受汉文化，继承其精华部分达到统治满汉的目的。清代宫廷音乐在与汉族文化的融合中得以充实和延展。同时宫廷音乐的长期发展过程中对传统儒家文化有著多方面影响。具体表现是继承并且充实中国传统汉民族音乐文化的形态，传统雅乐并延续其主导地位。
宫廷雅乐从内容上多为程序化音乐，大多为庄严而隆重，歌功颂德，宣扬统治思想，风格上平和典雅。清代更为重视雅乐，具体而言，宫廷音乐中最具代表性的雅乐是用于祭祀、朝会、大阅的中和邵乐。在传统的观念中，雅乐与俗乐之间的绝对界限不能逾越，结合中国古代音乐的实际发展状况来看，宫廷音乐中用不用俗乐，取决于统治阶层的诉求。清初，俗乐开始进入宫廷“国初亦设教坊司，而朝会宴飨所奏，有用时俗曲调者。”“太常乐员例用道士。”这一事实表明清初雅乐中亦有俗乐的身影，但俗乐并不占主流地位。清代提倡雅乐可兴，郑声不可废，更是坚持了雅俗融通文化的益处。乾隆时期是清代宫廷雅乐最为鼎盛的时期，其宫廷中的娱乐性音乐则更胜一筹。戏曲音乐充斥宫廷，歌舞升平，成为宫廷音乐另一主流文化。
综上所述，从儒家文化、俗乐文化等维度延伸，可以窥见清代宫廷音乐的包容性。一方面儒家文化引导着宫廷音乐的内涵，另一方面娱乐文化又丰富了宫廷音乐的形态。统治者的推波助澜使儒家文化、俗乐文化、宫廷文化三者并未相互排斥，而是以一种并存状态互相渗透、互相影响，符合儒家文化的“中和”思想。清代宫廷中的典制性音乐——祭祀乐对礼乐文化有深层影响。从隋唐始已明确将祭祀分为三等，清帝王也依此旧制。据史料记载，清代宫廷每年的祭祀活动非常频繁。清入关之前祭祀活动、仪式、对象简单，主要是满族的祭祀传统，如祭堂子、祭祖先等常祭。入关之后吸收了汉文化，祭祀对象众多，范围扩大，并且承袭周代传统，将祭祀对象分出等级，配以不同的音乐规模、乐器编配和祭品等。
任何文化的发展衍进过程都不是孤立、封闭的。宫廷音乐更是与特定政治、经济、文化背景相互关联。清代宫廷音乐是清代文化的一部分，是中国历代宫廷音乐的总结。值得指出的是：一、随着清代政治经济的发展进程，宫廷音乐与民间音乐虽然是两种不同的音乐形态，但在清代二者的关系尤为密切：宫廷音乐既有前代宫廷传统的东西和自制的乐谱，同时又吸收了当时民间音乐中的精华，尤其是娱乐性音乐中有较多民间音乐色彩，特别是戏曲艺术一度在宫廷娱乐音乐中占据主流地位。宫廷音乐也有流传至民间，宫廷、民间音乐的双向吸收形成了一种有机循環。二、在文化语境下清代宫廷音乐呈多元化和包容性特征。无论是儒家文化、礼乐文化、俗乐文化、地域文化，对清朝都产生了或大或小的影响，所以，以文化语境为切入点来研究清代宫廷音乐更有利于增强文化自觉、文化自信。同时研究清代宫廷音乐，考究其与清朝政治性、经济性、人文性文化发微，突出其时代特征，彰显其文化价值，是当代艺术学科领域应当研究的音乐文化范畴。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇三
钢琴音乐艺术特点探析论文
一、以主调音乐创作为主
主调音乐是多声部音乐的一种，整部音乐作品都围绕其中某一声部进行，在大多数情况下这一声部属于高音部，其它声部则以和声或者是伴奏的形式做衬托作用。主调音乐的特点是音乐旋律较为简单，创作者感情的表达较为明显，听众能够很好的融入其中并了解创作者的内心世界。和声虽然只起到衬托作用，但却是主调音乐创作的基础，对音乐的创作有着重要的意义。中国钢琴音乐从最开始的《和平进行曲》到萧友梅的《哀悼引》，到新中国和成立后王建中创作的《梅花三弄》、黎英海创作的《夕阳箫鼓》等都是典型的主调音乐，创作者以民族化的创作手法，将以五声音阶为主干的七声音阶旋律同三声音阶旋律相结合，运用婉转多变的节奏凸显出作曲家对中国大好河山的热爱与眷念，音乐展现在听众面前的是一幕幕美如诗画般的自然风景，各种音乐元素的转换使得音乐旋律的变化起伏有致。
二、音乐以民歌、古曲、戏曲为创作素材
中国优秀的作曲家充分挖掘并利用中国传统民间音乐，不仅发展了音乐的民族化，给民族音乐赋予的新的内涵与精髓，也为凝聚民族力量、推动社会的发展做出了许多贡献。由中国传统民间音乐改变而成的钢琴音乐，不仅在音乐素材上与传统音乐极为贴近，在音乐结构上也采用了具有中国特色的.编曲方式，使音乐形象更加丰满。王建中的《军民大生产》就是由同名歌曲改编而来，它的创作原型是陇东民歌《推炒面》；《山丹丹花开红艳艳》也改编自同民歌曲，它的创作原型是陕北民歌《当红军的哥哥回来了》与《女孩担水》；周广仁的《陕北民歌主题变奏曲》改编自陕北民歌《三十里铺》；后期不少备受好评的钢琴音乐如《兰花花》、《正月新春》、《解放区的天》都是以陕北民歌为创作素材，刘庄的《钢琴变奏曲》、尚德义的《喜丰年》、崔世光的《山东民俗组曲》等都是以东北民歌为创作基调。这些根据多地民风民俗改变而成的钢琴音乐在很大程度上维持了作品的原貌，在延续中国传统音乐的基础上也赋予了这些音乐新的含义。
三、钢琴音乐模仿民族乐器
中国钢琴音乐的创作是以中国长达几千年的音乐沉淀为基础，创作者对中国民间乐器的模仿是不可避免的，后来对传统乐器的模仿逐渐成为了钢琴音乐创作的重要手段。中国钢琴音乐作曲家利用各种不同的手段模仿弹拨乐器、吹拉乐器、打击乐器的音色，使得钢琴音乐拥有了中国民间音乐的韵味与意境。《梅花三弄》、《阳关三叠》就是模仿的弹拨乐器，作曲家通过钢琴不同的表现手法在钢琴音乐中再现了古琴声，曲中分别用钢琴的琵音、依音、和旋模仿古琴的单散音、滚拂散音、复散音，在音乐中听众可以感受到古琴带来的空旷之感；《冀北笛音》则是模仿的吹拉乐器，创作者同样通过钢琴不同的演奏手段再现笛子的各种声音特点，通过钢琴的各种装饰音来模拟笛声的颤音、滑音、花舌音等，在钢琴音乐中听众可以品味到笛子所创造的飘渺悠远之感；黎英海的《夕阳箫鼓》综合性模仿较为显著，在这首钢琴音乐中听众可以听出箫、古琴、琵琶、古筝等各种民族乐器的声音，箫声的悠远绵延、古筝乐的清晰圆润、琵琶声的慷慨激昂等都通过钢琴不同的演奏手法完好的展现出来。对中国民间音乐的模仿不仅使钢琴音乐有了不同的韵味与意境，同样对中国民间乐器的传播也作出了不小的贡献。
四、旋律与和声具有中华民族特色
中国钢琴音乐旋律的调式大都采用民族五声调式，就如黎英海的《蓝花花》、《采茶扑蝶》、《三十里铺》、《嘎达林海》、《绣荷包》等，这些钢琴音乐在旋律上多次用了转调，并且融入了许多地区的音乐元素，使得作品的民族化氛围更加浓烈。中国审美讲究中庸。追求神似，就如中国的水墨画一样，追求意境深远，中国钢琴音乐就继承了这一审美理念，创作者内心的激昂在那线条旋律中表现得一览无余。黎英海的《夕阳箫鼓》中有一段就是用连绵起伏的大乐句线条来表现月夜的美丽，其中的伴奏选用弱音，由此同大乐句相结合营造出一种朦胧飘渺的氛围，更加凸显了夜色的美妙。中国钢琴音乐的创作大都选用了具有民族特色的旋律，作曲者传承了中国审美中以清丽色调表现激昂情感的思想，刻画出一幅幅生动的自然景观。
五、总结
钢琴在中国是一种“舶来品”，它在音调、音色等方面同中国传统民间乐器都有较大的差别，但正是这种具有强大表现张力的乐器赋予了中华民族音乐不一样的意蕴。中国钢琴音乐经历了几百年的创作之路，已经逐渐走向成熟，作曲家仍在通过不同的技法与手段对其进行革新，中国钢琴音乐别样的艺术特征在今后的发展中定会有不一样诠释，它对中国音乐文化内涵的体现也将更加全面。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇四
汉唐文化与艺术理论论文
汉唐是中国文化发展的重要时期，整个文化环境为艺术及艺术理论的发展提供了重要的条件。
汉武帝独尊儒术，在文化上的直接影响之一就是造就了文化世家。王充《论衡》中说：“文人之休，国之符也。望丰屋，知名家;睹乔木，知旧都。鸿文在国，圣世之验。”其中包含着对文学、文化以及文化家族的充分肯定。这样的文化家族，常常有成员身居高位，所谓“四世三公”在朝野具有很大的影响。整个家族坚持以经学传家，以习经守礼维持门户。东汉安帝时，邓太后临朝，召集亲属弟子，“开邸第，教学经书，躬自监试”。经学在汉代是非常实用的学问，士人精通经术，取青紫如俯拾地芥耳；通经习礼，提高了士族阶层的文化素养，提高了文化家族成员的文化水平。
曹魏虽然取代了汉室，但却非常认同前朝的文化成就。汉魏之际，并没有形成文化上的断层。就总体而言，魏晋南北朝的文化仍是两汉文化的一个非常自然而恰当的延续与发展。特别是汉代的文化家族给六朝的世家大族做出了榜样。
六朝的士族非常重视自身的文化修养，尤其重视通过文化来提高家族门第的名声与地位。当然，随着时代的变迁以及学术文化的发展，六朝士人与汉人相比，很自然地带来了一些新的东西。汉代士人多数专注于经学，后人所谓的文化、哲理学术、琴棋书画，大多还处于初级阶段，而魏晋以后，士人留意的文化不仅范围普遍扩展，水平也有很大的提高。两汉经学虽是经学的昌明时期，建安时期的动荡影响了体制化范围内的经学研究，但魏晋士人从未放弃过传统的经学，《十三经注疏》中魏晋人注解有六种之多，可见其经学的成就。魏晋士人又增添了对玄理的喜好，热衷于三五个朋友聚会，谈论抽象玄奥的问题，即所谓清谈、玄谈。他们热衷于在理智上挑战复杂的问题，讨论人的才能与禀性、胆略与识见的关系，讨论诸如命运、吉凶、音乐甚至还有梦的本质问题。这时期还出现了诸如《缀术》这样的高难度的数学著作，这本著作到了唐代，仍是数学研习者的高级教程。史籍编撰大大超过了前代，出现了各种博学繁富的注释。诗文以及书法、绘画创作进入新的发展阶段，与汉人的质木相比，他们的作品充满了灵动、神韵，充满了才情、个性，他们对文学、对修辞、对文章的藻饰有着不可思议的热情和喜好。他们对书法、绘画等艺术具有一种突出的直觉与审美情趣，他们的艺术成就，甚至包括他们的轶事始终是中国历史上文人雅士们津津乐道的话题。
正如鲁迅所指出的，这是一个“文学的自觉时代”，当然也是艺术的自觉时代。当时的士人不仅醉心于著述，从事艺术创作，而且视文章为“不朽之盛事”，对文学艺术创作给予了极高的地位。班固《汉书》中设有《儒林传》，到了南朝宋范晔的《后汉书》中新增了《文苑传》，已经充分意识到文学之士的独特地位。萧统《文选序》尽管不是抽象的理论阐述，但对于什么样的作品可以收录于《文选》，什么样的文字不再收录，有着明确的观念：与“日月俱悬”的儒家经典，虽然是社会基本“准式”，但不必再选入文学作品集了；诸子著作“以立意为宗，不以能文为本”，收入也不切题；至于“记事之史，系年之书”等一类的传记、历史著作，“亦所不取”，但史籍中的“赞论”、“序述”，却因能够“综缉辞采”、“错比文华”、“事出于沈思，义归乎翰藻”而入选。其中虽然没有明确定义文学是什么，但通过把什么不属于文学范畴的作品排除掉的方法，已经清楚透露出萧统“文学是什么”的观念。这一观念与现代对文学的界定已经相当接近。
六朝士人富有敏锐的洞察力，长于哲理思维，他们不仅有《文赋》、《文心雕龙》、《诗品》这样非常全面探讨文学特性及创作过程的作品，而且还有宗炳、谢赫等人对于书画艺术进行深刻反思的著作。谢赫提出的“六法”其中涉及的概念在他之前已经陆续出现，其谓“虽画有六法，罕能尽该，而自古及今，各善一节”似乎“六法”一词，前已有人提出。但无疑是在谢赫的著作中，绘画艺术的几个核心概论，才从一个庞杂的认识背景中提取出来了。谢赫不仅明确提到六法，而且还将“气韵生动”放在首位，此后“气韵生动”就成了中国书画艺术中的最高境界，影响相当巨大。可见当时，人们对于文学艺术认识的水平以及理论表达大大超越前代。
音乐构成了魏晋南北朝时期士人生活的重要组成部分。此时不仅出现了阮籍的《乐论》、嵇康的《声无哀乐论》这样的重要音乐著作，而且音乐较之前代更普遍地介入士人的生活当中。汉代像司马相如这样通琴艺的士人还比较少，但到魏晋南北朝时期，善音律的诗人、画家多了起来。阮籍、嵇康、阮咸、何承天、戴颗等不仅钻研学术，擅长诗文，而且精通音乐。音乐作为士大夫家庭中的娱乐也更加常见。
阮籍的《乐论》推崇雅乐,拒斥淫声，总体上还是着眼于礼乐能够移风易俗的功用，立论基本没有越出《礼记?乐记》之范围。但嵇康的《声无哀乐论》则将论述的重点从音乐的起源及其社会功能转移到音乐本身上来了，专门讨论音乐是什么，即音乐自身的规定性，音乐本身仅仅是一系列复杂的声音组合。冯友兰说：“就这个意义说，它是中国美学史上讲音乐的第一篇文章。（2)《声无哀乐论》是一篇重要的音乐理论文章，它不仅讨论音乐的一般问题，专门研究音乐与人的哀乐感情之间的关系，而且在认识论上也体现出重要的价值，它确立了我们如何客观地来看音乐是什么的认识方式。这一认识方式实际上可以拓展到其他认识对象上。嵇康确立了一个范式（但这个范式提出得太早，当时人们远远不能理解），即客观认识在于我们把自觉不自觉附加于认识过程中的其他因素剔除出去之后，来看那个对象究竟是什么。此文无疑也是思想史研究无法忽略的文献。
更值得注意的是，魏晋南北朝是“人的觉醒时代”当然，这个“人”的概念并不是我们今天普遍意义上的人的概念，事实上它更多地只能是指当时的士人、贵族。六朝是士族时代，大体而言，当时的士人接受了良好的教育，能够摆脱物质生活需求的限制，不用再去直接从事物质生产以满足自身生存需求，而有更多的闲暇从事文学艺术活动。他们通常具有很高的社会地位，皇权以及社会礼俗对其羁姅、约束较少，个体精神以及个性发展都相对比较自由。他们讲究音声、容貌，推崇才识、风度，在中国历史上，他们可能是第一批对充满个性的人大加赞美的人。
这种赞美并不纯粹来自于传统，来自于道德，有时更多的是来自于对人本身的欣赏。那种独立的人格、自若的神情、敏捷机智的对答、毫不掩饰的个性、孤芳自赏的迷恋，还包括艺术家的痴癫，都是他们大加赏誉的对象。六朝之后，痴癫对于艺术家而言，成为一个褒义与肯定的状态，与魏晋士人的独特见解密切相关。这些名士，不仅倾心从事艺术创作活动，而且还毫无拘束地表现出艺术家常有的率直、天真、恢谐以及勇于超越世俗观念等个性。诸如王羲之、顾恺之等人的佚事，都给后人留下了极为深刻的印象。看起来这些佚事与艺术理论无涉，但却常常可以折射出艺术在整个社会体系中的功用、人们对艺术的看法以及艺术家在当时社会中的地位等等内容。事实上，把这些佚事记录下来本身就包含了人们对艺术以及艺术家的看法，只不过，这些看法、观念是记录者从未明言的。所以，艺术理论研究包括了对这些历史史实的研究，透过当时具体的活动、事件概括出那个时代的艺术的观念、艺术的理论。当然，在六朝士族的身上，不难找很少再有这样的贵族旁若无人地去追求自己的精神爱好，无所顾忌地热爱文学与艺术。而这一切却是发生在充满战乱动荡、皇室如走马灯一样地变换的年代。或正因此，皇权才未能对才情卓异的士人形成巨大的压抑、压迫的力量。精英阶层在这种动荡的间隙竟然创造了历史上颇值得回味的文化，而这一点也正值得回味。
进入隋唐之后，国家繁荣，文化艺术在各个方面都获得巨大发展，并取得了显著的成就。唐代的繁荣昌盛不仅表现在国力强盛、疆域开拓、经济发展、社会稳定等方面，同时也体现在文学艺术、思想学术等领域中。除了儒学、经学、佛学、道学、史学等方面的内容，以及有目共睹的文学方面的成就之外，唐代在艺术理论方面也有非常丰硕的成果。
魏晋南北朝时期的艺术成就很大，成果很多，这在某种意义上，激发了唐人对艺术进行总结的激情。
首先，是编制书画作品的名录。将各种书画作品汇集一处，当然是收藏保存前代艺术品的最好的方式。唐太宗组织人力，全面搜罗王羲之的书法作品，但以帝王之力筹措此事，非常人所能办到。相对能够办到的是对作品进行著录，汇集书画信息。
以编制目录的方式对魏晋南北朝时期丰富的艺术作品进行摸底调查，这是唐人总结前代艺术成果的重要方式。这种方法在图书领域已经非常成熟，刘向父子《七略》、晋荀勖《中经新薄》、南朝宋王俭《七志》、梁阮孝绪《七录》（所谓刘略荀簿王志阮录）皆是唐之前著名的图书目录。唐人把这种方法运用在书画领域当中。张彦远出身名门，闻见颇广，收藏亦富，撰《历代名画记》。其卷一曰：“如宋朝谢希逸、陈朝顾野王之流，当时能画，评品不载。详之近古，遗脱至多，盖是世上未见其踪，又述作之人不广求耳。呜呼！自古忠孝义烈，湮没不称者曷胜记哉，况书画耶！圣唐至今二百三十年，奇艺者骈罗，耳目相接，开元天宝，其人最多，何必六法俱全，但取一技可采。自史皇至今大唐会昌元年，凡三百七十馀人，编次无差，铨量颇定。该著作广泛收集自上古到唐会昌期间的画家，共录入三百七十多人，可谓是一次非常成功的总结。朱景玄《唐朝名画录》收录唐代以来画家一百二十四人。裴孝源《贞观公私画录》，“取魏晋以来前贤遗迹所存，及品格高下，列为先后。起于高贵乡公，终于大唐贞观十三年。秘府及佛寺并私家所蓄，其二百九十八卷，屋壁四十七所”，撰成此录，搜罗亦相当丰富。所以，唐世不同于魏晋南北朝时代，四海晏清，书画爱好者、研究者首先想到的就是要把所有留存下来的书画艺术全部网罗，细加研讨。
其次，是对书画艺术总结性的研究。中国艺术在发展的过程中，总是伴随着不断的反思、思考和总结。魏晋士人在艺术实践的过程中，对艺术作品的创作、欣赏、收藏、品鉴等方面都积累了不少的经验，唐人吸收这些经验，更加丰富完善，使整个艺术理论水平都有很大的提高。前人有所讨论的主题、细节在唐人的著作中都有涉及。孙过庭的《书谱》、张怀權的《书断》、朱景玄《唐朝名画录》、裴孝源《贞观公私画录》、张彦远《历代名画记》都是中国书画艺术理论非常重要的著作。大唐所处的时代为艺术理论的总结性工作提供了历史条件。
随着艺术的发展，对于艺术作品的认识、鉴别自然受到关注。人们看一幅作品，如何评价它，依据什么样的标准来评价，这都是艺术理论发展过程中必然面临的问题。长期的欣赏、鉴别实践使中国书画艺术逐渐建立了一种评品的传统。其实这种评品方法由来已久。中国东汉时期就有评品人物的风气，史载许劭“与从兄靖俱有高名，好共核论乡党人物，每月辄更其品题，故汝南俗有‘月旦评’焉”（《后汉书》卷六八本传)。魏晋南北朝时期为选拔官员，实施九品中正制，人分九品，作为官员选拔的依据。当时士人亦重评品人物，人物的品性、才能、风度、识见等皆在评论品鉴的范围之内，评论所说的话，称之为“题目”“目”。当时一些名士赖此品题，声名鹊起，也有为时议所非，而身败名裂的人。评品成为当时人物、文学作品、艺术品声名升降的关键。
评品的方法在文学领域中有广泛的运用。南朝梁钟嵘撰《诗品》，诗分上、中、下三品，一品之中又分三等。有的学者以为，他开创了以品论诗的先例，并对后来的书画欣赏和批评有很深的影响，但实际上，钟嵘的《诗品》是受到了当时《书品》、《画评》的影响。在他之前，南齐谢赫的《古画品录》中就已经是以六品“等差画家之优劣”了。与钟嵘同时的庾肩吾撰《书品》，亦是评骘之作，此书载汉代至齐梁间能真草者一百二十八人，分为三品，每品再分上中下，共为九品，每品各系以论。品第等级与《诗品》相同。评品作品优劣的方法延续到唐代，如李嗣真的《书后品》、《画品》，张怀權的《书断》，朱景玄的《唐朝名画录》等都是为画家区分等第的品鉴之作。
评品是艺术研究的重要方法。它促进了对艺术本身的深入思考，因为评品总是涉及到作品与作品之间、画家与画家之间的比较，一件作品究竟是因为什么而达到艺术的崇高境界，艺术家是因为什么样的技能、才情、素养和胸襟为其创作奠定了基础。一幅作品比另一幅“好”，好在什么地方，需要明确地加以理论上的说明。比较之初，评论者只是设立上、中、下之类的等级，然后归属作者作品的档次。谢赫的《古画品录》中设有六品，就是分为第一品、第二品，依次类推。后来的评论，鉴别的标准更加明确，人们意识到，评定与所设计的标准有关，标准不同，评品的结果很可能两样。评论者概括了神、妙、能三种境界，张怀權撰《书断》三卷，区别书豕为神品、妙品、能品二等。朱景玄《唐朝名画录》同样是以神品、妙品、能品评定作品，又提出来“逸品”的概念。其序曰：“以张怀權《画品断》神、妙、能三品，定其等格，上中下，又分为三。其格外有不拘常法，又有逸品，以表其优劣也。”李嗣真《书后品》也设有“逸品”一格，居于上品之上，成为书画艺术的最高境界。从秦代到唐朝，选录八十一位书家，分为十等，其逸品仅五人。又撰《画品》，“登逸品数者四人”。曰：若超吾逸品之才者，亦当复绝于终古，无复继作。”唐末宋初的黄休复撰《益州名画录》，取从唐乾元初至宋乾德年间的名画，设逸品、神品、妙品、能品，题品诸家之作，仍然延续评品的传统。总之，通过不断地鉴别、讨论，对于艺术作品的认识水平提高了。
不过，艺术评品的方法存在着困难。一则并没有能够通行于各个时代的评判标准。一般地说，对一件艺术作品的地位和价值给予公允、准确的评定，有利于艺术的发展，有利于艺术传统的形成，也有利于知识界以及公众的认知。像文学史中大多数杰作一样，艺术作品在漫长的艺术史上获得了自身相应的地位和评价，时间越长，这些评价越是趋于客观中肯，并保持稳定，这是艺术传统的组成部分。当然，评品在某些方面会受到时代、知识、观念等因素的影响，而无法获得其他人或者其他时代的认同。如钟嵘虽然称陶渊明为“古今隐逸诗人之宗”，但把他列在中品，把曹操列在下品，后来的诗论者颇不以为然。谢赫《古画品录》把顾恺之列在第三品中，并谓“迹不逮意，声过其实”，也让后来的画论家深为不满。南朝陈姚最《续画品》就以为谢赫“所品高下，多失其实，故但叙时代，不分品目”。所以，艺术史上始终存在着挑战固有排序的倾向。正是因为存在着排序与挑战排序两种力量，人们对艺术史上作品的认识才会保持新的可能性。
二则艺术的评判很难像长度、重量、体积这些概念那样能够量化、明确。逸品是指什么，神品是指什么，逸品为什么在神品之上，这些问题存在着争论，据此而作出的评定归类也就无法避免分岐。宋代邓椿《画继》概括其中的争论，曰“自昔鉴赏家分品有三：曰神，曰妙，曰能，独唐朱景真（景玄）撰《唐贤画录》，三品之外，更增逸品。其后黄休复作《益州名画记》，乃以逸为先，而以神、妙、能次之。景真虽云‘逸格不拘常法，用表贤愚’，然逸之高，岂得附于三品之末？未若休复首推之为当也。至徽宗皇帝专赏法度，乃以神、逸、妙、能为次。”逸品究竟应该处于什么层次上，论者有不同的见解。见仁见智，在所难免。
在艺术理论史上，不难看到，对前代艺术的评论一直都保持着，但硬性归入上中下之类等级的著作在宋代以后就比较少了。从艺术理论的发展来看，魏晋时期是一个非常具有特色的时代，它有很多开创性的成果，并且在不少艺术领域当中都达到很高的境界。隋唐呈现出过渡时期的特点，它一方面总结了古代艺术经验，促进了当代艺术的发展；另一方面通过实践与理论方面的积累为后代的艺术发展创造条件。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇五
[摘要]现代科技的发展和媒介变革的发生，带来了以形象为中心的视觉文化的繁荣，视觉文化的影响已遍布生活的每一个方面，日益影响和改变着我们的思想观念和生活方式，尤其是在视觉文化时代的大背景下，该如何进一步加强青年学生的艺术素质教育，已成为艺术教育工作者最关注的问题。
[关键词]视觉文化艺术教育素质教育
人类的文明进程始终伴随着媒介的进步而向前发展，在科技发展给人类带来的以语言为中心的文化向以形象为中心的文化转型中，视觉文化在中国已蓬勃兴起。电影、电视、网络以及各种广告铺天盖地，每时每刻向大众传播着各种信息和形象，尤其是青年学生看电影电视、使用计算机和上网的时间几乎已超过在教室上课的时间。正是在这种文化背景下，作为艺术教育工作者在探索和研究视觉文化生成的社会意义和审美价值中，提高青年学生的艺术素质教育必定成为其中一个重要内容。
一、视觉文化的社会价值
所谓视觉文化即“以图像符号为构成元素，以视知觉可以感知的样式为外在表现形态的文化的统称”。可见，视觉文化的意义在于视觉因素，或者说形象和影像占据了我们文化的主导地位。
现代高新科技为人类大众传媒的进步和发展提供了技术保证，而视觉文化是借助于大众媒介，强化形态可视特征的一种文化。青年是视觉文化的主体，是视觉文化的策划者、享受者，也是视觉文化的传播者、作秀者。视觉文化反映了商业社会的消费需求，符合青年渴望自我表现的心理需要，视觉艺术以简洁鲜明的视觉语言较好地表达了文化内容，力求形态简明、形象明朗、引人注目、印象深刻。
视觉文化缩小了艺术与生活的区别，今天的审美艺术活动场所已远远超出了美术馆、博物馆等高雅艺术场馆，更多地发生在城市广场、购物中心、超级市场、街心花园等社会空间和生活场所，使艺术生活化和生活艺术化这一艺术追求得以实现；同时，还形成了新的观看方式和审美心境，艺术成为人们随意浏览的对象、消除了人们对艺术的膜拜和神秘感，展示性和消费性成为其自力更生的主要根据。因而，视觉文化颇受青年的喜爱和青睐，成为青年追求时尚和前卫的文化形态。
二、视觉文化对艺术素质教育的影响
视觉文化的艺术素质教育告诉我们渗透在学生日常生活中的广告形象、动画漫画、卡通形象、网络电玩等，早已拓宽了学生对影像的接触面。
我们要正视在形象文化熏陶下长大的青年学生虽然属于“读书人”，但他们对看漫画、看广告、看电视、看电影等视觉影像的东西则更感兴趣，并且在这些方面要比读书所花的时间更多。因此，他们更青睐令人轻松欣赏的武打言情片，更青睐于如白话的通俗歌曲，更热衷于在电脑上打游戏和毫无顾忌地聊天……，常常处于一种被动接受各种视觉信息的表层阶段，缺乏辨别来自媒体的是非真假和利害优劣信息的能力，属于“中弹即倒”的群体。
正因为视觉文化里的视觉符号的泛化，常常导致“视觉审美疲劳”的产生，使人们满足于做一个视觉符号的“容器人”。青年学生养成了对信息符号的不假思索地被动式接受习惯，并且逐渐丧失了深度的审美感知能力和内心生活的丰富性，削弱和钝化了自身的审美能力。
三、视觉文化中如何加强艺术素质教育
面对新的视觉文化时代的到来，人类的审美理想该如何发扬光大、文化传统该如何继承、人文精神该如何融入到青年学生的素质教育中是艺术教育工作者认真思考的问题。
1、加强在视觉文化艺术教育中的民族化教育
“面对世界范围各种思想文化的相互激荡，必须把弘扬和培育民族精神作为文化建设极为重要的任务，纳入国民教育的全过程，纳入精神文明建设的全过程，使全体人民始终保持昂然向上的精神状态。”[3]因此，在进行学生艺术素质教育时，要始终坚持把中华民族文化和民族精神融入视觉文化艺术教育当中。
广告图像、动漫影视、网络卡通画等已成为学生喜爱的艺术门类，而对传统经典的绘画、雕塑等艺术作品却提不起学习的兴趣，在这个视觉文化社会里，虽然一些经典作品远离学生日常生活，但其价值却依然存在，不仅因为经典艺术作品是人类的宝贵文化遗产，更因为一切经典艺术作品皆蕴涵着某种深厚的精神内涵及美学价值。中国的民族文化是中华民族的根，我国的艺术教育应该走具有自己民族特色的道路，绝不能削弱或忽视传统的经典艺术，而增加大量不具有艺术特质的流行艺术。
我们正处在一个和谐发展的社会，提倡民族特色的视觉文化，并不排斥国外优秀的观觉文化，应秉持着文化教育的精神。透过多元文化与民族文化的概念，强调文化的兼容性，摒除偏见。视觉文化的建设要大力弘扬先进文化和民族精神，防止庸俗低级非主流文化对学生的影响。
2、注重全面培养青年学生的视觉文化鉴赏力
众所周知，艺术教育是青年学生全面发展教育中不可或缺的首要组成部分，视觉文化和审美观念均深刻地提示了审美教育在人类教育中的重要意义。罗克弗尔。肯特曾说过：“艺术的最高目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。”所以，我们要注重全面培养学生的视觉文化鉴赏力。提高他们对视觉影像的鉴别能力。
首先，培养学生学会识别、选择和组织各种视觉元素符号，了解如何用视觉语言传递各种视觉文化观念。有了这些细微的视觉经验，才能体会领悟到视觉情感，才能深入地思索问题；其次，通过观察、想像、创造促进学生的各种观念发展，促使学生带着一种想法去欣赏各种观念，并通过自己的作品传递他们的意图；最后，青年学生需要通过各种视觉艺术形式来进行交流，使学生们能够分析、阐述和评价视觉艺术作品中的意义。在辨析评价的基础上，不断提升视觉文化的鉴赏力。
四、结语
视觉文化是青年学生日常生活的一环，学生对于人生的看法，一部分就是来自日常经历的视觉文化。我们要重视视觉文化对青年的影响，视觉文化中的审美艺术从高雅艺术转移到关注人们的日常生活，从以语言为中心的文化向以形象为中心的文化发展是当代教育的一大趋势，也是视觉艺术和民族文化不断补充学生艺术素质教育的内容，真正地丰富学生课堂，促进学生综合素质的全面发展。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇六
随着我国现代化进程的加快和教育改革的深化，艺术教育日益受到人们的重视，艺术作为学校教育之“副科”的时代即将结束了。现代人普遍意识到，艺术世界是奥妙无穷的世界，艺术经验对丰富人生是不可或缺的要素，艺术与人性中最深层的东西息息相通。在人类历史长河的每一关键时刻，艺术都给人以希望和勇气，使人类的天才和智慧得到充分的发挥和施展，并保证了人与人之间心灵的交流。一个没有艺术的民族和社会是不可思议的，正如没有艺术的教育是不健全的教育一样。艺术对青少年的成长具有决定性的意义。艺术不仅能表达感情，使人的创造性冲动得以最大施展，而且能提高学生的洞察力、理解力、表现力、交流能力和解决问题的能力。在艺术这个大领域中，学生可以学到在其他任何学科领域中学不到的东西。所以，艺术教育是学校教育不可缺少的。正如何东昌同志所说的那样：“没有美育的教育是不完全的教育。”
艺术是一个开放的领域，艺术的内涵是不断丰富和扩展的，艺术的发展潜力是无限的。所以说，艺术教育不仅仅是传统认为的艺术技法的教育，而且是一个开发智慧的复杂系统工程。从艺术教育的四大关键要素――美学、艺术设计、艺术欣赏、艺术批评四方面我们可以看到，要想提高青少年的艺术素养，除了掌握技法外，还必须熟悉艺术发展的历史，要具有欣赏艺术的趣味和评价艺术的洞察力。当然，音乐艺术审美教育既有自己的特殊功能，又与德育、智育、体育及其他美育形式有着密切的联系。
一种审美理论的主旨，就是论述和证明如何通过一些有效的方式，尤其是通过学校教育去开发年轻人的艺术感觉。针对当代社会中人的前所未有的多元信仰，有必要改进和复活其判断力。由于信仰的多元化不仅造成了现代社会和现代生活的种种困惑、自相矛盾和冲突，而且造成了现代人的判断力和意志的日益麻痹。要想重新确定哪些是代表一个文化的、理想的优秀作品，就需要重新唤醒人们的历史记忆，对人类迄今获得的艺术成就重新张扬，给人们提供一种足以激发人的创造性行动的灵感和对人类成就的自豪感。
人们对艺术作品常会有一些偏激的想法，认为艺术作品无论如何都是为一定观念服务的，而不是独立的。这就将艺术降低为一种功能性的东西了，将艺术看作是政治、经济和社会关系网络中的一个功能性网络，而忽视了人们对艺术的那种特有的和典型的兴趣――审美兴趣。
众所周知，审美教育具有独特的性质，这种特殊性反过来又将会影响着一个社会文化的种类和性质。所以我们认为，要做到重新激起人们对艺术成就的记忆，恢复人们对艺术的特有审美价值的信念，唤醒人们的判断力，有必要对当今的审美教育观点和思想进行梳理调整，使之走上健康完整的轨道。
艺术是一种独特的人类成就！艺术教育本身就是要把青少年引领到“人文领域”，使之全面发展、健康成长。因为艺术不仅与教育有着密切联系，同时艺术与文化，艺术与社会，艺术与洞察，艺术与理解，艺术与风俗、风气，艺术与哲学等也有着千丝万缕的关联。
科学所追求的目标或所要解决的问题是研究客观世界及其规律，是求真；人文所追求的目标或所要解决的问题是满足人与社会需要的终极关怀，是求善。音乐艺术是人文知识领域中的一朵绚丽奇葩。同人文文化有关的思维主要是开放的思维，艺术能给人以想象力，艺术可以开拓人的`想象力，它有利于人们形成正确的人生追求：人生的追求，就是一个人的人生观、价值观、世界观，而音乐、艺术教育恰恰就符合这一点。作为一个人，必须有物质生活，同时还必须有精神生活。一个健康的生活应包括：一是物质生活主要应合乎生理健康，二是精神生活主要应合乎心理健康。而健康的心理主要取决于人文，心理健康在一定程度上起着更重要的作用，心理健康的本质就是脑健康，脑健康是一切健康的前提。马克思曾说过：“一种美好的心情，比十副良药更能解除生理上的疲惫和痛苦。”而音乐艺术感觉、音乐艺术教育正是教人求善、给人愉悦、使人身心健康向上的。
在整个西方历史中，艺术作品往往是由一小部分人创造的，同时也是被这一小部分人欣赏并为他们服务的，但也总是为社会大众接受、赞同和参与的。当一个社会中绝大多数人都能感受到艺术的必要性，能认识到艺术能使他们的信仰更坚定，告诉他们生活中有哪些是永恒的、哪些是关于人的命运和结局的大事，这样艺术和社会之间就形成了一种健康的和生机勃勃的关系。正是由于艺术的那些栩栩如生的感人形象把无形的精神世界展示无遗，才使艺术在普通人的生活中占据了重要地位。换言之，艺术只有对大众产生了吸引力，成为一种对人类最有效的社会力量，超越了艺术品的物质感受和物质价值时，艺术才具有了真正的意义。当今社会曾有过一些的物质至上主义，也并没有消除人们对精神生活的需要，所不同的是人们与过去时代相比失去了不可缺少的健康信仰，以至不能对一些规劝性形象进行的表达做出反应。这就势必大大削弱了社会人文精神，挫败了人们对种种能够回答人们内心深层需要的东西的追求和热情。
审美教育理论必须强调艺术的人文功能，人必须具备这种区别能力，必须强调培养人对高贵的审美性质的欣赏能力，这对人的生活有着无比的重要性。因为艺术品应该包括艺术所拥有的那种取悦我们和感动我们、扩大我们的本领和给我们知识与智慧的功能。审美教育的目的，就是培养人们的艺术欣赏能力，以使人们在欣赏艺术品时，获得艺术品所能提供的珍贵经验。学会如何去感受美、鉴赏美和创造美，同时着眼于人的基本素质的提高。
审美教育即是我们通常说的美育，或叫做美感教育。美育是实践性的美学。（转第73页）（接第75页）美育从广义上讲是通过艺术和现实的多种途径来进行审美活动。而学校的审美教育是狭义的美育，但同时也是实施美育的重点对象。因为在校青少年和儿童正处于身心发育成长阶段，他们最容易接受美的教育和熏陶，有利于良好审美观的早日形成，从而能以高尚的审美理想，健康的审美情趣去感受美、鉴赏美和创造美。同时学校本身就有音乐、美术等美育内容的学科，可以有目的、有计划地进行审美活动。由于音乐和其他艺术不同，它不是思想的痕迹，而是意志本身的痕迹，所以，音乐的作用比其他艺术的作用都要大而且深刻。音乐是一门极富感情表达和感情力量的艺术，人们通过有目的地参与音乐教育活动，就能激发出人类心灵深处的感情火花。可见，没有音乐教育的参与，美育的任务是很难完成的，音乐教育只有和美育相结合，才能发挥它应有的教育价值；而美育也必须和音乐教育相结合，才能全面实现它的教育功能。
美育和音乐教育同属于意识形态，同属上层建筑，它们都是一种教育实践活动，它们都以人为服务对象，都承受着教育科学原理的指导，都必须通过人的心理活动来完成，都需要经过联想、想象、兴趣、意志、情感、记忆等心理过程，都以形象思维为感受的基本前提。通过这些心理活动过程就可以使学生的审美能力通过不断积累得到升华提高，使睿智的审美批评成为发掘艺术作品的意味的典型方式。通过提高学生的审美理解力，便可使他们更好地把握艺术的意义，更充分地意识艺术潜在的意味，学会欣赏艺术中最有价值的东西以达到丰富学生的视野，使他们的审美能力更强，生活更有价值，精神追求得到更大的满足。这样，就可以使青少年学会欣赏艺术和理解艺术，最终将会变成艺术的热爱者。
当我们的学生一旦熟悉和进入那些高质量的艺术品中，而且掌握了欣赏其审美价值的技能，就不会对音乐、艺术无动于衷，觉得它们可有可无了。音乐、艺术是一种能激起很高级的审美经验的人造物，这种经验是一种愉悦的、丰富的和见识深刻的经验。可以设想，当一个社会中的绝大部分人都有机会、有能力欣赏人类迄今创造出来的和思考出来的最优秀的作品，这个社会定会出现一种极为祥和、宽容、进取、健康的新气象。
可见，音乐教育与美育的结合，不仅必要，而且很有可能。这种结合绝不仅仅是形式上的交缘重叠，而是实质性的功能上的强化。从美育的角度来讲，通过音乐教育这一重要分支的实践使之达到存在价值的全面体现，而从教育的角度来看，通过审美因素的体现和吸收，将是一种寻根求源性的自我发现和自我完善。而不至于对待美育教育停留在只追求直接的效果而不求间接的效果；只知技法的传授和学习而不知精神修养，使青少年学会赏识自然和艺术之美，学会应用其美以改进生活的方式，感化其美以陶冶高尚的精神。我们要引导青少年按照美的标准，正确对待和处理自己的思想道德行为和衣着仪表，自觉抵制不健康的审美观，把自己培养成为有理想、有道德、有文化、有纪律的跨世纪的一代新人。
参考文献：
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[4]俞玉滋，张援。中国近现代美育论文选[m]。上海：上海教育出版社，。5。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇七
3.1建筑艺术的设计要点
在建筑设计早期，人们就会利用器物和图案等进行装饰，但是还没有形成专业的建筑设计学科，只是在笼统的生活自我创造中逐渐形成了本民族的建筑艺术形式。经过数年的社会发展后，建筑艺术文化逐渐的被人们认识和系统的学习。通过建筑材料的结构设计和人们的再创造，将新文化与旧精髓融合起来。在建筑设计中，创造性要求是必不可少的，并且是现代化进步的一种体现。但是还要结合本民族的传统文化的设计，才能将城市生活建设的更加有韵味，其建筑生命力也就更能经历时间的洗礼，不容易被人们忘却。
3.2艺术内涵模式
通常情况下，在建筑设计工作中的文化内涵要求是从三个方面进行深入系统的认识和工作模式。首先，建筑是物质文化的体现，那么艺术就是精神文化的构想，要想将物质文化与精神文化进行统一结合，就需要相关技术人员热爱生活，并具有丰富的创造力。在建筑设计上，对传统的文化精髓和现代文化的变更进行再创造，从哲学的角度发现问题并解决问题，同时还可以通过宗教信仰等形式，将建筑艺术文化多层次的表现出来。其次，建筑设计与艺术文化的结合中，是随着现代生活逐渐改变的，其中的艺术融合与体现也具有主观性。在世界上优秀的建筑设计师中，我们不难发现，其建筑艺术的构建手法不仅仅有现代文明的体现、前人文化的精髓，更重要的是具有个人的艺术体现，通过突出自我艺术形式的体现，将文化艺术提升到新的领域，利用大众的审美给予文化艺术的肯定，同时也促进了建筑艺术文化的不断发展。再次，就活动层面去分析。艺术就是一种艺术品，而文化则是人们物质生活的一种体现模式。将其两者结合并与建筑设计形成一体是未来社会发展的核心环节和工作模式。
3.3建筑设计与环境艺术的关系
建筑设计的艺术体现，不仅仅局限于钢筋混凝土等构建的建筑本身上，还有周围的环境艺术具有较大的联系，只有通过环境的渲染，才能将没有冰冷的建筑更有生命力的展现出来。在环境艺术的搭配中，要统一建筑艺术与环境艺术的宗旨，如若是中式文化的体现，就要在中式建筑物中搭配更多的中式元素，例如瓷器、屏风、书法绘画等。并且可以通过园林和亭台等的建造，将中式文化建筑更有韵味的烘托出来，形成一个完整的文化氛围，将建筑物富裕更多的生命力和艺术文化内涵。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇八
电影音乐艺术表现的特点解析论文
【摘要】电影是集视觉和听觉为一体的宣传媒介，通过电影的形式来反映生活，表达情感，为了电影情感的升华和气氛的烘托，电影音乐是必不可少的，它在电影中起到推动电影情节发展，观众情感带入的重要作用，本文将通过一些经典电影论述电影音乐的艺术表现特点。
【关键词】电影音乐；艺术表现；特点
电影音乐主要指两种，一种是主题音乐一种是插曲，作为电影艺术表达的重要工具出现，因此，它在表达情感时一定要符合电影情节设定和人物情感表达，可以说是为电影而生的，同时也是电影情感的重要载体。电影音乐除了有音乐艺术的共同特征，还具有自己的独特特点。
一、具有明显的时代特征
时代的变迁，人们的生活方式、思维习惯都会有所变化，电影作为反映现实生活，表达人类情感的艺术形式，其时代性非常明显。因此，从电影的发展史中我们可以看到，每个时期的电影其风格都具有那个时代特有的印记，电影音乐作为电影的重要组成部分也具有这样的时代特征。如王小帅导演的《我11》中，影片用广播的方式播放七十年代特有的歌曲，不仅交代了时代背景，同时也烘托了时代氛围，当学校的广播体操响起，相信每个人都会把自己拉到那个年代。再如在《hallo，树先生！》当中，导演常用电影音乐来切换场景和表达年代，如用村里的二人转舞台来交代地点，用流行歌曲来交代年代，非常具有代入感。在一些抗日题材的电影作品中，常常用悲伤曲调来烘托日本人惨绝人寰的屠杀和侵略行径。
二、具有独特的民族色彩
我国是一个多民族的国家，国土面积辽阔，各地的风土人情有着很大的差异，因此，体现在电影当中，不仅场景不同，同时电影音乐也有着不同的民族特点。这些具有特色的民族音乐不仅能够准确地交代故事地点，同时也营造了浓厚的地域氛围。如在电影《霸王别姬》中，就在故事情节中用一段段京剧经典桥段去营造人物的情感，使人们对那个走入戏曲而出不来的张国荣充满了同情，其最后用戏曲的方式来结束自己的生命，更是让人分不清是现实还是戏剧，戏曲音乐让整个电影得到了升华。在电影《闪闪的红星》中，其中的插曲用南方的采茶小调来表达欢快的电影节奏，具有浓郁的地方特色。在最近上映的商业电影《寻龙诀》中，也没有忽略用音乐来表达地域特点和影片人物情感，如三个主角刚到大草原时，当地的蒙古族向导，喝得酩酊大醉还开着吉普车在草原上驰骋的镜头，响起蒙古族的祝酒歌，配合广袤草原的背景，让人印象深刻。再如电影《长城》中，当唱起秦腔时，不仅让人感受到人物战胜饕餮的坚定决心，同时也烘托了电影的悲壮色彩，展示了宏大的场景，非常震撼。
三、电影音乐与电影作品的依存性
电影音乐从产生背景上来说，是为电影情节服务的，如果没有电影音乐的加持，电影一味地去叙述人物、故事等，就会显得过分枯燥和单一，在情感共鸣上自然也会大打折扣。而电影音乐的加入再配合故事情节的展开，就会给人一个视觉和听觉上的完美体验，增强电影的艺术魅力。如在电影《我的父亲母亲》中，母亲因为给父亲送饺子而摔倒在路上，不仅没有送到，还丢了两人的信物，这时凄婉的.背景音乐响起，更加衬托了母亲悲伤的心情，也让观众对她充满了同情，增强了电影的感染力，让人印象深刻。
四、电影音乐的情感特点
电影作为一种重要的艺术形式，是通过视觉和听觉的感官刺激去表达故事的主题，人物的情感，每一部电影都有其重要的思想内涵和艺术魅力。电影音乐可以增强电影的这种艺术表达效果，让人们更容易去理解去领会电影主题。它主要在电影中烘托气氛，突出人物性格特点和情感表达，如在最近广受好评的电影《驴得水》中，女主人公一首《我要你》让人印象深刻，配合电影的光影手法，让人们在歌声中暂时忘记了那个混乱的战争年代，也让人们看到了一个外表看似放荡的女主角内心的纯净和善良，和影片后来女主角的悲惨遭遇形成了鲜明的对比，为故事情节发展起到了推动作用。电影在人物的情感表达上往往会通过音乐来表现，如在《柳堡的故事》中，小英莲的心思便是用歌声来传递的，既表现了人物娇羞天真的性格，同时也让电影的整体基调变得活泼明快，让人心情舒畅。时代的进步，让人们对艺术追求有了更高的重视，电影艺术一直是大众所喜爱的，电影音乐作为电影的重要组成部分，不仅能够增强电影的艺术效果，同时，也是电影烘托氛围、表现人物内心情感，交代故事背景的重要手段。音乐作为交流和表达情感的重要手段，加入到电影中，能够让观众更有带入感，更容易去理解电影的主题和意义，对电影事业的发展具有重要意义。
参考文献：
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[2]彭雁.音乐在影视作品中的作用与影响[j].新疆艺术学院学报,(09).
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宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇九
随着人们生活水平的提高，对于现代化的生活要求也就越高，特别是在居住方面，不仅仅要有舒适的体验，还要有艺术的气息。建筑结构要改变以往冰冷的状态，在钢筋水泥的基础原料中，添加个性化元素进行艺术的展示。不同的民族拥有不同的文化传统，通过建筑艺术能够很好的体现出来，这不仅仅这现代化人们生活的需求，更是社会精神文明和物质文明建设的需要。
1艺术文化与建筑设计
1.1建筑设计概念。建筑设计是建筑物在建造之前就必须完成的一项工作，是设计工作人员按照工程施工和规划任务去进行分析，将施工过程和使用过程中存在的或者可能发生的问题进行分析，针对其中可能发生或者发生概率较大的不足和问题提前做好预防和处理措施，是一种事前构思和对全面总结的设想工作模式。在现代化社会发展中，建筑设计是一种以备料、施工组织、工程施工方法选择、施工配合等多个方面进行全面系统的工作模式，针对其中存在的种种问题进行深入的总结和分析。并且使得建筑结构能够形成一个全面系统化的工作模式，为建筑工程施工的正常、顺利进行提供安全可靠的保障基础。
1.2文化艺术。艺术是人们从生活中逐渐总结出来的，通过对生活的歌颂，利用创造性的想象力将美体现出来，在人类发展的不同时期，其艺术的体现形式个不相同，在建筑设计上，我国每个时期都有自己的特点和魅力。在现代化建筑的艺术体现上，不仅融合了国外的先进技术和艺术形式，还将本民族的文化精髓继承和发扬出来，构建了符合人们生活和享受的建筑艺术环境。在现代生活中，建筑通过艺术形式表现出来是必不可少的，它一方面彰显了我国的文化和实力进步，一方面又改善了人们的生活环境，减少了压力，更有利于和谐文明社会的建立。
2艺术文化与建筑设计背景
在我国上下五千年的历史文化进程中，我国人民不仅创造出了大量的建筑奇迹和工程施工方式，而且也为建筑文化和艺术提出了全面系统化的工作模式。这种建筑施工模式和建筑文化的产生与普及，其主要是反应人类生产和发展中的生活行为方式，也是体现人类智慧结晶的一种工作模式。在各个历史时期所造成的.文化艺术和设计品位也不仅相同和全面。如我国最为著名的长城、故宫和已经消失的圆明园、阿房宫等等。究其本源在目前的社会发展中，这些诸多的因素和工作模式，也受到科学技术的发展和影响，还受到艺术文化和设计理念的影响。一般而言，在建筑设计中环境是不容忽视，也是不可缺少的一部分。环境作为大自然的一部分，也是建筑设计工作中不容忽视的环节，因此我们在工作的过程中在做好建筑设计工作的同时，对于环境艺术、文化艺术等诸多的方面都需要进行深入的总结和严格的分析，使得在建筑设计工作中能够达到设计与艺术的和谐统一。
宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇十
创新与音乐艺术边界如何扩张论文
摘要：本文从音乐创作中创新的角度出发，以“集古典主义之大成，开浪漫主义之先河”的西方作曲家贝多芬、中国现代音乐的代表人物谭盾为例，试述作曲家的创新对于音乐发展的影响、与音乐艺术边界的关系，以及面对音乐艺术边界的不断扩张与作曲家独具特色的创新理念，我们应该如何面对。
关键词：贝多芬；谭盾；创新；艺术边界；审美
音乐在发展的漫漫长河之中，不断地融合了许多的元素，音乐的艺术边界随着时代的发展也在不断地扩张着。贝多芬的作品具有超前性与创新性，他扩张了音乐的艺术边界，使其从理性、客观的古典主义时期过渡到感性、富于诗意的浪漫主义时期，他赋予了音乐更高的情感价值；与此相反，20世纪的现代音乐，以“标新”为目标，以布列兹和韦伯恩为代表的作曲家，推崇将音乐的情感降到最低。谭盾作为中国现代音乐的代表人物，其独树一帜的创作理念在国际上产生了重要的影响，对于其充满个性的作品与大胆创新的创作观念，在充满多元色彩的当今社会有支持者也有反对者，他颠覆了人们对于音乐的审美观念，甚至引发人们对于“什么是音乐”的讨论。
一、音乐的发展与创新
音乐的发展从古至今，一直在经历着不断地演变。关于人类音乐的起源，可以追溯到十分久远的时代，那时的人们在没有语言交流的情况下，是通过声音的强弱、高低来彼此交流、互相表达感情的。随着社会文明的进步与人类劳动力的发展，人们渐渐地学会了用呼喊的方式来互相传递着信息，这也是音乐最原始的雏形；当人们在庆祝着彼此间丰收的劳动成果时，常常以敲打石器或木器来表达自己的愉悦之情，这便成为了乐器最原始的雏形。音乐的表达方式随着社会的发展，时代的进步与变迁，也在不断地演变着，到了二十一世纪的今天已经有着极其丰富多彩的音乐表现形式，与各具风格特色的乐器。音乐经历的每一个时期都反映了其背后所包含的时代背景与文化特征。在时代不断发展进步的文化的背景下，作曲家在作品的创作上也在不断地摸索、创新，推动着音乐边界的不断发展与扩张。例如作为维也纳古典音乐三杰之一的莫扎特，早年的作品具有典雅的风格；而后期的创作交织着抒情和戏剧性的因素，反映了他对于摆脱对贵族的依赖而自谋生路的种种体验。20世纪的音乐在人类的历史长河中，无疑是发展最快的，其音乐的风格特征以“新”为主要特点，作曲家不断地追求创新的元素，使得音乐在创作的观念、手段以及风格等各个方面产生变化，颠覆了作曲家的作曲观念，也颠覆了听者对于音乐审美观念，音乐的创新由原来的循序渐式进变成了跳跃式，人们在20世纪多元选择的音乐环境下，也面临着惊喜与恐惧的双重考验，音乐的艺术边界在哪里也成了人们思考的问题。
二、创新——音乐艺术边界的扩张
贝多芬与谭盾这两位作曲家都是在创作上赋予了音乐新的元素，对音乐进行了大胆的创新，从而推动着音乐的发展。
（一）贝多芬的独创性
古典时期的音乐强调客观与严谨的风格，人的情感被理性支配，在音乐的创作中不占主导地位。在审美上，人们追求作品的规整以及形式主义的美丽，在作品内容上，多以宗教和道德层面的内容为主，音乐的艺术手法十分简练。作曲家在音乐的表现中虽能够浮想联翩，但始终要遵循着严密的逻辑、规整的结构，这也是古典音乐时期最为突出的特点。贝多芬的创作使古典音乐的思想感情和其风格得到了更加完美的体现，并且将欧洲古典主义音乐推向了一个新的高峰。他使古典主义音乐风格逐步向浪漫主义风格演变，开始在创作手法上突破古典主义时期音乐的传统。引子的运用，呈示部的不反复，连接部、展开部和结束部的充分独立性，以及尾声的运用，开辟了浪漫主义乐派个性解放的新局面，并对19世纪西方音乐的发展起到了决定性影响。作为西方历史上的一位多产的艺术家，贝多芬开创了一个新的时代。他的音乐作品极其富有个人独创性，并且对创作技法有所创新，在音乐表现的广度和深度上更是有新的开拓。他的创作受到了当时社会意识与社会时代思潮的影响，作品洋溢着高尚的进步思想和极度的革命热情，并始终保持着一种积极乐观、敢于抗争的英雄主义，这种精神在他的《英雄交响曲》与《命运交响曲》等作品中都有淋漓尽致的体现。国内外史学家和音乐评论者们把贝多芬的作品和创作风格大概分为三个时期：早期（18以前），中期（约1802-18）和晚期（约1815年-1827年）。贝多芬的第59号拉兹莫夫斯基弦乐四重奏创作于18，属于贝多芬较成熟的中期作品，已富有强烈的个人独创性特征，意大利小提琴家拉蒂卡地曾对该作品评价道：“在贝多芬的这首作品里，根本就没有音乐，在我练习时，万万没有想到他对音乐一点也没有考虑。”由此说明贝多芬的这种独创性，在刚开始并不能够被以古典主义为审美核心的人们所接受，即使是处于那个时代最著名的演奏家也不能够马上的理解，而对于这样一件事实，贝多芬回答道：“不是的，这首乐曲就不是为您写的，是为以后的时代所写的。”贝多芬的独创性在于他在音乐中超前的审美观念、独具创新的创作理念，这种观念打破了以理性、客观为主体的古典主义音乐风格，为浪漫主义的发展开辟了道路，从音乐美学的角度来看，他改变了人们的音乐审美方式，更加注重对于自身内心以及情感的表达，不再拘泥于千篇 一律的形式，对于作曲结构以及调式调性都有了一个更加全面、开放的、全新的认识，拓展了音乐的艺术边界。
（二）谭盾的独创性
20世纪的音乐常常被称为“新音乐”或“现代音乐”，具有追求个性的突出、非调性等风格。20世纪初，一批极具创新精神的作曲家，在以往传统的音乐之上做出了根本性的突破，他们将音乐最核心的根基“调性”，以及音乐的节奏、织体、音色等各个元素进行了重新的定义，打破了人们以往熟悉的传统音乐模式，这种“根本性突破”，改变了以往各时期更替时常见的“渐变”模式。[1]当调性音乐被瓦解后，作曲家们开始根据自己的兴趣，力求创作出与他人不同的作品，于是“新”便成为了这一时期的主题，由此产生了多元的20世纪音乐景观。谭盾是中国现代音乐的代表人物，其创作的理念独树一帜，在国际上产生了重要的影响，对于其充满个性的作品与大胆创新的创作观念，在充满多元色彩的当今社会有支持者也有反对者，约翰凯奇对谭盾的作品十分欣赏，并且给予了高度的评价：“谭盾音乐中是那些我们置身于其中而久所未闻的自然之声。在全球一体化、东西方将连成一体的背景下，谭盾的音乐正是我们所必须的。”[2]日本作曲家武满彻也十分欣赏谭盾作品中独特的音乐创新观念并给予充分肯定，认为其作品具有超前的审美，音乐内容的深度与独特的个性早已超越了他所属的一代。在反对者的眼中，认为谭盾的现代主义音乐与传统音乐的创作模式相差太大，在取消了传统音乐中的调性、旋律、节奏等基本元素之后，听众无法获得音乐欣赏上的愉悦感，自然的声音又如何能够成为音乐呢？谭盾的音乐创作深受美国作曲家约翰凯奇的影响，他将“无声音乐”和“一切声音都是音乐”作为自己的创作理念，在反对者的耳中认为这不应该算作“音乐”，听不到传统音乐中的旋律、调式等元素，充其量只能算作观念艺术。[3]而现代作曲家在创作时往往是特意将这些音乐元素排斥掉，因此，以传统观念为引导的反对者对于现代作品的欣赏，便会产生不适应、不喜欢的感受。这两种音乐观念的交流与碰撞，其原因在于以现代派为创作理念的作曲家如谭盾，推动了音乐的艺术边界在不断地扩张，但这种超前的创新理念，颠覆了人们对于音乐传统的审美观念，甚至引发人们对于“什么是音乐”的讨论，“谭卞之争”就是谭盾与卞祖善两位作曲家之间因音乐创作的观念不同，所导致的观念上的交流与碰撞。究竟如何来看待谭盾的音乐作品，笔者认为，这也许需要和贝多芬一样的时代经历进行验证，况且20世纪的音乐还是在一种跳跃式的前进方式下进行的。但我们不得不承认，谭盾作为中国的现代音乐作曲家，为本国做出的卓越贡献。其早期的一些作品如弦乐四重奏《风雅颂》是在传统音乐的模式中进行的创作，自二十世纪九十年代起，其创作的风格与方式才开始有所转变，一方面，谭盾吸收学习了西方现代音乐作曲家如约翰凯奇的思想，将“音乐”赋予不同的定义，运用自然界与生活中的一切声音进行创作，目的在于打动人；另一方面，谭盾在吸收借鉴西方思想的同时，融入了大量中国传统文化的素材，使音乐成为一种具有中国风味的独特色彩，在谭盾走向世界的同时，也是中国的文化在走向世界，中国的音乐在走向世界，这充分体现了谭盾对于本国文化的归属感与认同感，他的大胆创新，也是在音乐发展中的不断摸索，不断地扩展着音乐的边界。
三、对音乐创新与发展的思考
正是由于作曲家们的探索、创新精神，才推动了音乐的不断发展与进步，扩张了音乐的艺术边界，造就了当今的多元音乐文化时代。贝多芬的作品之所以伟大，在于他是一位为人类进步、为被压迫民族自由而斗争的伟大战士，他是一位用音乐为合理的社会制度和世界和平而呐喊的伟大先驱，他的音乐中深刻而富有英雄性、戏剧性和哲理性的思想，也具有着那个时代特有的文化印记。随着世界的多极化发展，社会学、音乐人类学等学科的不断兴起，音乐与文化之间的关系也在不断地被强调，梅利亚姆曾说过：“音乐是人的产物，它有自己的结构，但是它的结构不能脱离产生它的人类行为而独立存在。”[4]她在其著作《音乐人类学》中也曾提出“在文化中研究音乐”的思想，由此可见音乐、文化、人三者之间是密切相关的整体，我们应将音乐置身于文化的环境中去观察、思考，音乐若离开了文化的层面，其本身就会缺少相应的文化底蕴，失去了自身发展的活力。贝多芬开辟了浪漫主义音乐的先河，他的音乐之所以能够被人们逐渐接受，并改变了人们对音乐的审美，笔者认为，这与他作品中强调“以人为主体，注重情感的表达”有着直接的关系，在他的作品中，我们能够感受到音乐、文化、人三者之间的紧密联系。贝多芬的音乐在当时那个年代，不被人们理解与接受，但他的音乐对后世的音乐作曲家以及音乐的发展都产生了极为深远的影响，因此，我们不能以音乐的小众与大众来评判音乐的好坏，小众的音乐不一定就不好，关键是在于音乐中能否有不断出新的、标准化的与技术性的实质内容。美国作曲家斯特拉文斯基曾断言20世纪的音乐：“这是一个自由的深渊，一种面对多元选择的恐惧。”在20世纪的音乐中，由于人们突然面临着多重的选择，在这种多元选择的局面中，人们难免首先会感到惊喜与自由，但是当我们进入局面之中，试图选择却又感到无从选择的时候，便产生了恐惧的心情，这种无所依托的结果，是由于我们面对的东西与脑中的东西无任何关联所产生的。谭盾作为中国20世纪音乐的代表人物，其作品是自从中国人向西方学习作曲的一百年来最有个性、最勇敢、最大胆创新，也是最有国际影响的一位。[5]但如今也面临着争议性，从音乐的美学角度来看，一部分人认为其音乐作品是美的，一部分人觉得这并不是音乐，认为他不好听、或者听不懂。在笔者看来，谭盾的音乐是站在现代音乐的理念基础上进行的创作，现代音乐作为当今争议性较大的一个流派，其划时代的意义也许需要经历更久远的时间才能够被大众甚至所有人理解或接受，但我们不可否认的是，现代音乐推动了音乐的整体发展，使其具有了更加多元化的意义，也将音乐推向了一个新的高度。谭盾的作品是中西方元素的相互结合，在借鉴西方音乐创作思想的同时，融入了大量中国传统文化的内容，并给人带来了独特的听觉与视觉享受，弘扬了中国的传统文化，创造了中国独特的作曲手法，将“人、文化、音乐”三者紧密联系起来，我们不得不承认，谭盾的音乐在世界上的影响力以及价值。
四、结语
各个国家都有他独特的音乐，在倡导多元文化的当代社会，我们追求的是每一种文化的平等，而不是单一地、狭隘地以某一国家音乐的眼光作为唯一衡量标准，高于其他一切民族音乐的思想观念。同样，在不同的音乐流派中，我们也要以多元的眼光、不同的审美来看待各个时期的音乐，学会理解与尊重不同的音乐风格，如同当我们面对没有旋律又不在调性上的20世纪的音乐时，我们需要扩张自身的感性范围，调整感性模式，看到调性与旋律之外的内容；如在约翰凯奇的音乐中，我们发现原来音乐不一定都由乐音构成，也不一定都有着具体的音；在谭盾的《道极》中，我们可以看出他对于中国道家思想的传播，向往道法自然的真谛，反对束缚的思想感情。梁茂春教授曾说：在音乐创作中，创新是永恒的，无限风光在创新。作为音乐的欣赏者，也要具有发展的眼光和观念，才能面对永远变化、发展着的音乐新作。笔者认为，我们要有一颗欣赏作曲家创新的心，才能更好地享受、体验音乐带来的美。
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宫廷音乐的类别 宫廷音乐发展的两座高峰篇十一
艺术文化是在建筑设计上逐渐渗透的，通过一点一滴的元素构成，以及创新的结构设计，将建筑艺术形式更加丰富的表现出来。经典的建筑物不仅仅有历史经历的沉淀，要具有明显的文化艺术，通过几代人的认可逐渐的传承下来，这种文化的渗透超越了时代，更能够遗留和继承下来。文化与物质紧密相关，其继承了传统结构设计模式的同时要以目前人们生活需求的物质文化紧密相连，在以文化物质水平为基础进行控制与完善。在21世纪以来，信息技术和科学技术得到飞跃发展，以现代建筑工程体系为依据的建筑模式和方法得到迅速的发展流程，这就为建筑工程设计理念和体系的更新改变提供了基础与平台，在设计中通过改变传统美学概念，以智能化技术要求和手段对目前建筑设计提供了良好基础依据。
5结束语
在日益严重的生态危机背景下，作为一个走在最前列的建筑行业，生态环境的创造有着重要意义。城市是人类文明发展的重要标志，而建筑是城市的灵魂，高贵的灵魂，所以必须具有高尚的建筑。衡量一个高贵的建筑的一个重要尺度就是基础设施建设和环境塑造。
参考文献：
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【本文地址：http://www.pourbars.com/zuowen/1927112.html】
